Film polémico como pocos, “Muerte en Venecia” siempre ha sido fuente de discusión entre los cinéfilos de todo el mundo. Desde quien la considera una obra maestra absoluta y la obra cumbre de Visconti, hasta quien opina que es un film fallido del maestro milanés, decadente y de un esteticismo afectado que lastra negativamente el film. En cualquier caso “Muerte en Venecia” es sin ningún genero de dudas un film fascinante y se hace muy difícil, por no decir imposible, olvidar la serena belleza de sus imágenes bañadas en la sublime música del Adagietto de la 5ª Sinfonía de G. Mahler.
La fuerza poética que destila cada uno de sus planos no ha perdido nada de su fuerza visual con el paso de los años, y son el reflejo perfecto de la fusión de los universos Manniano, Viscontiano y Mahleriano, tres mundos distintos y a la vez complementarios. Nadie podía filmar la búsqueda de la belleza absoluta salvo un director con el legado cultural y el genio creador que poseía Visconti Duque de Modrone, obsesionado en la constante búsqueda de la “belleza de lo sublime”, y que baña el film de una pátina de melancolía y de un cierto fatalismo de espíritu por un mundo que se derrumba.
Una forma de entender el cine basada en una puesta en escena brillante y barroca, una ambientación perfecta que roza la obsesión y una técnica impecable, hacen del cine del maestro milanés una experiencia vital inigualable. Probablemente uno de los mejores directores de actores de toda la historia del cine es obligado hablar de la maravillosa, y poco recompensada, interpretación de Dirk Bogarde impagable en su papel del compositor Gustav von Aschenbach “alter ego” del propio Gustav Mahler, que busca en Venecia la paz de espíritu y donde encontrará al joven Tadzio, encarnación de la belleza física, por quien se sentirá irremediablemente atraído, que le inspirará nuevos deseos de vivir y renovados anhelos de creación artística, y que sin embargo acabará por llevarlo a la muerte en una de las secuencias más sublimes, fascinantes y misteriosas de la historia del cine, mientras contempla como Tadzio, que dirige su mirada hacia el, señala con el dedo un punto perdido en el horizonte.
En fin, un film asombroso, sublime, testamento fílmico de un artista que no encajaba con el siglo que le toco vivir y cuyo espíritu se podría resumir en la frase que Visconti deseaba que fuese el eslogan promocional del film.....”Quien ha contemplado la belleza con sus propios ojos está consagrado ya a la muerte”.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 15 de mayo de 2006

Harry Lime

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Entre tanta opinión encontrada (los que la odian, los que la adoran), yo me situaré en el medio. Como denota mi puntuación, para mí no es una obra maestra (en realidad no sé qué es una obra maestra), pero tampoco una película que haya que borrar de la historia.
A su favor, creo que la película tiene escena bellas, intenisificadas por una música evocadora y una fotografía muy cuidada. Además, la metáfora que se supone que se esconde detrás de la historia es preciosa -aunque quizá poco elaborada para dos horas y pico de película, al menos para mí, que igual los entendidos ven muchos más matices.
En su contra, decir que la sensación que me ha transmitido, como le ha pasado a otros, es que se trata de una historia vacía. Para empezar porque no creo que el guión supere las 10 página a Times New Roman 12 (es decir, no hay casi diálogos). Luego, se supone que es una historia de amor o algo así, pero lo único que veo es una historia de "el-viejo-le-mira-y-el-joven-gira-la-cabeza-lentamente-para-mirarle-sutilmente". Porque casi en eso consiste la película, flashbacks aparte.
En definitiva, es un clásico, y creo que como tal, puede ser interesante verla, aunque sólo sea para formarse una opinión propia. Y creo que aunque os decepcione, seguro que alguna de sus imágenes se os queda grabada en la cabeza durante algún tiempo.

Daniel

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Segunda entrega de la “trilogía alemana” de Luchino Visconti (1906-76). Es una de las obras de mayor renombre del autor, aunque no es la mejor. El guión, de Visconti y Nicola Badalucco, adapta libremente la novela “Der Tod in Venedig” (1912), del novelista alemán Thomas Mann (1875-1955), inspirada en la vida del compositor Gustav Mahler (1860-1911). Se rueda en escenarios naturales de Venecia (Plaza San Marcos, Teatro La Fenice, Lido...), en Bolzano y los Dolomitas y en los platós de Cinecittà Studios (Cinecittà, Roma). Nominado a un Oscar (vestuario), obtiene 4 premios Bafta y el premio especial del 25 aniversario del Festival de Cannes. Producido por Luchino Visconti para Alfa Cinematografica, se estrena el 1-III-1971 (RU).

La acción tiene lugar en Venecia, durante el verano de 1911. El compositor alemán, residente en Munich, Gustav von Aschenbach (Bogarde) se hospeda en el Hotel des Bains, del Lido de Venecia, al objeto de descansar, recuperarse de una crisis cardiaca y recomponer los ánimos tras el fracaso de su último concierto, recibido con abucheos por el público. Llega solo, extenuado y embargado por sentimientos de frustración debidos a la pérdida de la felicidad familiar, recuerdos de la hija pequeña fallecida y el rechazo de sus últimas composiciones de vanguardia. Sólo habla, escasa y esporádicamente, con el gerente del hotel (Valli), el jefe de recepción, un cantante callejero, un gondolero ilegal, el cajero de un banco y el barbero (Fabrizi). Queda fascinado de la belleza ambigua de Tadzio (Andrésen), un adolescente polaco, de unos 13 años, que se aloja en el mismo hotel con su madre (Mangano), sus tres hermanas y una institutriz. Con el chico intercambia miradas, pero nunca tienen una conversación.

El film suma drama, drama psicológico, enfermedad, vejez, fantasía y homosexualidad. El protagonista sufre en su interior una lucha abierta entre lo que le dicta la razón (junto a la costumbre de toda la vida) y los impulsos que recibe de sus apetitos y deseos. Decide no ceder al deseo y regresar de inmediato a Munich, pero unos imprevistos se lo impiden. A partir de este momento el film aborda una pausada reflexión sobre los conceptos de arte, belleza y vida. Lo hace por medio de unos diálogos interiores que el realizador explica con la ayuda de flashbacks.

El ambiente que envuelve el relato presenta un enrarecimiento progresivo de la mano de la presencia cada vez más próxima y determinante de la muerte. De ella hablan el reloj de arena, el indigente que se desploma en la calle, las imágenes de una Venecia envejecida por el paso del tiempo, la erosión y la humedad, la desinfección de las calles, el avance silencioso de la enfermedad, etc. En este marco, melancólico y sombrío, la película centra la atención en varias cuestiones capitales.

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Establece que el arte es una construcción humana, fruto de la inteligencia, la pasión y las habilidades; que la belleza se halla situada más allá y por encima de la naturaleza; que la perfección, el perfeccionismo, el detallismo, la integridad moral, etc., no tienen relación con la belleza. Sobretodo quiere comunicar que Gustav, el músico, el maestro, el compositor, el artista, ha dedicado toda la vida al cultivo de los valores estéticos. Al final del camino alteran su paz interior numerosas dudas y abundantes incertidumbres. Pese a todo sigue empeñado en la búsqueda de la belleza.

Rinde homenaje a la vejez, la decrepitud, la ancianidad, la fugacidad del tiempo, la brevedad natural de la vida. Ni la edad avanzada, ni la enfermedad, impiden al ser humano el goce del placer estético, la experiencia más excelsa. Es una experiencia de plenitud que da sentido a la vida y la alienta. Sólo han gozado plenamente de la vida aquéllos que han incorporado a las suyas la emoción estética y han hecho de ésta la razón de la propia existencia.

Se habla de la dualidad de la vida y de la lucha que se establece con frecuencia, o inevitablemente, entre la razón y la pasión, la moral y el deseo, el arte y lo vulgar, la belleza y la mediocridad, los valores y el egoísmo. La opción por el arte, la belleza y la experiencia estética, es la más rica y satisfactoria. Es superior en relación a las demás, la única que ennoblece el espíritu y lo engrandece, la que eleva al ser humano por encima de lo temporal y transitorio para llevarlo a vivencias superiores.

Los diálogos son escasos y breves. El discurso narrativo se desarrolla con la mente y mediante evocaciones del pasado a través de siete flashbacks. La ausencia de un narrador se suple con una invitación a activar la capacidad de percepción de lo que se sugiere con gestos sencillos, expresiones corporales contenidas, sobreentendidos y detalles alegóricos o simbólicos. Nos habla de la proximidad del final del protagonista, de la conclusión de una época, de la extinción de una clase social (la aristocracia) y del alba de un tiempo nuevo, turbulento e incierto. La interpretación de Dirk Bogarde (1921-99) es considerada por muchos la mejor de su carrera. Silvana Mangano encarna la serena plenitud de la belleza humana.

La banda sonora suma cortes de la 3ª y 5ª sinfonías de Mahler, de modo especial del “adagietto” de la 5ª sinfonía, que hace las veces de leitmotiv. Añade fragmentos de la opereta “La viuda alegre”, de Lehar, de una canción popular napolitana (“La risata”), de “Canción de cuna” de Mussorgsky y de la composición para piano “Para Elisa”, de Beethoven. La fotografía, de Pasquale de Santis (“La caída de los dioses”, 1969), en color (technicolor) y pantalla panorámica, se sirve de una cámara tranquila, de suaves movimientos y abundantes “zooms” de aproximación, según la moda del momento. Compone imágenes suntuosas, de gran belleza plástica.

Miquel

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Ignoro qué interpretaciones puede contener "Muerte en Venecia", supongo que serán múltiples y bien distintas, pero lo que sí sé es que me importa un bledo cuáles sean. Esa estética que aparentemente maneja tan bien Visconti, aquí deviene en caricatura que no hace sino acentuar lo ampuloso y recargado de su discurso, discurso que ni logro ni quiero captar.

Porque aquí nada me parece bello. Nada. Que Visconti utilice como personificación de la belleza a un adolescente andrógino me parece patético. Quizá sea el símbolo de la belleza inalcanzable, o alguna gilipollez poética y trascendental de ésas, pero a Visconti se le ve el plumero y se ve que el rubio le debía poner bastante porque la mitad de los planos son del chaval y la otra mitad de Bogarde perdiendo el culo por éste.

Porque para ilustrarte que Bogarde está encoñado hasta maneras demenciales del crío, Visconti lo confía todo en dos personas: Gustav Mahler para que lo subraye absolutamente TODO, y Bogarde, pero por mucho que éste se esfuerce su personaje es insalvable.

Porque detrás de Bogarde mirando al chaval, de la música de Mahler, de una Venecia presa del cólera, de una aristocracia decadente, yo sólo alcanzo a ver una cosa mucho más sencilla que las interpretaciones que se le atribuyen: la nada más absoluta, inflada hasta límites exagerados por pretensiones que no logran nada hermoso ni poético, sólo afectado e irritante.

Por cierto, en los diálogos entre los gafapastas de Bogarde y el amigo, intentando no perderme nada de esas fascinantes y nada pedantes reflexiones, sólo alcanzo a entender una palabra que resume toda la película: “mediocridad”. Un coñazo pretencioso.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

PD: Lo siento Taylor, que sé que te encanta esta peli, pero es que no he podido con ella, sé compasivo. Un saludo, crack.

GVD

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En menos de una semana me he visto Saló y Muerte en Venecia,¨gracias¨ a una amiga estudiante de arte, y voy más colocado que cuando me bajo una botella de wisky del Lidl.
Antes de hacer la crítica he tenido que mirar algunos resumenes por ahí porque la verdad es que me enteré de bien poco. Entre que no soy muy avispado y que me tiré la mitad de la peli roncando y la otra pensando en por qué los guiris que vienen de vacaciones comen en Burguer Kings pues imagínense el cacao. Las dos palabras en las que casi todos coinciden: belleza y decadencia. Vale Venezia es bonita y las escenas de la playas son dignas de Lacoste pour homme y decadencia se referirán a la propia Venezia putrefacta y al personaje de Bogarde. Pero yo creo que la verdadera decandencia de ésta peli es la del talento de Visconti, que se deja el ritmo, acción, guión, dirección, interpretación, etc olvidadas en algún cuarto oscuro. Pero todavía no he conseguido leer nada que me explique de qué va esta peli realmente. El único momento tenso fue cuando mi ex-amiga me preguntó que significado veía en el niño ese señalando el horizonte, a lo que yo contesté ingenuamente: ¿un ángel anunciando la muerte?. Se rió en mi puta cara, tras lo cual comenzó una parrafada pseudoprogreartística que ni pude ni quise asimilar. Lo mismo que haré con el cine de Viscoñazo, Pasotelini y demás genios. Todo para ellos.
P.D: El 2 se lo doy por Dirk Bogarde, que me parece uno de los grandes, se sale hasta en truños como éste.

RumBLeFish

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