Es dicha secuencia la primera de tantas a lo largo del metraje en el que los minutos previos a un duelo entre personajes se dilata, la acción se suspende, apoyada espléndidamente en unos trabajados y decisivos efectos de sonido ( el zumbido de una mosca o una gota de agua que cae) y en primeros planos de los diferentes personajes que toman parte de la acción. Estos 15 minutos inmejorablemente construidos y preparados, que acaban con los esbirros del villano Frank (impresionante Henry Fonda) muertos a tiros por el impasible Armónica (un no menos espléndido Charles Bronson),empiezan, asimismo, con un apunte irónico y anticipatorio del ritmo del film: el revisor de la estación apunta las horas de retraso que llevan los trenes que deben llegar a la estación.
Hay otros momentos no menos magistrales en lo referente al ritmo del film. El primer encuentro entre Armónica, Cheyenne (inolvidable Jason Robards) y Jill (la bellísima Claudia Cardinale) en la taberna se da en un momento en el que el camarero empieza a contarle una historia a Jill sobre una prima suya y queda interrumpida por la aparición de Cheyenne, que tras un tenso diálogo con Armónica sale con sus esbirros del local. El camarero retoma entonces la historia de su prima tal donde la había dejado. ¡Han pasado entonces 11 minutos de película!
El paso del tiempo, uno de los temas recurrentes en el cine de Leone, mucho tiene que ver con este tono vanguardista en cuanto a ritmo del film. El director italiano lleva a cabo semejante y arduo trabajo mediante elegantes movimientos de cámara, que van desde el travelling (secuencia de Frank llegando a ajustar cuentas con Morton, con todos sus hombres muertos) a la grúa (mítico entre los cinéfilos el momento de Claudia Cardinale llegando a la estación y entrando en el pueblo). También los relojes están presentes ( desde la llegada de Claudia Cardinale a la estación en el que el reloj le hace saber que nadie ha llegado a recogerle hasta el tiroteo en las calles del pueblo entre Frank y sus esbirros, en el que vemos diferentes relojes dibujados en las paredes de los edificios; incluso, Armónica avisa a Frank de la posición de uno de los tiradores dándole la hora).
Dejando de lado el indiscutible protagonismo del ritmo vanguardista, lo que subyace en HASTA QUE LLEGÓ SU HORA es una profundización y perfeccionamiento de algunos elementos de puesta en escena característicos de su director, ya anticipados en sus anteriores westerns: la música del maestro Ennio Morricone; la fotografía terrosa que produce una sensación de sequedad en el espectador; los personajes sucios, sin afeitar, polvorientos; el hombre sin nombre (en este caso Charles Bronson) que se mueve en la ambigüedad moral y ética (mitificado por Clint Eastwood en la trilogía del dólar); y el contraste entre dos personajes que se mueven uno por dinero (Cheyenne) y el otro para ajustar cuentas del pasado (Armónica).
Todo hace indicar que HASTA QUE LLEGÓ SU HORA fue un campo de pruebas en el que Sergio Leone se entrenó para llevar años después a cabo su, para mí, obra cumbre: ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA (1984). Aparte de compartir título en su versión original, Leone ofrece pinceladas de lo que vendrá en el film póstumo de su carrera.
Y es que, al fin y al cabo, HASTA QUE LLEGÓ SU HORA, como ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA, es una fábula sobre el paso del tiempo, de personajes que envejecen y tienen que recolocarse en la vida y/o dejar paso a una nueva generación. Como muy bien explica Armónica a Frank previamente a su duelo final, los dos personajes son parte de una raza antigua, y tras matar a Frank, Armónica se irá para seguramente no volver jamás, cargando con un fallecido Cheyenne y dejando la población de Sweetwater creciendo y formándose de la mano de Jill, que forma parte de esa nueva generación más joven y con nuevos ideales. Un tema que une a Leone con la forma de ver el mundo de uno de sus maestros y referentes, el magno John Ford.

Así, por ejemplo, Cheyenne le dice a Jill, al final de la película, que se va porque él no es persona para ella; mentira. Se va porque está herido y, como la ama, no quiere que ella cargue con un moribundo ni que le vea morir. Cheyenne le dice a Armónica que ha matado a Morton (el dueño de la línea férrea) porque se lo encontró por el camino; mentira. Lo mata porque desde el principio es el principal enemigo de Jill, el que ordena matarla. Jill le dice a Cheyenne que se quede con ella, que es un “hombre apuesto”; mentira. Quiere que se quede para convivir con un hombre duro que la proteja en una tierra tan hostil. Parece que Frank mata y mata porque es malo, o al menos da esa imagen; mentira. Mata por ambición, de hecho no mata cuando cree que esa muerte impide su ascenso (no mata a Jill, ni a Armónica). Armónica parece no obstante el héroe, tiene pose de héroe, mata a los malos; mentira. Armónica no es malo, pero tampoco es bueno, se deja llevar por la venganza, sentimiento bastante negativo para uno mismo y muy inútil en la vida, no sirve para nada y te llena de odio, y el odio te hace infeliz, te tortura y te impide desarrollar otros sentimientos. Por ello también miente. El odio le consume y por eso no se queda con Jill, no es capaz ni de amar. Seguimos. Armónica no le rompe el vestido a Jill porque la desee (sentimiento imposible cuando te embarga el odio), lo hace para protegerla de los pistoleros que la acechan, para no ser un objetivo fácil (le rasga el cuello blanco) y para que saque el agua del pozo (le rompe las mangas). Tampoco la ama. La protege únicamente porque al ser propietaria de los terrenos es la clave para culminar su venganza. Pero aún tenemos más. Jill parece que disfruta con Frank en la cama, hasta parece que le da cariño: instinto de superviviente; el mismo que le llevó a casarse, rápidamente, con Brett McBain para salir del burdel de Nueva Orleans; el mismo que le lleva a ofrecer agua a los trabajadores en la última escena, Jill pasa en un santiamén de ofrecerle comida a Cheyenne y Armónica a ofrecer agua a los trabajadores, ¡cuando ve que se queda sola! No sabemos los sentimientos de Jill. De los demás sí, bien a modo de flashback (Armónica y Frank) o porque lo dicen expresamente (Cheyenne y Morton). La supervivencia es un no valor. La nada. El nihilismo. Eso representa Jill. Y me deja sin palabras. Curiosidad: Cuando Morton muere se escuchan las olas del Océano al que tanto anhelaba llegar con su línea férrea.

Como anécdota resulta curioso el hecho de que la primera vez que se televisó en EEUU, en 1971, la escena del cruel asesinato del niño por Fonda fue censurada y eliminada, no podía tolerarse que un héroe como Fonda, el mismo que interpretó al joven Lincoln y que guardaba ya plaza en el olimpo de dioses del imaginario americano, encarnase a un hombre desmedidamente cruel y protervo, capaz de disparar sin el más leve pestañeo pero sin dejar de sonreir a un indefenso e inocente chaval, este hecho sospecho que pueda haber significado la pérdida de la verdadera maldad que Leone quería imprimir en el personaje de Fonda, porque todo es excesivo en Leone, como todo en el verdadero Western(no puede haber ambivalencias) y que le restaría mucho entonces a la película porque no se pueden entender muchos de sus actos como la escena en la que se confiesa, y confiesa su carácter ante Claudia Cardinale. Por último mencionar esa melodía de sonidos naturales pero amplificados con que comienza la película, el chirrío del molino, el goteo, es todo un ensayo experimental inspirado en las teorías de Cage que llevó a cabo Morricone y sin duda acertó, no puede añadirse más suspense en la espera de una estación que esos magníficos sonidos que pretenden ser música, la música de los malhechores y del vengador.