Cuenta Aleksei Batalsov (Boris) cuarenta años después, que una de las grandes virtudes de esta película fue la novedad en cómo mostrar una realidad familiar multiplicada por miles en aquel entonces en Moscú. No había ninguna familia que no tuviera un pariente en la guerra, sumado a que todos los que vivieron esa época recuerdan con tristeza el momento de migración masiva a Siberia.

Pero la novedad no estaba en ello, sino en que Mikhail Kalatozov tuvo la suerte de tener a Sergei Urusevsky al mando de la cámara y la fotografía, con quien hizo un click de tal virtuosismo que sólo basta con ser un burdo espectador de la belleza de las imágenes. Este derroche visual, con perfectos encuadres en profundidad y juegos de cámara de alta complejidad, otorgan agilidad a las escenas y regalan una sensación de espontaneidad cuando tras bambalinas sólo se observa perfección y detalle.

Y sí, esta película es una buena historia de amor y de espera de una mujer, con muy buenas actuaciones. Pero sólo sería eso sin la novedad de su forma. Del todo recomendable.

Del director Mikhail Kalatozov nos llega esta notable película sobre la Segunda Guerra Mundial, cine soviético que no deja indiferente a nadie.

Nos narra la triste historia de Verónica y Boris, una pareja de enamorados que por culpa del inicio de la Segunda Guerra Mundial se separarán ya que Boris será llamado a filas y tendrá que dejar a su amada Verónica. La primera parte de la película se centra en la feliz pareja (como coquetean, como se van enamorando) y nos muestra lo mucho que se quieren, con algunos planos sorprendentes como es el de la escalera de caracol, en forma de espiral, espectacular, algo poco visto. El momento en el que Boris es incorporado al ejército es un momento amargo, sobre todo para Verónica. Aquí empieza esta triste y bonita historia de amor, una vez más perturbada por el horror de la guerra.

Un blanco y negro muy correcto, con una historia efectiva, emotiva y muy sensible (sobre todo el final). Merece la pena (eso creo); a mí me conmovió y me hizo sentir como pocas veces, lejos de algunas películas de este estilo un tanto cursi. Esta ¡NO lo es! Hay que destacar a la actriz que interpreta a Verónica, muy creíble y con mucha capacidad para transmitir sentimientos.

Disfruten del buen cine.

Increíblemente sobrecogedora. Emplea una narrativa y estética vanguardista con algunos recortes propios del neorrealismo italiano.
Estupendas ideas de iluminación muy bien escritas a manos de Sergei Urussevsky, de quien, en este film, observamos innumerables aciertos expresivos que recuerdan a los trabajos del mismísimo Russell Metty; aquí utilizados, principalmente, sobre los rostros de los personajes, que, junto a las ideas de luz, consiguen "hablar con la mirada".

Si es cierto que se abusa de los primeros planos, sobre todo en momentos en que la misma acción dramática pedía a gritos cuadros generales. Y que algunos movimientos de cámara, a razón de servir de herramienta para ordenar el flujo de información, hace perder fuerza a algunos otros en los que la intensidad, por contraste, resulta menor.

Fantásticas interpretaciones en las que cabe destacar a la hermosa protagonista, Tatyana Samoilova.

Le decía a una amiga que de haber sido americana, Cuando pasan las cigüeñas seria considerada una de las veinte mejores películas de la historia del cine. Sencillamente. Ni más ni menos. En tal caso seguro que superaría con creces los 1634 ridículos votos que alcanza en el momento que escribo esta crítica. Películas americanas que no le llegan a las suelas de los zapatos multiplican por diez la puntuación general, aunque la nota promedio ha de reconocerse, como es lógico si nos atenemos a la calidad de la producción, es de un justo notable. Ello, pero, no se si compensa. Lo que demuestran las estadísticas es que es una obra escasamente conocida pero justamente valorada, como no podría ser de otra manera, por los que la visionan.

Cuando pasan las cigüeñas es una obra magistral de un director excepcional. No voy a repetir las peculiaridades formales que la hacen brillar en todo su metraje, ya ha sido ampliamente descrito en otras valiosas críticas de esta misma página. Lo único que lamento es la sospecha de que por el hecho de ser una producción rusa en blanco y negro, filmada en la época comunista, un gran sector del público ya la discrimine por potencialmente aburrida.

Y más lamentable, aun, es que su mensaje pacifista y humanista de dimensiones universales sea ninguneada por ser considerado una apología del sistema socialista. Me gustaría saber donde, los más suspicaces, ven la ideología marxista encubierta traspasando al celuloide. Supongo que escondida en sus propios prejuicios, listos siempre para encontrar enemigos detrás de los cuales escudarse. Lo que yo sospecho es que los mismos personajes glorificarían un mensaje tan filantrópico de manera muy diferente de emerger de una manufactura americana.

Sea como sea, si te consideras cinéfilo, tienes que verla. No te arrepentirás.

196/10/27(11/15) Muy atractivo film soviético del director Mijaíl Kalatozov, sugestiva oda a las gentes que se quedan en la retaguardia en las guerras, a las mujeres que sufren la ausencia de su amado por alistarse en el ejército, hermosa historia de amor, conmovedora visión de la WWII, pero no del frente bélico, si no entre los civiles que sostienen el día a día de la nación, se aleja del heroísmo en batalla para centrarse en la angustia existencial de los que están tras las líneas de guerra. Pone el foco sobre una mujer enamorada, sobrelleva como puede la marcha a la contienda de su novio, la ausencia de noticias de él la sume en la desesperanza, se mezcla con tino con la rutina civil, con ciudad acorazada ante una supuesta invasión, con bombardeos, con traslado a los Urales, con la corrupción moral de los que no han ido a luchar, sugerente fresco de los tiempos de guerra entre la gente que no va a ella. Contado con estilo visual de una belleza sibarita, con sabrosa miscelánea entre el expresionismo alemán y el neorrealismo italiano, puesta en escena prodigiosa. Stalin ahogó a los cineastas que se salían de los renglones marcados de la propaganda stalinista, a su muerte hubo una ola de cierto aperturismo en el cine, prueba de ello es este film, que nos habla de temas espinosos para los soviéticos, donde todos los rusos no son patriotas radicales, donde hay corrupción, cobardía, traiciones, lo que se llama la Condición Humana, cinta que en plena ebullición de la Guerra Fría consiguió distribución, y éxito de público y crítica en USA y Europa, alcanzando la palma de Oro en Cannes, segundo film ruso en conseguirlo, y una mención especial a la actriz Tatyana Samojlova. El título en español (francés e italiano) habla de cigüeñas, en realidad hace referencia en ruso a grullas, aves que cruzan el cielo de Moscú en abril/mayo de cada año, para volver a emigrar a la llegada del otoño (octubre/noviembre). El guión de Viktor Rostov se basa en una obra de teatro propia, “Vyechno Zhivye” (Eternamente vivos) (1954), que escribe durante la WWII, no la puede estrenar hasta 1954 (tras la muerte Stalin en 1953) por problemas de censura.

Tormentosa historia de amor de una enamoradísima pareja rusa separados por uno de los Cuatro jinetes del apocalipsis, la Guerra, expone la soledad física y psíquica en la que cae ella, la presión de la sociedad, sus dudas, sus anhelos, su estado de ánimo se mueve bipolarmente entre la depresión y la esperanza, esto expuesto notablemente con un gran estudio del personaje, un lienzo sobre el amor verdadero, el paso del tiempo, la dignidad, la amargura, el honor. En realidad el gran mérito del realizador es hacer de un relato muy simple algo fascinante, envuelto en una estremecedora estética visual, con un desarrollo absorbente, que tras este tortuoso romance deja traslucir con inteligencia el fondo de una sociedad colapsada, dañada, temerosa, doliente. Kalatozov en el primer tramo del film exhibe con maestría el amor de estos amantes, con tomas obsesivas que capturan su unión, su amor, su pasión, ello en una evolución de asfixia psicológica. Una narración sólida sobre los horrores de la Guerra, sobre las miserias que deja, sobre las heridas incurables y a las que hay que sobreponerse. Esto es contado por el director con pulso valiente, con utilización de elementos llamativos, como elipsis maravillosamente enlazadas, como la exposición de horrores como una elíptica violación, o las miserias inherentes a los conflictos bélicos, como la corrupción política o el mercado negro.

Radiografía en la que cada personaje enarbola una característica determinada frente a la guerra, Boris es el adalid de la solidaridad patriótica, el hombre idealista que a pesar de ser un joven enamorado se pone al servicio de su país para defenderlo, se sacrifica por el bien de la comunidad de su nación. Veronika es el símbolo de la mujer que espera en la retaguardia, la que duda, la que sufre pérdidas familiares y de hogar. Mark es el reflejo de todo lómalo interior, una figura popular en la URSS, la del artista egoísta, la del bohemio cobarde, traidor e inmoral, que con arteras maniobras se ha librado de ir al frente y luchar por su país, además acosa a la novia de su primo que no puede estar allí por estar en la Guerra. Fyodor es la voz de la veteranía, la sabiduría, la rectitud, el Doctor que atiende a los lisiados en batalla, es la comprensión.

Puesta en escena deslumbrante, llena de imaginación visual puesta al servicio de las emociones, con un estupendo diseño de producción de Evgeniy Svidetelev (“Yo Cuba”), rodándose en Moscú y estudio, hace de la capital rusa un escenario donde late tensión de guerra, lugar poblado de erizos de hierro, sacos de arena, sirenas de alerta o estallido de bombas. Esto atomizado por la Magna fotografía de Sergei Urusevsky (“Yo Cuba”), en glorioso B/N, jugando con planos opresivos, angulaciones obsesivas, grúas, travellings memorables, picados y contrapicados, planos-secuencia sensacionales, excelsas profundidades de campo, una cámara ágil, danzante, con coreografías de movimiento que recuerdan a “Ciudadano Kane”, experimentando con las sombras, los claroscuros, planos torcidos, aportando magnífica expresividad a las imágenes y a los actores con primeros planos sublimes, de enorme sensibilidad y elegancia expositiva, brillante el inserto de ensoñación pre-muerte de uno de los personajes, con simbolismos visuales de gran riqueza, como las grullas volando en formación de V al comienzo y al final, ya con la Victoria, labor estética que se considera precursora de la Nouvelle Vague gala. La música del compositor Moisei Vainberg imprime sentimiento y evoca melancolía, envolviendo en un halo trémulo por momentos las imágenes con sus melodías orquestales en las que sobresalen los vibrantes solo de piano.

Se le puede achacar cierto tufillo ideológico, tendenciosa propaganda que loa el colectivismo en contra del individualismo,... (sigue en spoiler)