Cada temporada es común denominador proclamar un “thriller del año” y probablemente desde un punto de vista global Animales Nocturnos lo sea, principalmente porque cumple con una serie de requisitos que pueden degustar tanto el gran público, como los más remilgados, combinando una historia oscura, pero de calado universal, con un ritmo certero que la hace muy entretenida.

Animales Nocturnos nos cuenta la historia de Susan, una mujer de éxito, de la high-class, que recibe la primera novela de su ex-marido, dedicada a ella, para que le de su personal crítica. A través de esta Susan se sumerge en una violenta y triste ficción que remueve su pasado.

Personalmente y más en España, creo que lo de “thriller de año” debe estar más competido, no obstante esta temporada hemos podido ver 3 películas pátrias de un nivel soberbio: Tarde para la ira (Raúl Arévalo), El hombre de las mil caras (Alberto Rodríguez) y sobre todo Que Dios nos perdone (Rodrigo Sorogoyen), que es sin duda una de las películas del año para un servidor. Tampoco podéis dejar de ver, por favor, Comancheria de David Mackenzie, que comparte con esta Animales Nocturnos el ambiente sureño y que es pura delicia, con un Jeff Bridges fantástico. Pero vamos a lo que nos compete.

Sin duda la Animales Nocturnos de Tom Ford resulta muy satisfactoria, con sus virtudes y defectos, pero mayoritariamente efectiva, que cuenta con una historia potente y excelentemente narrada. Además Ford demuestra clase y gusto en la dirección, aportando un tono solemne e inmersivo a la cinta y otorgándole un ritmo que hace que no te despegues de la trama.

El guión, que firma el propio Tom Ford es realmente bueno, ahondando en temas ya muy transitados, como la culpa, el remordimiento y la venganza de una forma original, a través de tres líneas temporales, donde perviven realidad, pasado y ficción, que se conjuntan para dar sentido a la película, centralizado todo su efecto en el personaje de Susan (Amy Adams), que circula entre estás, revolviéndose por dentro.

Quizás lo que le falte a Animales Nocturnos sea la excelencia, que puede ser ponerse exquisito, pero visto el nivel del género es necesario. Por un lado, el montaje entre las tres tramas no termina de parecerme fluido y es un arma que si se hubiese explotado hubiera supuesto un gran aliciente. También existe algún error a la hora de utilizar la banda sonora de Abel Korzeniowski, que por otro lado es excelente, pero en algún momento me resulta sobre explotada.

Necesario es pararse en el reparto, (potencial nominado al SAG por favor), en el que destaca la siempre excelente Amy Adams, en un papel sutil y contenido, que le permite menos lucimientos que el de La Llegada, también de estas características, pero donde no comparte tanto metraje, sin embargo la forma de expresar las emociones que genera en ella su pasado y el libro, es excelente. Jake Gylenhaal está también muy solvente, aunque algo irregular a mí parecer, en algún momento brillante, en otros algo pasado. Sorprendente es la aparición de Aaron Tylor-Johnson en un papel de villano que le permite exhibirse. Sin embargo, del que más se ha hablado, en términos de premios y nominaciones, es del siempre destacado Michael Shannon, que vuelve a tener un papel muy de su perfil (un ido de la cabeza vamos) donde sobresale, dejándonos algunas de las escenas más memorables de la cinta

En un año donde el thriller vuelve a dejarnos muy buenos títulos, Animales Nocturnos destaca por su fuerza, su elegancia narrativa y su tono solemne, suponiendo la confirmación de que en Tom Ford hay un director de calibre. Id a verla, no faltéis.

(vía https://quiasmaoptico.wordpress.com/)

Todo transcurre rápido en el cine actual, al menos en el de aventuras, desde la propia acción, a las motivaciones de los personajes, no hay tiempo que perder, es el tema de la inmediatez que domina el mundo contemporáneo. Por eso, que se estrene una película de este tipo con una propuesta tan clásica, que apueste por el fuego lento en vez del microondas, es de agradecer.

James Gray es un director que me gusta y del que me quedan cosas por ver, me gustó mucho La Noche es Nuestra, pero se me quedo corto en La Inmigrante, lo que esta claro es que deja ver un gusto por el clasicismo y una perspectiva elegante para la puesta en escena. Estas tendencias se dejan ver y magnifican en Z: La Ciudad Perdida, dónde lo que más destaca es la exquisita puesta en escena y un diseño de producción formidable. Gray rueda de forma magistral, cada plano se hace su hueco en pantalla, tiene relevancia y esto junto con una fotografía realmente preciosa hacen que la experiencia de introducirse en la película sea ya de por sí rentable, apartando todo lo demás.

Está elegante forma de encarar la película se traduce en la generación de una atmosfera absorbente e hipnótica, que simula a la propia selva. Crea esa sensación de espesura y fascinación al mismo tiempo, la misma que podemos ver en su protagonista. Me gusta mucho cómo trata las motivaciones de Percy Fawcett (Charlie Hunnam), cómo ese afán de descubrimiento, natural en el ser humano, hace que la selva se vuelva su máxima ambición y obsesión. El guión en el que se apoya la trama es también majestuoso, señorial, el lenguaje utilizado grandilocuente, es una delicia y deja ciertas citas que contienen calado y relevancia, sobre todo al final de la cinta.

Sin embargo, es quizás por el guión donde empiezo a afrontar el único, pero grave problema de la película, la gestión del paso del tiempo. Puede que se deba a recortes exigidos por el mercado, pero lo cierto es que me da la sensación de que falta metraje, está es una película a la que 3 horas no solo no le harían daño, si no que ayudarían a mejorar el conjunto. Las expediciones, en la que trascurren meses o incluso años, dejan la sensación de una excursión de una semana, me falta profundidad, me falta deterioro. Cuándo estas allí sientes lo mismo que los personajes, eso está transmitido de forma genial, pero de repente se acaba.

Se retrata algo mejor en las partes en Inglaterra, pero bueno, tengo que decir que el trabajo de maquillaje y demás podía haber sido mejor. Hunnam tiene el mismo pelazo y cuerpo a los 30 que a los 55. No es esto especialmente relevante, pero me saca un poco de la película.

Hablando de Charlie Hunnam y el reparto, valoro que cumplen de forma convincente, quizás él este a su mejor nivel posible, sin duda es su mejor papel, a lo que ayuda tener detrás de las cámaras una gran labor de Gray. Bien Tom Holland y Robert Pattinson, pero quiero destacar a Sienna Miller, convincente y poderosa cada vez que aparece en pantalla, haciendo notar que quizás es la que tiene más talento.

Por último, quiero destacar el final, una culminación perfecta para la propuesta de la película, elegante, emocionante, sutil y respetuoso y honorable con los personajes. Consigue que la sensación de la aventura perviva tras salir del cine, no se puede pedir más, creo que es difícil encontrar una resolución mejor.

En definitiva, si os despegáis del precocinado actual, entráis en la propuesta clásica y estáis dispuestos a introduciros en la selva de la Ciudad Perdida disfrutareis de una gran película.

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Todos hemos soñado con meternos o en nuestra película preferida, o en nuestra película soñada y me cuesta poco imaginarme a Edgar Wright hace 20 años, cuando era un chaval, viendose a si mismo huyendo de la poli a toda hostia al ritmo de temas como Bellbottoms de The Jon Spencer Blues Explotion, siendo el tipo de vida peligrosa pero gran corazón, que conoce a la chica de sus sueños, siendo el protagonista de un clásico del cine de atracos. Es esta fantasía sobre la que desarrollaba su película idílica.

Y es así, sin ir más lejos, como se inicia la cinta, con nuestro protagonista, interpretado en cuerpo por el joven Ansel Elgort y en alma por el propio Wright, esperando a que una panda de maleantes atraque un banco, con la canción a todo trapo en sus auriculares. Media hora después ya sabes todos los detalles que necesitas de la historia, lo demás es pura adrenalina y diversión.

Si bien es cierto que las virtudes técnicas de la película son notables, no obstante, Edgar Wright es un narrador habilidoso e ingenioso, lo que hace que Baby Driver sea ciertamente única es la mezcla de géneros con la que trabaja, combinando su pasión por la música con su pasión por el cine. De esta forma es como sus fantasías de juventud se van transformando de un “qué bien quedaría en una persecución con esta canción de fondo” hasta convertirse en un musical de acción, modificando las reglas del juego. Porque no se limita a hacernos participes de la adrenalina inofensiva de una película de atracos, si no que nos ofrece una nueva experiencia en términos de estilo que solo me sale comparar con esa ópera de fuego y gasolina que es Mad Max: Fury Road.

Esto es lo que justifica la entrada, porque su trama como tal no es diferencial, lo es la concepción de película que plantea Wright y de la que impregna cada escena. Es clave como nos mete en los oídos del protagonista, percibimos todo como lo hace el, lo cual está muy cuidado.

Otra de las grandes virtudes de la película es su carisma natural, es la segunda base sobre la que se sostiene. Wright ha dado muestras de impregnar a sus films de “molonismo” o “molanza” o como se traduzca la expresión "fucking cool" y las situaciones que nos presenta son hilarantes, es realmente divertida (el remix casero es maravilloso) y cuando requiere ser más transcendente tampoco falla, porque entre otras cosas es una película con alma.

Está claro, que contar con un reparto que cumple estos requisitos de forma más que holgada, con Kevin Spacy, Jon Hamm, Eiza González o Jamie Foxx, acompañando a la pareja protagonista, pues ayuda. Los personajes están muy bien definidos en todos los aspectos, y la relación entre el protagonista y la camarera interpretada por Lily James desprende química por todos lados.

En definitiva, Baby Driver es un ejercicio de dirección del más alto nivel técnico y también de la más profunda personalidad. Wright te hacerte sentir su pasión, tanto por el cine, como por la música, y te vas a divertir viendola porque él se divierte dirigiéndola. Esa es una gran sensación.

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Moon es una ciencia ficción diferente, sin naves espaciales, acción, ni extraterrestes. Una pelicula original, con un guión fantastico, una gran ambientación y un Sam Rockwell que sabe llevar el solo todo el peso de la pelicula, junto con el robot, claro, no nos olvidemos de él.
Moon mas que representar una aventura, representa los sentimientos de un hombre lejos de su hogar, que añora a su familia y su casa, y lo hace muy bien, a traves de la historia que se sucede dentro de la base.
Quizas lo peor de la cinta sea que a veces se hace un poco simple, lo que vemos en la pantalla, y quizas el final tampoco fue el mejos (opinión mia que conste, a otros seguro le habra gustado).
Por lo demas una pelicula muy recomendable

Adoro Pixar, como todo el mundo que no sea un monstruo seamos objetivos, porque tópico es que es complicado que falle y tópico es que es la fábrica de emociones y de sueños más desarrollada y mágica en el mundo del cine. Sus películas siempre se han caracterizado por ese componente adulto en una aventura para niños, es al fin y al cabo lo que las hace tan disfrutables. Del Revés no solo no es una excepción, sino que magnifica este concepto.

Reflexionando sobre la filmografía de Pixar, Del Revés es probablemente la película más adulta de la compañía. Me baso al afirmar esto en que el niño, en este caso, detecta un porcentaje muy bajo de lo que la cinta ofrece en su conjunto. La superficie de la trama la detectan y disfrutan la aventura y a sus personajes, es imposible que un chaval se aburra viéndola, ya que al fin y al cabo es una película muy dinámica y tremendamente divertida. Pero siendo adulto, habiendo pasado por lo que pasa Riley muchas veces en mayor o menor nivel, captas que cada fotograma tiene un significado, no exagero, cada fotograma. Es increíble la habilidad de sus creadores para mostrar lo que pasa dentro de la mente humana y hacerlo de forma tan interactiva y sencilla. En este sentido el guión de Del Revés es probablemente uno de los más habilidosos e imaginativos que ha dado el cine (en general, no de género) en los últimos años. Entender el por qué de los hechos que van desarrollándose, porque cada personaje hace lo que hace, los diferentes gags etc. es una gozada, una gozada absoluta. A referencia de esto último, Del Revés es sin duda la comedia del año, hacia mucho que no me reía tanto en un cine: El triple dental, la factoría de sueños, el novio imaginario, las escenas postcreditos…, ofrece un humor efectivo, pero sin duda muy inteligente. Pero también nos encontramos con la escenita que nos toca la fibra, que en eso Pixar son unos genios, no solo por la forma que lo presentan, sino también por su significado, madurar en este caso, es una escena maravillosa.

En este sentido lo que realmente hace especial a Del Revés es que abre los ojos del espectador, algo que en Pixar se da mucho, con el amor, con la amistad, pero en este caso es con la vida, es como Boyhood en dibujos, en entretenida y en buena película. Te da a entender esos momentos, ya no solo de la infancia, en los que te dejas llevar por tus miedos, por tu rabia, por tu asco (nombremos a todos) y te muestra cómo superarlos. Los guionistas de Del Revés en un principio plantearon a Depresión como villano del film, idea que terminaron desechando, de forma bastante acertada, no obstante para el adulto sería demasiado obvio y para el niño innecesario y es mucho más sutil y mucho más profundo utilizar como antihéroe a los retos que te plantea la vida, en este caso es una mudanza a San Francisco, en la que se pierde un ámbito de confort general, pero que es extrapolable a mil situaciones, esto es al final contra lo que luchan nuestros monigotes, realmente sublime. En este sentido Del Revés no es solo apta para secuelas, es que podrían hacer una jodida serie de TV entera.

En definitiva, nos encontramos ante una de las tres/cuatro mejores películas de Pixar, ante una de las mejores películas del año y ante una de las cintas de animación que recordaremos durante mucho tiempo como una de las mejores de la historia del género. Dicho queda.

Vía: https://quiasmaoptico.wordpress.com/2015/07/20/del-reves-nuestra-magia-interior/#more-74