La película parte de un high concept muy potente y muy seductor. Ya. A partir de aquí nos llevan por el camino del medio: sin profundizar ni en la naturaleza del Múltiple, ni en la relación entre secuestradas y secuestrador.
Da la impresión de que, conscientes de que el argumento más allá de la premisa es más bien inconsistente, van forzando golpes de efecto para mantener la atención. Así que a los pocos minutos de peli las jovencitas pierden su ropa y pasean su miedo en ropa interior, se va dando un trasfondo —de telefilm de siesta de domingo— a la secuestrada protagonista (para qué más) y metemos una teleconferencia con La Sorbona para que todo quede más científico.
A partir de aquí se repetiran intentos de escape, conversaciones jugando al gato y al ratón entre el Múltiple y la psiquiatra y, en fin, Shyalaman hará su cameo.

The Sunset Limited es, aunque parezca increíble, un telefilm. Esta joyita underground es una película hecha para televisión, eso sí, por HBO. ¿Qué tendrá HBO que todo lo hace bien? Quién sabe, pero desde luego proyecto que llevan a cabo proyecto que adoro. No les basta con hacer la mayoría de las mejores series, sino que además sacan una peli como esta que, fácilmente, se merienda a la mitad de las grandes producciones del año.

Al borde del suicidio es como se tradujo el título en España, imagino que para que nos demos cuenta de que es un telefilm, y por tanto debe ser emitido en El Triple Tres: en Antena 3, a las 3 y 3 veces al año. Quién sabe, la cosa es que está bien eso de que el título te diga "¡Ey, soy una peli sobre alguien que se quiere suicidar!".

Qué sorpresa os vais a llevar cuando os confirme que sí, va sobre un profesor de filosofía (Tommy Lee Jones) que se quiere suicidar y es salvado, contra su voluntad, por un vitalista exconvicto (Samuel L. Jackson). Lo interesante de la película es que se desarrolla entera en el salón de la casa del religioso. Hora y media en una sola localización, con dos personajes conversando, eso es todo.

Esto durante hora y media
Y no hay lugar para aburrirse, ahí es donde te das cuenta de la calidad que envuelve a la película en todos los aspectos. La calidad de la escritura de la obra de teatro de Cormar McCarthy y el acierto en la adaptación del guión. La confirmación de la calidad de Tommy Lee Jones tras las cámaras, que consigue el más difícil todavía: variedad visual; cuando durante la hora y media de metraje ves dos caras y cuatro paredes que se repiten una y otra vez. La calidad en la increíble labor frente a las cámaras de Tommy Lee Jones y Samuel L. Jackson, dando vida a los dos personajes y, sobretodo, dando vida a los diálogos.

Hay películas que marcan época. También hay películas que marcan época y que sirven de inspiración para futuras películas que marcarán época. Este es el caso de Yojimbo (Yôjinbô), la enésima obra maestra del director y guionista japonés Akira Kurosawa. Si la película se rodó en 1961, ya en 1964 Sergio Leone había trasladado el argumento al lejano oeste —no tan lejano para los almerienses—, cambiado las katanas por pistolas y recibido la correspondiente denuncia por plagio. Pese todos los problemas, a Leone le valió la pena, ya que Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari) le catapultó a la fama. A él, a Clint Eastwood y al género que quedó bautizado como spaghetti western.

Lo que hace a Yojimbo tan especial y tan golosa como fuente de inspiración es… casi todo. Para empezar tenemos un protagonista arrollador: un antihéroe capaz de matar a seis hombres armado únicamente con su katana y, mientras, pensar una frase épica que dejar caer al terminar el combate. Se trata de Sanjuro (Toshiro Mifune) —que será también el personaje central de otra de Kurosawa—, un samurai vagabundo con un peculiar sentido del honor, cara de pocos amigos y gran afición por el sake y la comida. La paradoja que le termina de dar forma está en que, tras ese aparente aislamiento del mundo y de sus problemas cotidianos, se esconde un guerrero en constante lucha contra los poderosos y las injusticias que cometen.

El mundo en el que se desenvuelve la acción, el Japón feudal del siglo XIX, es un entorno sucio y violento, en el que la ley y sus representantes brillan por su ausencia —¿a que recuerda al lejano oeste?— y la catadura moral de la gente está, más o menos, en nivel perro. Sanjuro, en su vagar, llega a un pequeño pueblo controlado por dos bandas rivales en constante choque, hasta tal punto que la gente corriente apenas pisa la calle por miedo a convertirse en daño colateral. ¿Por qué decidiría nadie quedarse en este lugar? “Me pagan por matar, y este pueblo está lleno de gente que estaría mejor muerta“. Sanjuro, un tipo pragmático. De hecho su visita es una bendición para el tonelero, todo un emprendedor y un águila para las oportunidades de negocio, reconvertido en lo que ahora llamaríamos técnico ebanista especializado en la elaboración de féretros mortuorios.

Esta es la forma que tiene Kurosawa de crear escuela; acostumbrados como estamos —aún hoy— a que en todos los conflictos, tanto ficción como periodismo, se presente un bando bueno y otro malo, en Yojimbo el espectador se encuentra ante un escenario en el que ambos bandos en lucha son bandas de criminales con la única meta de destruir al rival. A esto hay que sumarle la ambigüedad moral del protagonista —a la manera del cine negro—: un espada de alquiler que teje sus planes ofreciéndose a las dos familias y al que no le tiembla la mano si, para hacerse respetar, tiene que matar a cualquier maleante. ¿Quién es pues el héroe para Kurosawa en esta peli? Quien lleva a cabo la lucha más dura en ese universo es, sin duda, el ser humano corriente. La mujer obligada a prostituirse para pagar deudas, el hombre que ha perdido su casa y a su mujer a manos de las bandas, el anciano que pasa el día mirando la muerte pasar a través de las rendijas de sus persianas…