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República Checa República Checa · Praha
Críticas de Johan Liebhart
Ordenadas por:
41 críticas
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El tiempo contigo
6,8
2.551
Animación
6
17 de noviembre de 2019
42 de 53 usuarios han encontrado esta crítica útil
La nueva película del aclamado director Makoto Shinkai es de una factura técnica impecable, la animación está cuidada al detalle y tiene planos de una belleza excepcional. Sin embargo, me ha dejado bastante frío cuando he salido del preestreno. Sus personajes y su historia me han resultado muy indiferentes.

Los clichés románticos y una capa de humor manido mal manejado no han ayudado. ¿Será que me estoy haciendo mayor y ya no me atraen las historias juveniles románticas como antes? Para nada, mi adolescente interior sigue muy vivo y Your Name me sigue fascinando.

¿Es que acaso esperaba encontrarme con un Your Name 2? Tampoco, mis expectativas no iban más allá de una historia bonita y emocional. Aunque Shinkai parece querer llevarte a tal comparación cuando introduce a los protagonistas de su anterior trabajo en varios cameos...

El problema es que "El Tiempo Contigo" contiene los elementos que caracterizan el universo de este autor, pero encajados sin sentido ni gracia. El misticismo folclórico queda reducido en unas pocas escenas cómicas muy superficiales. El melodrama esta vez es exagerado y con lagrimones mayormente forzados. Cuesta empatizar con los personajes por su embobamiento y desconexión con la realidad. Además, el conflicto romántico (y central) es demasiado simplista y es resultado de una insensatez evitable.

Incluso la banda sonora (de nuevo compuesta por Radwimps) está muy mal interpuesta y me produce una sensación impostada de sentimentalismo. Casi resulta en un patrón que trata de recrear el éxito anterior.

Por otro lado, las marcas publicitarias están más presentes que nunca. Puedo entender que se ponga publicidad subliminal para conseguir fondos, pero que McDonald’s sea el centro de una escena tan relevante como la del encuentro entre los protagonistas es inaceptable... Y es que le siguen otras tantas bastante explícitas...

Eso me hizo pensar durante el visionado que podría tratarse de una metáfora cínica sobre el cambio climático reforzado por un capitalismo desaforado. O bien una parodia de su trabajo hasta ahora. Desgraciadamente, su tópico desenlace y la nula profundidad de muchas de las acciones de los protagonistas me hicieron abandonar tal hipótesis. La nota se queda, pues, en un 6 por el derroche de animación que tiene y porque no deseo compararla a fondo con otros de sus trabajos, aunque...

Desarrollo en spoiler algunas de las ideas del texto centradas en los dos protagonistas.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
Johan Liebhart
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8
7 de mayo de 2019
10 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
An Elephant Sitting Still es una película moral con una óptica de pesimismo absolutamente vitalista.
Desde un inicio te sumerge en una realidad profundamente devastada éticamente. Se nos presentan las complejas situaciones de nuestros cuatro protagonistas en una China gris, repleta de deshechos, que rezuma pobreza y podredumbre espiritual.

Ambientes sombríos y viviendas sórdidas se van sucediendo, adornadas y contrastadas con la tecnología moderna (smartphones, Iphones, Internet...) de una China que también abre sus puertas a la globalización. No obstante, no es esta una película de ambientes, sino de personajes.

Unos personajes, brillantemente interpretados, cuyas situaciones se desarrollan y se entrelazan durante casi cuatro horas de metraje. Una duración excesiva, pero que permite dosificar correctamente las historias de cada uno de ellos, definiendo sus entornos (más psicológicos que físicos) y conectándolos de forma coherente.

Unos personajes, definitivamente, hundidos por su entorno. Un entorno desesperanzador del que todos quieren marchar y poco importa el cómo y el dónde. Quizás, esa ciudad cercana, dónde hay un elefante que permanece sentado, imperturbable pase lo que pase. Un espectáculo de la ataraxia animal para escapar de la insondable miseria humana.

Hu Bo adapta con maestría las técnicas aprendidas del maestro húngaro Béla Tarr. Construyendo una atmósfera que atenaza al espectador al personaje. Mediante planos cortos en secuencia y con un abuso del desenfoque que parece que juzga la entereza de sus acciones y diálogos. Les quita el foco y fuerza a mirar al fondo, a la reacción durante la acción. Estos recursos consiguen que explores la mente de los protagonistas y sientas sus pensamientos visualmente. Puede ser algo terriblemente abrumador, pero es una de las grandes virtudes de la película y un acercamiento a la dimensión mental que no había visto desde hacía mucho en el mundo del cine. (Cassavetes, Tarr...). Una marca de estilo que espero algún joven cineasta retome como testamento en el futuro.

La trama se desarrolla con cambios de ritmo entre acción e introspección bastante bien medidos, a excepción de algunas escenas, cuyos largos planos mantenidos te inducen en el hastío existencial de los protagonistas.
Cabe destacar la música rítmica y acompasada al avance de la visión de los personajes (la escena de la residencia es asombrosa) hasta llegar a una conclusión que, tras tanta desolación, deja por lo menos un atisbo de esperanza. Gracias...

Gracias por esta obra tan monumental y única, gracias por mantener tu criterio y tu personalidad artística. Gracias por el paquidermo que sigue sentado esperando un nuevo día. D.E.P. Hu Bo.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
Johan Liebhart
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6
7 de abril de 2020
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Año 1914, Chaney al igual que otra leyenda atemporal del cine mudo, Charles Chaplin, comenzaría a despuntar con papeles cada vez más protagónicos en la incipiente industria cinematográfica, aún en estado lactante.

Apenas dos años antes, se había formado el primer estudio de Hollywood en una taberna situada en la esquina de la célebre Sunset Boulevard. Algunos directores como Cecil B. De Mille o D.W Griffith, buscando libertad creativa y terrenos para producir sus películas, comenzaron a establecerse igualmente en la zona. Pues no había normas ni regulaciones que debieran seguir y las garras monopólicas de Edison no alcanzaban una zona rural como aquella.

La continua necesidad de asistentes y actores hicieron fácil la inclusión de Chaney que provenía del teatro y hacía lo mismo de actor que de tramoyista o maquillador, arte que dominaría con el tiempo. Ingresó directamente en la Universal Pictures, cuyos estudios recién se estrenaban ofreciéndole la estabilidad laboral que buscaba en pequeños papeles secundarios de antagonista.

La producción de películas al establecerse los primeros estudios en Hollywood se volvía cada vez más sistemática y eficiente para cumplir con las exigencias de un público creciente.
De esta forma y en apenas cinco años, Chaney participó en más de cien películas, muchas veces sin ser acreditado, en papeles menores o como figurante, pero a veces también como escenógrafo o asistente de dirección. En su mayoría cintas de corta duración limitadas técnica y presupuestalmente a un carrete que alternaba entre dos géneros mayoritarios: comedias y westerns.

"By The Sun Rays” la cinta que nos ocupa responde al segundo género, siendo la más antigua que se conserva de los primeros trabajos de Chaney (ya que, por desgracia, la gran mayoría de sus películas de este periodo están perdidas o no se han conservado).

En esta interpreta a un empleado de una mina de oro que se alía con unos bandidos para robar los cargamentos, pero cuyos planes se ven frustrados por un sheriff de la zona. Es una cinta típica de la época construida en su mayoría con planos generales fijos y sin continuidad. Sin embargo, ya se aprecia la expresividad magnética de Chaney pues la cinta se narra casi toda visualmente al apoyarse solo en nueve intertítulos situacionales.

Por ejemplo, en una escena muy breve donde debe robar el calendario de los envíos de oro sin que se enteren sus compañeros de trabajo. Chaney lanza miradas de reojo entre nerviosismo y odio, tocándose los labios y haciendo ademanes continuos creando una atmosfera de suspense en la escena solo a partir de su actuación. Además, el encogimiento postural que añade le da un toque siniestro al personaje que encaja con su carácter pérfido. Ciertamente, las facciones marcadas del rostro de Chaney y su mirada siniestra lo llevaron a interpretar continuamente este tipo de papeles antagonistas de villanos de toda clase. Tics, manías, gestos que copiarían hasta la saciedad otros actores hasta devenir una actuación paradigmática de los villanos clásicos.

Aunque las interpretaciones de Chaney eran buenas su carrera se estaba estancando, precisamente, por el encasillamiento de los papeles y las producciones que le ofrecía la Universal. Unas primeras experiencias ( entre 1913 y 1918) que lo llevarían a tomar una decisión arriesgada que cambiaría por completo su carrera y lo llevaría al estrellato... desvincularse de cualquier estudio para convertirse en actor freelance.

Con esta crítica doy inicio a una particular celebración de la obra del legendario actor, Lon Chaney, que se irá dilatando en el tiempo hasta componer, espero, una decalogía de críticas que repasaran algunos de los títulos más emblemáticos y no tan conocidos de la vasta filmografía de este soberano artista de la actuación.
Johan Liebhart
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6
3 de abril de 2020
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Mahiro Maeda y Takeshi Honda, dos veteranos animadores vinculados al reputado estudio de animación Gainax (Neon Genesis Evangelion, TTGL) colaboran en este cortometraje entroncado en el AnimatorExpo, proyecto creado por el mismísimo Hideaki Anno para promocionar cortometrajes animados. Estrenándolos, semanalmente, vía web para su acceso público en Internet desde que inició en 2014 hasta su suspensión a finales de 2015.

En esta ocasión, asistimos al extraño periplo de una chica que despierta en una habitación en unas condiciones poco habituales, desnuda y reducida al tamaño de un insecto. Comenzará un divertido periplo por el apartamento para buscar ayuda y llamar la atención del zarrapastroso de su novio.

Consigue una animación bastante solvente y fluida teniendo en cuenta la escasez de presupuesto, siendo realizada boceto a boceto, reduciendo los acabados y depurando genialmente los trazos y el coloreado. Una historia cómica y divertida que aprovecha bien el espacio y los elementos para crear una entretenida tensión en los diez minutos que dura. Recomendable.
Johan Liebhart
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Butterfly (C)
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Animación
7
31 de marzo de 2020
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
Andrei Khrzhanovsky, digno epítome de la animación surrealista soviética, entrega este poderoso corto de mensaje ecologista donde un niño obsesionado con la tecnología artificial es sorprendido por una mariposa y sale de su casa para cazarla. Embarcándose en una aventura que le provoca una intensa experiencia extrasensorial.

Un auténtico viaje transformativo y singularmente edificante reforzado con un impresionante trabajo plástico que presta gran atención al uso del color. Las gamas cromáticas funden figura y fondo concediendo una estética puramente surrealista, pero que en ocasiones llega a rayar el aura de la psicodelia.

Está animado con algunos recortes al estilo cut-out animation basándose en ubicaciones reales (como muestra el instante de la fotografía grupal) de ambientes urbanos y bucólicos. De tal manera que casi medio siglo después sigue manteniendo su fuerza visual (el niño rodeado de mariposas es de una expresividad sublime) .

Igualmente vigente es la reflexión interna que vive el protagonista. Una reflexión visual sobre el cuidado del medioambiente y el trato respetuoso que debe mantenerse con toda vida animal.

Una auténtica joya de la animación soviética que vale la pena conocer y reconocer.
Johan Liebhart
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