Mirando hacia atrás con ira

Aquellos artistas ingleses que siempre y contra todo defendían la Verdad -objetiva y completa- se sentían bastante incómodos con la hipocresía, la inhibición, el chovinismo y la falta de inteligencia que lucía, en su mayor parte, el cine que se venía haciendo en aquel país en la primera mitad del siglo XX. Lindsay Anderson, por ejemplo, se resentía de que “los numerosísimos problemas que han ofuscado nuestro horizonte: las huelgas, los teddy-boys, los experimentos nucleares, las traiciones perpetuadas por los científicos, la creciente arrogancia de los burócratas y semejantes, o la presencia de tropas estadounidenses en nuestro territorio” (1), hubiesen pasado inadvertidos para la gran mayoría de cineastas.

Cuando en 1956, en el London’s Royal Court Theatre, se estrenó con arrollador éxito la obra de John Osborne “Look back in anger” (Mirando hacia atrás con ira), bajo la dirección de Tony Richardson, la crítica conservadora se le vino encima con los epítetos menos afortunados y reaccionarios, mientras que, los jóvenes, aplaudían a rabiar aquel intento de mostrar la inconformidad y la desazón emocional que embargaba el alma de tantísimos adolescentes. Ya Inglaterra no era el país sin problemas que solían vendernos en las películas y ahora podíamos ver la pobreza, la soledad, la falta de oportunidades, la discriminación, la improcedencia de las autoridades… A Tony Richardson, como a John Osborne, Lindsay Anderson, Karel Reisz, John R. Schlesinger, Desmond Davis y otros tantos, les interesaba romper con la falsa conformidad de “Todo bonito, todo bueno”, pues bien sabían que cuando los problemas salen a la luz es cuando empiezan las soluciones. El resto es ¡tapen, tapen!, para que todo siga como ahora: El pobre en su tugurio y el rico en su castillo.

“MIRANDO HACIA ATRÁS CON IRA” es una historia de amor entre dos personas del pueblo: Él, Jimmy Porter, es un vendedor de confites en una plaza pública que los fines de semana juega a ser un trompetista de jazz en un modesto club nocturno. Ella, Alison, su esposa, es una ama de casa que ahora descubrirá que se encuentra en embarazo. Pero su relación no consigue solidificarse porque las carencias y las muchas cosas desagradables que, sobre todo él, percibe cada día, lo vuelven explosivo e intolerante. Y de pronto, una chica del pasado aparece de nuevo en su vida y esto va a complicar mucho más las cosas.

Con muy buenas actuaciones de Richard Burton, Claire Bloom y Mary Ure, Richardson nos brinda una película que no está hecha para divertirse, y sin restricción alguna, el suyo es un grito para despertarnos. Él no quiere que sigamos siendo pasivos ante una realidad que poco o nada nos ofrece cada día, no quiere que sigamos a punta de pan y circo para mantenernos conformes con la dura cotidianidad. Su filme, nos pone ante un espejo que para muchos será como estarse mirando directamente en él. ¿Y es esto vida? ¿Es todo lo que podemos lograr y es todo lo que merecemos? ¿No vamos a hacer nada para cambiar lo que podemos cambiar? Porque siempre que le preguntes a Dios qué está haciendo para solucionar los problemas de este mundo, Él te va a responder: “Estoy haciendo a hombres capacitados como tú”.

Parafraseando un comentario de Alison, hay quienes sufren porque todo ha cambiado, otros sufren porque nada ha cambiado, pero la mayoría sufre, en realidad, por no ser capaz de emprender los cambios que deberían darse en sus vidas.

Título para Latinoamérica: “PASIÓN PROHIBIDA”

Basada en una obra seminal del teatro británico escrita por John Osborne, de gran carga autobiográfica y estrenada en los escenarios un par de años antes, la adaptación de Ralph Richardson –quien, por cierto, la había estrenado en Broadway- está rodada a ritmo de jazz, con una urgente naturalidad y cercanía y una gramática diferente a la habitual –eran las maneras del free cinema, tan parecidas a las de la “nouvelle vague” francesa, que también estaba naciendo en aquellos años- llena de escenas naturalistas con planos más cercanos y encuadres premeditadamente descuidados. Si los problemas que se discuten en la película hoy nos resultan un poco ajenos ninguna duda nos puede caber sobre la aterradora, eléctrica y agotadora interpretación de Richard Burton en el papel de Jimmy Porter, cuyo rencor e ira incendia con intratable brutalidad todo lo que hay a su alrededor, incluido él mismo. Retrato de una generación autocompasiva y victimista, es la labor de los actores la que sostiene aún hoy con enorme fuerza –también soberbias Mary Ure y Claire Bloom- un discurso que nos resulta ajena y ridículamente pueril en su autodestructiva inacción y en su verborrea idiotizante e inane. Dejando esa cuestión de lado, una gran película.

Primer largometraje del más brillante realizador del " Free Cinema ". Antes había dirigido a medias un cortometraje de 22 minutos, con Karel Reisz. Sobre el mundo del jazz.
La película arranca con mucha fuerza, a ritmo de jazz, cómo no. Con un trepidante Richard Burton. Fantástico en su airado y derrotista personaje. ( Su físico era un poco mayor para el papel ) Aunque lo suple con creces con esa rabia continua y ese fuego que irradia de sus ojos.
Considerada por la mayoría como la primera obra de éste movimiento contestatario y social. En su momento debió generar una ola de detractores y admiradores, así como escandalizar a la puritana sociedad Británica. Para mí, la más conservadora y purista de Europa. (Hoy día siguen encabezando el ranking). Con sus obsoletos valores y su dios salve a la reina. Sociedad elitista donde las haya.
Lastrada por algunas secuencias excesivamente teatrales, así, como por algunos diálogos en exceso literarios. La participación del autor de la obra teatral. Osborne, que aquí, encima se ocupa de los diálogos. La hacen un tanto
sobrecargada y produce en situaciones un clima un tanto artificial con ese lenguaje teatral. Aún así, posee muchos dardos verbales genuinamente venenosos.
Contiene escenas de enorme dureza psicológica. Debió ser una bomba de napalm en su día.
Una Inglaterra gris, mediocre, cochambrosa, racista, elitista, clasista, anclada en su pasado, es la que retrata.
Me encanta la secuencia del cine. Están viendo una película del poder colonial Británico y la masacre en la India.
Tiene algunos diálogos soberbios. Así describe al padre de clase alta de su mujer. "Una de las viejas plantas que quedan de las salvajes colonias. Que no puede entender porque el sol ya no brilla". Y el monólogo posterior del padre, de como se siente, es brutal. O el diálogo sobre el Amor " No es bueno bromear con el amor. No se puede caer en él, como si fuera un trabajo suave sin ensuciarse las manos, requiere músculos y agallas. Si no soportas la idea de salir herida... Es mejor renunciar a la idea de la vida y convertirse en santa. Por qué nunca lo harás como un ser humano". ( No cuento nada del argumento ). Justo después del travelling, enseñando a los viejos mientras pasean por el gris y neblinoso parque. Tony Richardson, ya da señas de identidad y calidad cinematográfica. Aunque se nota es su ópera prima y pesa el esquema teatral en que se basa.
El título de la película es apropiadísimo y sin duda da mucha información de su contenido argumental. Es casi un grito de guerra.
Valiente filme, que debe verse. Pues es un fiel ácido y honesto retrato de una época.