Film que resultó un auténtico éxito de público pero no de crítica: en los 90's los remakes no eran productos tan comunes como ahora y, de llevarlos a cabo, eran rarezas de los estudios más por sondear el mercado para revivir una potencial franquicia que por ofrecernos un producto a la altura del original.

Pero el remake de "El Cabo del Terror", (1962, J. Lee Thompson) es una historia a parte: es un viaje catártico perfectamente dirigido por Scorsese. Porque a diferencia de la película original, ésta versión busca remover las entrañas del espectador y ponerlo en un estado permanente de desasosiego e indefensión.

La cinta se centra principalmente en el duelo entre los Robert De Niro y Nick Nolte: el primero haciendo de perfecto hijo de puta y el segundo de víctima asediada hasta límites insospechados. Se ha elucubrado que ambos personajes eran las dos caras de la misma moneda: mientras Max Cady usó toda su violencia innata para destruir, Sam Bowden canalizó su violencia hacia el progreso social y económico.

Pero ambos son el mismo personaje, meros animales enfrentarse: difieren los propósitos, Cady, (la venganza) Bowden (proteger a su familiar)

Cualquier crítica acerca de la condición sobrehumana que caracteriza a Max Cady es un mero recurso para plantearnos un personaje carcomido por el odio, imparable, astuto y maquiavélico. Por tanto, más que criticar su personaje y la película en general, deberíamos alabar la actuación de De Niro como soberbia: rezuma tanta ira que transmite pavor.

Hoy por hoy es todo un clásico, un icono que ha trascendido a su propia naturaleza de remake "menor": es un thriller perfecto y, por momentos, creemos que Max Cady se ha convertido en otro villano prototípico de los slasher 80's, sólo que éste si transmuta horror y pavor de verdad.

Ron Cobb, Moebius, Carlo Rambaldi y... H.R. Giger fueron las piezas fundamentales de ese accidente maravilloso llamado "Alien".

Tras la fallida aventura del Dune del pedante, charlatán y pretencioso Jodorowsky , aquel embrión que devino en aborto dejó huérfanos a ilustres nombres como O'Bannon o el propio Giger. De aquel seminal proyecto emergió una obra improbable: de ser concebida como una cinta de Serie B a acabar siendo una de las obras más perturbadoras, influyentes y exitosas del siglo XX, (forma parte de la Biblioteca Nacional Norteamericana)

El Documental se centra en el origen de la criatura más mortífera del universo: la bestia estelar, originalmente extraída de los trabajos del suizo, llamado "Necronomicón" volúmenes IV y V, (basado a su vez en la obra de H.P. Lovecraft) deleitándonos con imágenes del artista esculpiendo y pintando con aerógrafos.

Cuesta creer que una obra con tan humildes orígenes acabara reuniendo a las mentes más brillantes del primer y séptimo arte.

El Documental se centra principalmente en cuatro de los principales iconos que lo lanzaron a la fama: El Derelicto (o nave barada), el Spacejockey, (o mal llamados "ingenieros" por esa aberración apócrifa de Prometheus y Covenant), los huevos y la bestia antropomórfica y fálica con dentadura retráctil.

Su obra marcó a generaciones enteras, (cine, música y sobre todo: video-juegos: cuenta con dos videojuegos de los años 90's Darkseed así como Dead Space, Doom o el próximo Scorn) con escaleras infinitas y laberintos de huesos y mecanismos infernales autondenominados "biomecanoides", como metáfora del descenso a los terrores más recónditos de nuestra mente: psicoanálisis, sexo, muerte, holocausto nuclear, malformaciones y un surrealismo cincelado a golpe de aerógrafo, (una de las técnicas más complejas de la pintura) todo regurgitando influencias desde el Bosco, Goya, Bacon o el más evidente: Dalí, del cual era públicamente admirador y amigo personal.

Por tanto, Giger's Alien, (1979) es un documental indispensable para comprender la calenturienta, mórbida y excepcional mente del suizo, aquel niño que en su pubertad vivía obsesionado con masturbarse en la esquina de una clase, las armas de fuego y el holocausto nuclear.

Y aunque la crítica de arte no ensalce su trabajo al nivel de maestría, (el aeroórafo así como las técnicas hiperrealistas están infravaloradas, lo que unido a su vehemente, tozuda y escasa evolución artística y de mensaje, han reducido a Giger a mero instrumento más del engranaje fílmico) tuvo un más que merecido Oscar, y qué duda cabe, hoy su criatura forma parte del subconsciente de generaciones enteras que aman y aborrecen el engendro por su perfección estructural y letal pureza de dimensiones pesadillescas.

Scott tuvo en mente reciclar parte del trabajo de Giger en Dune para su Alien del 79' pero por problemas presupuestarios, tuvo que dejar en el tintero todos los diseños e ideas preliminares: ideas que fueron póstumamente rescatadas en Prometheus, (2012) para intentar abarcar lo que 30 años antes no pudo hacer.

Recuerdo hace años, cuando trabajaba para Cruz Roja, tuvimos un programa de reintegración de mujeres víctimas de violencia de género. Aquella época fue realmente ilustrativa de un problema que es más recurrente del que muchos piensan: no se trata tanto de trincar subvenciones para ONG's orientadas a uno u otro color político como día a día nos machacan las distintas cadenas de tv, El problema existe y son muy pocos los actores que de verdad quieren frenar un problema de dimensiones monstruosas. De hecho, asistiendo a la formación impartida por José Luis Graña Gómez y Paloma Rodríguez Vázquez, (ambos profesionales dedicados a la investigación sobre las raíces que germinan en el perfil del maltratador) se nos mostró ésta película: "Te doy mis ojos", como preámbulo a lo que nos íbamos a enfrentar en la vida real.

La película no es una alarde de grandes fuegos de artificio, más bien es un viaje al origen del mal. No es el típico filme que se recrea en mostrar escenas sádicas per se, Icíar Bollaín, Luis Tosar y Laia Marull son el idóneo "cuadro clínico", la etiología perfecta para explicar por qué un maltratador es como es y cómo su proceder actúa como un cáncer que va destruyendo física, psíquica y moralmente a la víctima. Una vez más, es un juego de espejos: donde hay inocencia, amor y respeto, (el personaje de Laia Marull) se enfrenta la soberbia, la intolerancia, el odio, la manipulación y la inseguridad, (el personaje de Luís Tosar): Antonio es un monstruo que se nutre de la inseguridad de su pareja para tejer su reino de terror, combinando chantaje emocional y arrepentimiento con humillación, avasallamiento y terror pues en la mente de un maltratador no hay lugar para lo imperfecto: todo ha de ceñirse a sus propios parámetros y dictámenes de perfección, (inalcanzables) y cuando éstos no se cumplen, estallan en una vorágine de violencia irreprimible para con su pareja, porque es con la única que sienten derecho, seguridad y autoafirmación para desahogar toda su intransigencia y frustración existencial.

Por tanto, Icíar Bollaín hace una disección quirúrgica del origen de un mal patronímico de la educación que se ha recibido, la violencia que se ha consumido y el rol de la mujer como objecto de deseo y sometimiento por parte del macho alfa, (reggaeton, cine para adultos y publicidad)

El verso que podría resumir perfectamente el desenlace final de Pilar y el espirito de la cinta lo escribió Patti Smith hace 50 años:

"Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos". (Oath, Patti Smith, 1973)

Cazafantasmas 2 no da para mucho... Una película prácticamente sin guión y que se limita a "perfeccionar" los efectos especiales de la primera y poco más.

Es el eterno problema de las secuelas tardías: mientras la primera se convierte en una obra de culto y en un icono de los 80's, cuantos más años pasan más difícil es lograr una secuela a la altura de la original y al final la decepción es mayúscula.

Los actores no se toman en serio la cinta y parecen actuar más por obligación que por verdadero interés en continuar las aventuras de los 4 fantásticos protónicos.

Sin embargo, la cinta entretiene, no de la misma forma que la original pero no es lo suficientemente desastrosa como para olvidarla. Cumple más como postre de la primera cinta que como auténtica secuela de la misma.

Se deja ver...

"—¿Qué fue primero, la música o la tristeza? La gente se preocupa porque los niños jueguen con armas, o vean videos violentos, pensando que ese tipo de cultura de la violencia les afectará demasiado. Pero nadie se preocupa por niños que escuchan miles, literalmente miles de canciones sobre corazones rotos, rechazo, dolor, tristeza y pérdida. ¿Escuchaba yo música pop porque estaba triste? ¿O estaba triste porque escuchaba música pop?"—"

John Cusack en "Alta Fidelidad"

Cusack y Fears nos regalan una de las mejores películas de la década: toca todos los palos, los estereotipos, dejes y tejemanejes de una generación olvidada: aquellos que se refugiaban en la música, el cine, los videojuegos o la literatura, sólo para ocultar un egocentrismo entrañable, pues no era más que una forma de disfrazar sus vulnerabilidades: algo que hace único al personaje de Cusack:

Es cínico, aniñado, snob y autoindulgente... Pero después de todo, su personaje está brillantemente compuesto por un pedacito de todos nosotros: es imposible no identificarse con él o alguno de los pintoresco personajes del elenco...

Una película que habla de las relaciones y la música y de cómo estas se sobrellevan la tiranía del tiempo... Pero nunca sin perder el buen humor y la crítica ácida hacia el snobismo, pero también hacia la mediocridad de la rutina que posterga la vida adulta a relaciones vacías y un desmesurado apetito por la nostalgia contratastada con el rechazo al compromiso y todo lo que ello conlleva: ¿Seremos capaces de permanecer fieles a nosotros mismos? ¿O el compromiso sólo es una forma de poner punto y final a nuestros sueños de juventud para aceptar la adultez?