Última entrega de "la trilogía de la caballería", Río grande no es una de las grandes películas de John Ford ni mucho menos. Sin lugar a dudas cumple las expectativas de una forma notable, ya sea por John Wayne en su papel como Kirby York o la forma que tiene Ford de expresarse con los distintos mecanismos que brinda el cine.

A pesar de que solamente la presencia de actores como Wayne ya dice mucho, el cast en general, es algo retraido e introvertido. Por contrapartida Ford sabe como expresarse no solamente por las acciones de los protagonistas.

Maravillosa en todos los sentidos. Scarface, el terror del hampa actualmente venerada nos da una lección de como hacer cine. Hawks nos hace participe de ella mostrando unos rótulos iniciales concienciandonos de lo que esta sucediendo en la época, asesinatos, mafias, policías corruptos... ¿Y que vamos a hacer al respecto? Nos dice Howard Hawks.

Por lo que a mi respecta, el director nos da una lección inmejorable de como definir unos buenos personajes. Mientras hoy en día el cine necesita de bombas y explosiones para constreñir un personaje Howard Hawks lo resuelve todo al inicio del film haciendo que Tony Camonte (Paul Muni) encienda, y de que modo, una cerilla en la placa del policía. La acción tiene tanta fuerza que consigue describirnos por completo al protagonista de nuestra historia.

Por consiguiente y ya no solamente utilizando el atrezzo, Hawks aporta un sinfín de ideas y de lenguaje cinematográfico excelente. La melodía que va entonando Camonte la cual describe el estado del personaje y lo que esa cadencia conlleva. Las "X" que vamos viendo en el film cada vez que Camonte comente un asesinato ya sea por luz o por atrezzo, las cuales nos remiten al autor del crimen el cual lleva una "X" marcada en la cara, de aquí el nombre de Scarface. La moneda de Guido Rinaldo (George Raft) y un sinfín más de detalles que convierten la película en un hito histórico en cuanto a género.

Scarface, el terror del hampa se remasterizó en el 1983 por Brian de Palma (El precio del poder), la película se catalogó como una de las mejores películas pos-modernas del género. Y aunque crea que es cierto, también creo que Scarface, el terror del hampa de Howard Hawks es un film (en cuanto a género) inigualable.

Empezaré diciendo que si te gusta el cine y no has visto El último vayas corriendo al videoclub o a alguna tienda a comprártela. No lo digo por el echo de que cuando la pongas vas a pasar un rato disfrutando de una historia sobrecogedora, porque no es así según mi gusto, pero si podrás darte cuenta dela gran cantidad de cosas que creó F.W. Murnau.

Con un guión a mi modo de ver poco sustancial Murnau es capaz de conseguir una pieza sobrecogedora que quedará enmarcada en la historia del cine para siempre. Porque el cine es crear, y Murnau creo, vaya si creo.

Empezando por las ideas de luz, y entrando dentro del contexto expresionista (esta vez más realista hay que dicer), Karl Freund, el fotógrafo, nos aporta en cada momento una luz apropiada para lo que esta viviendo Emil Jannings, sombras concretas en posiciones concretas, contraluces, cambios de luz en un mismo espacio para determinar el estado del personaje. O el simple ejemplo que se muestra en los lavabos, esa luz que entra por la ventana en diagonal convirtiendo el espacio en una mazmorra que encierra el personaje en ese estado de degradación.

Siguiendo con las ideas que se aportaron en los decorados con perspectiva los cuales dan un efecto único y esplendido, abaratan el presupuesto y están controlados al cien por cine. Hollywood literalmente "flipaba" con dicha invención.

Como las ideas que muestra en la forma de encuadrar, constantemente a través de ventanas, puertas y reencuadres con estos mismos, aparentando que las cosas no van a funcionar muy bien para el personaje. Mítico el momento en que la cámara atraviesa una de estas ventanas, expresando esta irrealidad de la situación (el momento en que lee la carta de degradación), en la que el personaje espera todo menos eso.

Evidentemente existen muchas otras aportaciones antológicas, como la caída de los edificios, la utilidad de efectos en cámara para expresar la borrachera, cuando al protagonista le sacan el atuendo quedando metafóricamente desnudo y débil...

Pero si algo hace grande este film, es especialmente por los movimientos de cámara. Fue el primer largometraje en el que alguien se atrevía a mover la cámara tan dinámica y constantemente. Aportando una gran y constante cantidad de ideas, las cuales podría destacar, el movimiento de cámara que sigue las letras de la carta de degradación, movimiento de cámara ideado para enfatizar y dar peso a esas palabras tan claves y trascendentales para Emil Jannings. Movimiento que se ha copiado miles de veces en la historia del cine, y copiado por grandes directores como Hitchcock, Fritz Lang, Bergman, Fellini...

Y es que Murnau en no se quedó corto ya desde un inicio, con ese descenso en vertical de la cámara puedes darte cuenta de que tienes entre las manos una gran obra de arte.

Manhattan, se convierte en una de mis películas favoritas de Woody Allen, con ella culminó su estilo propio junto con Annie Hall, que seguirá en muchas otras películas centradas en relaciones de pareja y psicoanalistas de por medio.

El film, logra cautivar al espectador siguiendo varias tramas sentimentales en las que te sientes identificado o te sentirás alguna vez en tu vida, te enamoras de alguien teniendo esposa, piensas en romper, en dejarlo todo y vuelta a empezar. Woody Allen da vueltas y vueltas al mismo fin de un modo muy atractivo y como no, con un sin fin de referencias musicales, pictóricas, literarias y como no, cinematográficas.

Como siempre digo, creo que es igual de importante qué cuenta la historia como cómo la cuenta. Woody Allen junto a Gordon Willis hacen un trabajo excelente con la cámara dando un sentido atroz a las situaciones que atraviesan los personajes.

He tenido la ocasión de visionar Apocalypse Now Redux en 35mm en la filmoteca de Barcelona y sin lugar a dudas la conclusión ha sido sobresaliente.

Apocalypse Now Redux es el montaje del director de Apocalypse Now, esta versión a parte de ser más extensa aporta mayor información a la historia y subraya aspectos que en la primera versión quizás quedaban algo ocultos. Naturalmente la segunda versión del film no aporta nada nuevo a lo que Coppola quiere contar pero si es más cercana a lo que él imaginaba desde un inicio.

A priori 3 horas y 20 minutos de película pueden parecer agobiantes y angustiosas pero si hay algo que posee el largometraje es la fuerza de unión que crea con el espectador, reteniendo-lo y absorbiendolo hasta el final de la película.

Apocalypse Now Redux es una pieza que inclusive la podríamos catalogar como documental ya que toda la historia va ligada a la guerra de Vietnam (1958 - 1975). De algún modo narra los ataques de los EEUU y todo lo que envolvía dicha guerra. El bando Estadounidense se describe desde un punto de vista inmaduro e inconsciente y esconde una especie de crítica hacia la manera de actuar de dicho edicto el cual se ve reflejado en el comportamiente de Dennis Hopper, Robert Duvall, Sam Bottoms o Lurence Fishburne, entre otros.

Los puntos a destacar supongo que son claros y no por el echo de que hayan sido galardonados con un Oscar sino por todo el trabajo y en consecuencia el brillante resultado que han adquirido.