La frase: Hal: “Esta conversación ya no tiene sentido, adiós Dave”

La escena: El Dr Borman está en ese cubículo todo rojo, rodeado de miles de circuitos cristalinos desconectando a Hal mientras éste le pide parar y le dice que su mente se está yendo, es una escena que podría ubicarse no en el 2001 sino 1000 años después, mágica por la luz, el modernismo increíble y el diálogo trágico.

El momentazo: Esos casi 10 minutos de viaje psicodélico que transcurren cuando Borman tiene el contacto con lo desconocido en las cercanías de Júpiter, es impresionante el efecto logrado por la fotografía de Odisea la cual además concluye con la escena absolutamente surrealista de la casa donde distintas versiones del Dr. Borman se van viendo a si mismo más y más anciano, podrían haber dado al espectador una pastilla de LSD y quizás, el efecto hubiese sido similar.

La Actuación: Irónicamente el personaje mas humano resulta ser una máquina, así que la actuación corresponde al mismo, a Hal, sobre todo en su momento final cuando vislumbra su muerte (desconexión).

Analizar Odisea 2001 no es nada fácil, en su momento fue una película absolutamente vanguardista tanto fotográfica como conceptualmente y si en los 60s hubo gente que no la entendió a pesar de ser una época en la que el mundo estaba abierto a explorar y experimentar absolutamente todo lo nuevo, es de suponer que en este siglo XXI, mucho menos ambicioso intelectualmente, habrá mucha gente que no pueda con ella.

Stanley Kubrick fue un visionario y si uno analiza su biografía se da cuenta de que fue un hombre que siempre contó con información privilegiada, recordemos Barry Lyndon filmada con una cámara que costaba millones y que le prestó el gobierno de los Estados Unidos (las malas lenguas dicen que fue a cambio de filmarles los viajes del Apolo), recordemos la brutal y fascinante Naranja Mecánica y varias más. En Odisea 2001 hay hechos que demuestran lo anterior, algunos tan sutiles que es fácil pasarlos por alto, por ejemplo cuando los pilotos están analizando la pieza fallida en una pantalla y empiezan a verse muchos circuitos impresos, recordemos que estamos en los sesentas y es aun la época del transistor que apenas ha reemplazado a los bulbos (válvulas de vacío) sin embargo ahí aparecen nítidamente los circuitos impresos en una época en que las calculadoras apenas lograban multiplicar y dividir y los ordenadores eran unas monstruosidades con capacidades que hoy nos darían risa.

Odisea es tan rara que no necesita de grandes actuaciones, ni de actores famosos, ni de muchos diálogos, su sustento está en la magia visual absolutamente vanguardista y en un guion que se anticipa décadas y presagia cosas tan terribles como los peligros de la Inteligencia artificial o que de manera sutil satiriza sobre el típico secretismo de los gobiernos (particularmente el de los EEUU) o su cinismo inhumano al enviar a astronautas a Júpiter sin decirles toda la verdad y dejándolos a merced de un ordenador que acaba volviéndose en su contra.

Sí, posiblemente haga falta la madurez de los años que hace que las personas se muevan más despacio para entender y sobre todo para disfrutar de esta película pero una vez superada esa barrera la misma resulta mágica y única por muchas razones:

1. Porque marca un hito y establece un campo que se desarrollará enormemente con Star Trek, Star Wars y una infinidad de experimentos más.
2. Porque es una especie de Opera
3. Porque es efectivamente la odisea del ser humano
4. Porque su banda sonora es extraordinaria
5. Porque nos sustrae de la realidad, nos introduce en una especie de éter alucinatorio y sin explicarnos nada nos dice muchísimo.

Una buena película que no llamó la atención irónicamente debido a un título que para muchos era ambiguo: “Morituri” (De la antigua Roma los que van a morir te saludan).

La frase: ¿Qué es lo que prueban las guerras? Hombres, mujeres y niños son masacrados para que una generación después amigos sean enemigos y enemigo amigos y todo el estúpido circulo se repita de nuevo…

La escena: Excelente todo el montaje a bordo del barco

El momentazo: El capitán, orgulloso ve que su hijo militar ha hundido muchos barcos pero entonces se da cuenta de que uno de ellos ha sido un barco hospital…

La actuación: Creo que ambos protagonistas lo hacen muy bien destacando sobre todo Yul Brynner cuyo personaje es más intenso y dramático que el del frio y calculador Brando.

Excelente película bélica dirigida por Bernhard Wicki, música de Goldsmith y fotografía de Conrad L. Hall (nominado al Oscar que curiosamente le fue arrebatado por otra película a bordo de un barco “El barco de los locos”), en la que los “buenos” y los “malos” no coinciden necesariamente con nacionalidades o países sino con individuos que atrapados en la guerra reaccionan con nobleza y heroísmo o con fanatismo y brutalidad. Ambos bandos chantajean a los dos protagonistas para que efectúen acciones contrarias, ambos están inconformes, ambos tienen aun escrúpulos.

La fotografía en blanco y negro es muy buena con planos aéreos, interiores, exteriores, niebla, acción intensa a bordo, hay una escena en la que Donkeyman (Hans Christian Blech) corre a toda velocidad por la cubierta y nos da una idea de lo largos que son los barcos.

También está muy bien logrado el ambiente de la guerra en el mar donde no todo era disparar armas, a veces la estrategia, el camuflaje, el “bluf” o la paciencia eran las mejores armas y lo mismo aplica al muy astuto personaje de Brando (Robert Crain) que se mueve con sigilo y que debe improvisar en todo momento para lograr una meta que se antoja imposible.

Esta es una película que tendrá críticas muy diferentes dependiendo de una circunstancia, si el lector ha hecho o no el Camino de Santiago. Resulta obvio decir que la película se entiende y asimila mucho mejor cuando uno ha vivido esa experiencia, si uno ha caminado 36 días de Roncesvalles a Fisterra y ha dormido 34 de esas noches en albergues y ha cargado su mochila, seguramente apreciará mucho más las anécdotas y mensajes del film. Yo tuve la fortuna de poder hacerlo así y creo que la película capta la esencia del mismo tanto en su aspecto anecdótico como en su aspecto profundo.

La frase: La vida no se planea, se vive

La actuación: Emilio Estévez, hijo de Marty Sheen hizo esta película con el sentimiento y el corazón y eso es algo que se nota en sus apariciones, de hecho la dedica al final a su abuelo Francisco Estévez Martínez originario de Parderrubias, Galicia.

La escena: Los compañeros de Marty Sheen le dicen que de ninguna manera lo acompañaran a la última etapa hasta Muxia, en la siguiente escena aparecen los 4 viendo el bravo mar de la costa da Morte y el irlandés dice: Los escritores siempre queremos tener la ultima palabra pero ante esto…….

El momentazo: Creo que el momento cumbre es cuando aparece Sheen caminando por una ciudad de Marruecos y lleva la mochila a la espalda, con la vieira incluida, ¡lección de vida del hijo al padre asimilada y aprendida! A veces los padres tenemos que aprender de los hijos.

Me ha gustado, es una película que capta lo que es el Camino sin caer en el melodrama ni en idealizaciones o cursilerias, con personajes humanos y mundanos (ninguno de ellos es ni remotamente religioso, espiritual o profundo y sin embargo se ve uno reflejado en ellos) plantea una historia bonita, sentimental y profunda y de paso envía varios mensajes subliminales que ejemplifican de manera casi perfecta lo que es el Camino, mencionaré varios que yo aprendí en el Camino y que después vi reproducidos en la película:

1. El Camino nunca te da lo que vienes a buscar, siempre te da algo diferente, y eso es exactamente lo que les sucede a los personajes que vienen por cosas intrascendentes y simplonas y se van con cosas profundas e importantes.

2. En el Camino todo lo que pasa es bueno, incluyendo por supuesto lo que creemos que es un problema o una desgracia, en la escena en que el niño gitano roba la mochila y Martin Sheen decide abandonar, el padre del niño al darse cuenta de que en la mochila va algo valiosísimo va a devolverlo y los invita a una fiesta, castiga al niño y, más importante aún, le da el mensaje a Sheen de que tiene que depositar lo que lleva no en Santiago sino en el mar.

3. En el Camino lo principal, antes que andar, antes que llegar, es ayudar al compañero, después de que Sheen ha insultado a sus tres compañeros y lo han metido a la cárcel por alterar el orden borracho son los amigos que lo esperan, le pagan la fianza y no le recriminan nada, ese hecho le da a él mucho pero a ellos aun más, a partir de ahí una compañía incomoda se convierte en el inicio de una amistad.

4. El Camino te junta aunque no quieras y te obliga a convivir, la escena en pamplona donde el holandés encuentra a Sheen es una muestra de lo que suele pasar todo el tiempo en el camino.

5. Una escena genial es cuando en el gran parador Sheen les invita a pasar la noche en un super hotel de 5 estrellas, cada uno está en su lujoso cuarto pero se les ve serios y uno por uno, sin excepción van cayendo al cuarto de él preguntando si pueden ir a ese “albergue”, el lujo demuestra quedar muy por debajo de la compañía y calor humano que dan los simples y modestos albergues.

Esos cinco puntos los firmo tal cual pues los viví y hablo con conocimiento de causa.

6. Me encantaron las escenas en las que ve al hijo en todas partes, desde la cárcel donde le guiña el ojo de manera cómplice y comprensiva hasta el momento cumbre cuando está sujetando el botafumeiro en la catedral de Santiago

7. También me gustó el ritmo que va en una especie de “In Crescendo” anímico que de manera subliminal y discreta va pasando de escenas tensas, difíciles, incómodas al principio a escenas de relajamiento y camaradería al final.

Concluiré diciendo que para aquellos apasionados del tema Camino de Santiago existen otros films curiosos y diferentes, uno en particular de manufactura francesa y a manera de comedia que resulta divertida y que también encierra algunos mensajes interesantes es “Saint Jacques, La Mecque” (Santiago-La Meca)

La frase: Las mejores frases sin duda las dieron los especialistas en maquetas y efectos especiales.

La escena: Se rompe una presa y las aguas sucias y turbulentas arrasan todo a su paso, casas, coches, personas, pero es una maqueta, una de las mejores maquetas animadas que yo he visto en mi vida

La actuación: Genevieve Bujold y Victoria Principal, las dos aun jovencitas con papeles muy bien logrados junto a la ya madura diva Ava Gardner que si bien nos choca al verla como hija de Lorne Green (¡es su padre en la película y le llevaba solo 7 años!) debe además cumplir con un papel difícil e ingrato, ser desplazada por la joven y bella amante, ¡a ella!, ¡al “animal más bello del mundo”!, a la seductora de “Mogambo”, la de “La noche de la iguana” donde su baño con dos chicos mexicanos la elevó al olimpo erótico, de “la Cabaña”… sin duda el cine también puede ser cruel.

El momentazo: Walter Matthau completamente borracho luchando por atinarle a su copa mientras todo salta a su alrededor, surrealista y a la vez cómico, aquí cabe mencionar un detalle que a todos escapa, en los créditos finales pone: Walter Matuschanskayasky lo que parece una broma por su papel sui-generis pero resulta que ese era su nombre real.

Entretenida película con ese aire setentero cuando se filmaba mucho al aire libre si bien buena parte de la película, seguramente lo mejor, corresponde a los efectos especiales que se lograban con una buena dosis de trabajo en maquetas, composiciones fotográficas y demás. Los resultados de las escenas de destrucción de edificios, calles, inundaciones son magníficas. Por lo demás tenemos a una Ava Gardner más envejecida que Charlton Heston (son prácticamente contemporáneos) mostrándonos una faceta patética que contrasta mucho con la imagen seductora y fortísima que de ella recordamos, a un Lorne Green (Bonanza) que definitivamente no da la edad para ser padre de la Gardner y a una siempre deliciosa Genevieve Bujold que, al igual que en “Monseñor”, hace un convincente papel de amante discreta y buena. El reparto secundario es importante con actores como Richard Roundtree (Shaft), una muy joven Victoria Principal, el siempre confiable Pedro Armendariz Jr. que, como su padre antes, se mueve en el ambiente anglosajón tan a sus anchas como si actuara en español, un George Kennedy muy en su papel de americanote honrado, sufrido, mal pagado y mal reconocido pero fiel hasta el final, y un Walter Matthau que se da gusto jugando un rato frente a la cámara en el papel de un borrachin. En fin una película divertida con buena fotografía, buenos actores y en la que vemos cosas que no veremos nunca más en las décadas siguientes.

La frase: No, ahora soy yo la plaga, siempre lo fuiste tu pero ahora me toca a mi…

La escena: Todo el arranque en cámara subjetiva

La actuación: Laureen Bacall es muy convincente en su papel de enamorada del fugitivo

El momentazo:
Cuando Moorehead creyendo estar siendo seducida por Bogart escucha una frase y le cambia de rostro al darse cuenta de que es Vincent con cirugía plástica, antes de decir nada sus ojos lo dicen todo

Curiosa película sin duda, sin llegar al nivel de los enormes films negros que Bogart y Bacall filmaron juntos pocos años antes, “Dark Passage” resulta una película de buen nivel. El argumento es tal vez un poco simple y a veces apresurado pero el muy largo inicio en cámara subjetiva (el protagonista no sale en escena porque lo que vemos todo el tiempo es lo que él ve) es sin duda interesante como lo son las actuaciones de dos estupendos actores. Creo que en aras de reforzar la tensión se fuerza un poco la actitud de los personajes secundarios (todo el mundo en San Francisco parece interesado en el pobre de Bogart cuando en realidad todos sabemos que en las grandes ciudades a NADIE le importa NADA de los demás) pero haciendo eso de lado la película transcurre en buen ritmo, con unos personajes que se enamoran auténticamente y que intentan salir adelante en contra de las injustas circunstancias. Llama la atención el departamento muy moderno para el año 1947 y la nostalgia maravillosa de las grandes ciudades sin coches en sus calles, un lujo que definitivamente hemos perdido. Mención aparte merece Agnes Moorehead (recordémosla en la serie de TV hechizada) que representa a una villana muy en su papel pues ninguna película de cine negro puede prescindir de una villana y ésta la tiene.