Bait

En su debut en el largo, el inglés Mark Jenkin continúa la senda visual ya explorada en sus cortos y mediometrajes anteriores pero esta vez adaptada a una historia que cada vez es más conocida por todos y a la que, quizá gracias a la actual crisis que estamos viviendo, podamos decir adiós en los años venideros: el turismo de masas y la gentrificación. O quizá esté siendo demasiado optimista en ese frente, el tiempo dirá. Estas son los seis elementos (más un pequeño bonus track) sin los que no se entiende Bait:

AirBNB

Resulta paradójico el devenir del gigante turístico desde que se rodó el film hasta el día de hoy. Si algo ha sido golpeado con dureza por la crisis del Covid-19, ese ha sido el sector turístico. En el momento totalmente detenido y con AirBNB habiendo tenido que despedir a un 25% de su plantilla global (lo que equivale a más de 2.000 trabajadores). En ningún momento se menciona el nombre de la compañía, pero queda más que claro desde el primer segundo que la trama gira en torno a la gentrificación del pueblo costero en que se sitúa la acción.

El mar

El año pasado fue un año especialmente “acuático” en el panorama del cine mundial. Películas como El Faro (Robert Eggers) o Retrato de una mujer en llamas (Céline Sciamma) aprovecharon el mar, las olas, la espuma y si me apuras hasta el salitre para darle movimiento, alma y sentido a sus películas. En su debut en el largo, Mark Jenkin también usa el mar no solo como elemento de ambientación, sino como centro de una trama en el que el personaje central es un pescador al que la incómoda presencia del turismo de masas empieza a desplazar de su eje vital y emocional.

Cornualles

En inglés Cornwall, Cornualles es un condado inglés al suroeste de la península. Por sus raíces y lingüísticas, se le considera una nación celta. Tienen su propia lengua y su acento, como podréis ver en la película, es bastante peculiar. Seguramente su habitante más célebre sea Richard D. James (más conocido como Aphex Twin).

El método analógico

Mark Jenkin es desde los inicios de su carrera un gran apasionado del formato analógico, así como de las técnicas de revelado manuales. Él mismo lo explica todo en la web de la película. Para Bait, utilizó unos 4 kilómetros (!) de película Kodak en blanco y negro y la cámara elegida fue una Bolex 16mm. de 1976. El resultado es una película extraña y llena de texturas diferentes, pero que no deja de sorprender visualmente durante todo su metraje.

El sonido indirecto

Consecuencia directa de su gusto por las cámaras analógicas antiguas, el sonido del film es indirecto. Lo que en principio podría sacarnos de la ficción, no hace más que añadir una capa más de extrañeza y dota a la película de un espíritu más experimental. Eso, sumado a un montaje vigoroso y con algunos de los planos más hermosos y evocadores del cine contemporáneo, hace que una película que narrada con métodos más tradicionales y menos inventiva sensorial habría sido un producto convencional, aquí se eleve como una de las mejores películas salidas de Reino Unido en los últimos años.

Expresionismo alemán

La potencia visual que Mark Jenkin sabe exprimir a cada plano de Bait le emparenta directamente con esta corriente. Planos cerrados, asociación de imágenes gracias a su montaje rápido, sombras pronunciadas… Todo ello al servicio de una historia que no se podría haber contado ni siquiera hace 10 años. Es una mezcla que podría haber chirriado y que, por el contrario, consigue mantenerte pegado a la pantalla durante la mayor parte de su metraje.

Bonus track: Jockstrap

La actriz Georgia Ellery, que interpreta a la hija de los “colonizadores”, forma parte del dúo de electro-pop de Londres Jockstrap (no os recomiendo buscar en Google esto). Están empezando ahora pero ya han tenido un feature en Pitchfork, por lo que seguramente veamos a Georgia por los escenarios cuando la nueva normalidad lo permita. Esperemos verla también más por el cine, ya que pese a que su papel no es muy grande en la película, ofrece una interpretación llena de matices y compasión que se gana al espectador.

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Residente o visitante. Una vez más el cine nos presenta una historia de resistencia al cambio, al progreso, al modernismo, a las nuevas prácticas. Lo paradójico es que en este pueblo tan pequeño donde se desarrollan los hechos, algunos de sus personajes parecieran vivir en un círculo y apelan a la premisa de malo conocido que bueno por conocer. Y la resistencia sigue vigente aunque de forma irregular.

Martin es un personaje que aunque tosco revela cierto grado de sensibilidad y ternura, y que choca particularmente con su figura. Los momentos frente a esa pequeña caja de galletas llegan acompañados de un suspiro y agregan valor emotivo a un sueño personal que a fin de cuentas es el motor narrativo de la historia. De la mano de este personaje, y de la bondad escondida tras ese traje de pescador, se presentan ante el relato todos los demás residentes y visitantes de este angosto poblado cerca al mar.

La llegada de los visitantes ha cambiado el rumbo heredado de esta familia, y también de los pobladores. Y para desarrollar este conflicto el director ha decidido volcar la narrativa hacia lo experimental con gran acierto e ingenio, y de esta manera, y con todos los ingredientes sobre la mesa, logra una película especial en relación forma y fondo.

El montaje sonoro y visual de la propuesta es sin duda una exploración admirable y que inyecta solidez a una historia con mucha atmósfera de mar. Ese estilo visual propio de la prácticas antiguas del cine de grabación y revelado, y la inclusión de elementos modernos, resultan una combinación particularmente osada y rebelde. Tal experimento deja como resultado una cinta distinta y refrescante ante tanta repetición de fórmulas de la industria del cine. Véanla, al ritmo de cada quien.

La acción transcurre en Cornwell, pueblo pesquero ubicado en el extremo suroeste de Inglaterra. Es una historia moderna, en tiempos del Brexit, donde los turistas venidos de Londres van expandiéndose como un virus, ocupando las viviendas de los otrora pescadores.

Se enfoca en la historia de dos hermanos que tras la muerte del padre deben vender su casa frente a la costa. Uno de ellos, Steven, ha refaccionado el bote de pesca para acoger turistas que deseen experimentar la vida de una caleta pesquera.

El protagonista es el otro hermano, Martin, que sigue pescando como sus ancestros, aunque no tiene el dinero para comprar un bote. Pesca en forma artesanal mediante redes rudimentarias. Recibe la ayuda de su sobrino Neil, pero apenas le alcanza para sobrevivir.

La historia es sencilla, se enfoca en los problemas que tienen los lugareños frente a los turistas invasores. Son cosas simples como no poder aparcar frente a la costa (Martin alega que el mar es público) o pequeños robos del fruto de su pesca. Ante la salida de la Unión Europea, estos pescadores perderán el acceso a los subsidios y ven con resentimiento a los afuerinos que ocupan las mejores casas durante el verano. Hay un desplazamiento de clases (los turistas tienen dinero) sobre terrenos que pertenecieron a las antiguas generaciones.

El logro principal de la película es estético. Esta historia de gentrificación, producto de la globalización, es filmada con métodos analógicos, en blanco y negro, con formato cuadrado, utilizando una cámara de 16 milímetros de la época de los setenta. El director ha decidido experimentar con imágenes imperfectas de textura áspera, de estética antigua, pero el resultado es todo lo opuesto. Mediante un montaje enérgico que recuerda al expresionismo alemán, con planos cortos que juegan con el transcurso del tiempo, logrando en el espectador una extrañeza, algo novedoso con técnicas antiguas.

El pub es el punto de reunión de las dos clases, donde el alcohol permite disimular las diferencias sociales. Pero durante el día se desatará la tragedia, en planos fijos exacerbados por una música tan extraña como esas imágenes que desde un comienzo hacían presagiar el conflicto.

La estética rugosa calza a la perfección con la historia de estos ciudadanos comunes, le da fuerza al mensaje que el director pretende transmitir.

El apartado técnico recuerda al «Free Cinema» de los años sesenta, movimiento del Reino Unido que congregó a un puñado de autores a rodar en exteriores, retratando la libertad de estos ciudadanos comunes.

Mark Jenkin le da nuevos aires a ese movimiento, añorando una forma de filmar más humana, muy bien acogida en la última edición del Festival de Cine de Berlín, habiendo recibido antes el BAFTA al mejor debut.

El novel director Mark Jenkin consigue sacar mucho jugo a una historia rodada en blanco y negro con una vieja cámara Kodak 16 mm de 1976, procesando además el trabajo a mano. Consigue con ello añadir dramatismo y énfasis a las interpretaciones, sacando lo mejor de ellas con el uso de los primeros y primerísimos planos, además de unos soberbios planos detalles que hacen que las imágenes sean hipnóticas y también desconcertantes.
La fotografía, aun siendo de baja calidad por la cámara usada, es impactante en sus imágenes informales pero está bien cuidada en detalles que consiguen mantener al espectador pegado al asiento, dejando claro por tanto, que no es necesario poseer un extraordinario equipo para rodar un film que capte la atención del público. La música, aun siendo minimalista tiene detalles turbadores y en ocasiones inquietantes que acompañan con mucho acierto la trama cuando es necesario. Cabe destacar también, las estupendas y bien trabajadas interpretaciones que trasmiten en cada escena lo que el director se propone sacar de ellas. Cuenta con los trabajos de Giles Kong, Edward Rowe, Simon Shepherd y Mary Woodvine entre otros.
El guion, escrito por el mismo director, va creando poco a poco una atmósfera enrarecida que mantiene en alerta al público en lo que se le va ofreciendo, ya que el interés por su argumento va in crescendo a medida que avanza la trama y se va cociendo dentro de ella la sensación de que algo va a ocurrir, aunque no sabes el que, porque su director sabe bien esconder sus cartas. Da con ello su creador y guionista señales de que, aun siendo un realizador poco experimentado, tiene bien clara sus ideas a la hora de plasmarlo en la pantalla.
En definitiva, la considero una obra notable y bien trabajada al detalle que tiene además el aliciente de ser ofrecida con unas imágenes de baja calidad que dan sin embargo el resultado contrario a lo que en principio se espera, ya que esta técnica aumenta el dramatismo de las interpretaciones y la historia se vuelve a medida que avanza más y más inquietante en lo que va ofreciendo, logrando un final inesperado pero a la vez convincente que deja tras de si la grata sensación de haber visto una película digna de ser recomendada, no quizás al público en general, pero si a los cinéfilos más exigentes buscadores de cintas que aporten algo novedoso y arriesgado.

Interesante y peculiar, sobretodo en el apartado técnico. Cine experimental y potente. Tampoco me ha parecido una maravilla, pero la historia atrapa lo suficiente.