Residente o visitante. Una vez más el cine nos presenta una historia de resistencia al cambio, al progreso, al modernismo, a las nuevas prácticas. Lo paradójico es que en este pueblo tan pequeño donde se desarrollan los hechos, algunos de sus personajes parecieran vivir en un círculo y apelan a la premisa de malo conocido que bueno por conocer. Y la resistencia sigue vigente aunque de forma irregular.

Martin es un personaje que aunque tosco revela cierto grado de sensibilidad y ternura, y que choca particularmente con su figura. Los momentos frente a esa pequeña caja de galletas llegan acompañados de un suspiro y agregan valor emotivo a un sueño personal que a fin de cuentas es el motor narrativo de la historia. De la mano de este personaje, y de la bondad escondida tras ese traje de pescador, se presentan ante el relato todos los demás residentes y visitantes de este angosto poblado cerca al mar.

La llegada de los visitantes ha cambiado el rumbo heredado de esta familia, y también de los pobladores. Y para desarrollar este conflicto el director ha decidido volcar la narrativa hacia lo experimental con gran acierto e ingenio, y de esta manera, y con todos los ingredientes sobre la mesa, logra una película especial en relación forma y fondo.

El montaje sonoro y visual de la propuesta es sin duda una exploración admirable y que inyecta solidez a una historia con mucha atmósfera de mar. Ese estilo visual propio de la prácticas antiguas del cine de grabación y revelado, y la inclusión de elementos modernos, resultan una combinación particularmente osada y rebelde. Tal experimento deja como resultado una cinta distinta y refrescante ante tanta repetición de fórmulas de la industria del cine. Véanla, al ritmo de cada quien.

A modo de homenaje y de cierto modo como documento autobiográfico, se desarrolla esta ópera prima argentina que se soporta en recuerdos que quedaron grabados en cinta, y que rememoran fragmentos de infancia para recrear la historia de una familia que enfrenta una situación fortuita, que desequilibra aún más la poca estabilidad familiar y afecta los intereses de sus miembros.

La película decide volcar la mirada a la relación de los pequeños con su padre; un personaje particular, anclado en la entusiasmo de la juventud y con una vida desordenada y libertina, que representa esa juventud tardía y el espíritu libre de tantos que están más cerca del arte, y de la música. La cercanía de la mirada permite al espectador observar un amor especial y distinto por sus hijos. Esta relación se construye de manera eficaz con una estupenda naturalidad que le otorgan a la película una aire de agrado y diversión.

La estupenda actuación de la hija mayor y su encanto brindan el soporte necesario para mantener no solo la atención sino la empatía tanto por la historia como por sus personajes. Y en esa misma línea aparece la música como catalizador, como enganche, como narrador. En ese juego ingenioso entre material de archivo, música e historia, se va tejiendo una bonita memoria y un gran homenaje a ese papá diferente, criticado quizás, y curiosamente simpático.

Una oleada de eventos en cadena, como la llegada de una fuerte marea, llega con ímpetu a transformar la vida de una familia y sus conciencias. El relato bien podría dividirse en dos partes, con ritmos y narrativas distintas, y complementarias. Dos realidades bastante cercanas y a la vez distintas primero desde la perspectiva del hijo mayor para luego enfocarse en la menor de la familia.

La primera parte es asfixiante, llena de tensiones y dolor, y con una carga de emociones y vértigo propias del personaje. La disciplina de un deportista, sumada a la efervescencia de la adolescencia se combinan de forma brillante en guion y narrativa. La ejecución de las escenas está acompañada de una sólida propuesta visual con sello de director donde la cámara parece girar al ritmo de la mente de su protagonista llevándonos cada vez más cerca de sus motivaciones y sentimientos. Y en ese juego magistral la música juega un papel fundamental, donde por momentos pareciera sumergir al espectador en un videoclip.

La película logra una empatía necesaria con sus protagonistas, desde el comienzo, con gran mérito. Y aunque tarda en consolidarse con la hija menor, desarrolla de forma lúcida una segunda parte del relato con un compás más lento, como cuando baja la marea y las olas golpean constantemente. Ese respiro que brinda la cinta da espacio a la intensión y el propósito de la cinta de reconocer el valor de la familia, y destacar el bienestar que genera la armonía al interior de la misma. Un relato duro y contundente sobre todo por la forma de contarse; brillantez narrativa y emocional.

Una vida ajena en una escenario blanco y frío y un espacio amplio a la contemplación proporcionan una experiencia sensorial fascinante, gracias a su vez por la exquisita fotografía que elige la película. El búlgaro Lazarov supo entender las bondades del lenguaje cinematográfico para construir un relato donde unas imágenes potentes, unos largos silencios, el sonido del lugar y unas cuantas palabras bastan para abordar con fuerza una realidad particular, y en este caso, distante.

Más allá del complejo estilo de vida elegido o heredado por sus protagonista, está la nostalgia del cambio, inevitable o evitable, de la tierra, de los paisajes, de los territorios. Esa nostalgia brindada a través de las conversaciones, en medio del silencio, enriquecen el drama de un film que se apoya en las dificultades que afrontan este par de viejos para sobrevivir en su mundo simple, puro y alejado del modernismo.

La sensibilidad de los habitantes de este frío norte es inquietante. La percepción de los cambios a través del oído, de la vista, del tacto; evocan tantas capacidades perdidas u olvidadas por un hombre que ahora se aleja cada vez más de la conexión natural. El film en su sencillez resulta complejo, especialmente cuando la relación con sus hijos sale a flote. Ellos que quisieron romper la tradición y el estilo de vida heredado, parecieran corroborar lo ineludible del cambio, del progreso entre comillas, del deterioro de los territorios. Y esa añoranza por mantener sus costumbres pareciera debilitarlos más, como si de una hueco profundo se abriera con el pasar del tiempo, sin retorno, sin salida.

Entre la selva espesa y la humedad asfixiante se pierden por un instante un par de hermanas que sufren su separación momentánea, y a sabiendas de escucharse cerca, continúan su camino para no caer en el desespero. Así se presenta una primera escena tan sencilla y poderosa, y que cobra todo el sentido cuando se han visto correr los créditos.

Esa confidencia y confianza de una verdadera hermandad crece en pocos minutos de rodaje del film, y se hace poderosa con cada palabra escrita en cada carta, y cada lectura de las mismas. Fueron grandes compinches y cómplices de la efervescencia que trae la juventud, siempre nublada por la idiosincrasia machista y cruda, donde la figura de papá y autoridad es intachable, y hoy en día reprochable.

La figura masculina en el film representa la bajeza y pobre mental y social que ha adquirido el hombre como ser dominante y patriarcal, en una sociedad latina enferma y que ha causado grandes traumatismos a las mujeres y sus libertades. Aquellos años de antaño marcaron aún más esa difícil transición de las sociedades por reconocer la igualdad de género. Y aunque esto pueda resultar una lectura entrelíneas, se valora la crudeza del relato para recordarnos la historia desigual e injusta que hemos vivido como sociedad, por años.

La intensidad del film logra calar en la entraña al saber mostrarnos el dolor y la incertidumbre de forma directa, cruda y en carne viva. Perfectamente ambientada en los 50’s, esta película de época sabe conmover con cada nota de piano, con cada grito de mujer, y logra asfixiar de forma continua con cada desengaño. La familia aquí es una muestra de complejidad, y un retrato minúsculo de cómo somos como humanidad.