El debut de Ana Piterbarg, directora y guionista del film, parte de una premisa interesante:

Agustín está desesperado por abandonar su vida en Buenos Aires. Tras la muerte de su hermano gemelo, Pedro, Agustín se propone comenzar una nueva vida tomando la identidad de su hermano y regresando a la misteriosa región del Delta, en el Tigre, donde los dos vivieron de pequeños. Sin embargo, poco después de su regreso Agustín se encuentra inadvertidamente envuelto en el peligroso mundo criminal del que su hermano formaba parte.

El guión nos ofrece varios puntos de giro de calidad; nos eleva el conflicto del personaje a situaciones límite; y el medio en el que se desarrolla parte de la historia es hermoso y oscuro. Pero el plan que tenía la guionista para nosotros no cuaja ¿Por qué? Dejando pasar por alto ciertos agujeros, el principal problema de la película no es otro que el protagonista. La empatía necesaria, que el espectador necesita para sentir en su piel lo mismo que el personaje, no sucede. El diseño del personaje, junto con la interpretación de Vigo Mortensen, dejan de él, un ser misterioso que nos muestra un par de veces, de refilón, sus sentimientos. Queda por tanto ,ante el espectador, como un total desconocido. Y es que ¿Cuál es el deseo de este personaje? Al principio queda claro: Huir, empezar de cero. Pero ¿Y después? Se nos pierde la historia cuando no sabemos que está pensando el protagonista. Las dimensiones que el actor pueda aportar a su papel jugando con los silencios para aportar información, se transforman en intentos fallidos que enrarecen más la película.

Cuando llevamos casi dos horas siguiendo las peripecias del protagonista, nos enfrentamos al enfrentamiento final y resolución. A parte del problema con el personaje de Vigo Mortensen, esta parte del film es absolutamente floja. El final es de lavarse las manos. Sin duda, es la guinda casi ofensiva que nos deja tal y como estábamos antes de ver la película.

La banda sonora hubiera sido una gran herramienta a aprovechar para enfatizar ciertos sentimientos. Quizá una pequeña chuleta que nos sople por donde van los tiros. La fotografía y direción artística son impecables. En sí, la región del Delta es maravillosa como marco cinematográfico.

Dentro de la poesía del film, encontramos un subtexto interesante. Las metáforas y comparativas con las abejas y la miel son oportunas y añaden una dimensión más profunda.

En definitiva, la sensación final es de que pudo ser y no fué. Tenía mucha Fé en su argumento pero se me queda a medio camino. Estoy convencidísimo que el segundo largometraje de Ana Piterbarg será muchísimo mejor. Sintiéndolo mucho, he tenido que vengarme con este post. Ya he cumplido parte de mi plan.

Me resulta inevitable acordarme de la grandiosa Asesinos natos cuando se avecina Salvajes, el último trabajo del cineasta Oliver Stone. Pero tras verla, me doy cuenta de que al parecer hubo un momento en el que el concepto de violencia de Stone cambió, y no para mejor que digamos.

Nos encontramos ante la historia de dos amigos que comparten novia y un negocio de tráfico de marihuana. Sus vidas son idílicas, viven en un paraíso envidiable y tienen mucho dinero (vamos, lo que viene siendo un trío de pijos). Cuando un grupo mafioso mexicano secuestra a la chica, los dos amigos tienen que pagar un sustancioso rescate e intentan a la vez vengarse de sus secuestradores.

Un largometraje con un inicio algo repelente cuando Stone comienza utilizando la voz en off de Blake Lively, la chica guapa del film, para narrar la historia y describir con una insulsa y desgana generalizada a los dos protagonistas . Personalidades que resultan demasiado forzadas. Por un lado, un tipo duro (Taylor Kitsch) que estuvo en la guerra de Irak y ahora es más frio que una bolsa de cubitos, y por otro, un jipi porrero (Aaron Johnson) que viaja por el mundo para ayudar a los niños pobres.

La violencia y ‘salvajadas’ que Oliver Stone nos quiere mostrar en esta película se quedan a medio gas. Si estamos entre mafiosos y traficantes todo no puede ser tan light. Hay veces que la relación entre estos es tan cordial que todo parece un juego de niños. Da la sensación de que los malos de esta historia no son tan malos.

Al metraje le sobra como una media hora y las escenas se alargan y alargan hasta el punto en el que se pierde la tensión, no sorprende; todo para llegar a un (doble) final previsible por la dinámica del film y deseoso de que llegue cuanto antes.

Dentro del elenco de actores, cabe destacar a unos grandes Benicio del Toro y Salma Hayek, que pisotean con una diferencia abismal al trio amoroso en cuanto a nivel interpretativo. Luego está John Travolta, que aún pareciendo una caricatura de sí mismo, quizás aporta una naturalidad de la que carecen los protagonistas.

Salvajes llega con deseo a la gran pantalla y para los seguidores de Oliver Stone se va como un thriller blandengue que se queda a la altura de Bambi comparado con sus películas más provocativas.

Cuando nos encontramos ante una película de terror dirigida por un debutante que se deja llevar por infinitos clichés del género y que guía la historia mediante un guión requemado y sin ningún tipo de novedad, es fácil realizar una crítica. Pero cuando resulta que el director no es otro que el aclamado John Carpenter, creador de películas como 'Halloween' (1978) o 'La cosa' (1983), todo se vuelve bastante preocupante.

El problema es que Carpenter vive en el pasado, se ha estancado en las típicas historias de terror que sin duda a principio de los años setenta hubiesen tenido algún tipo de tirón. Después de tantos años en el oficio, un director debe adaptarse a los tiempos que corren y con 'The Ward', película de 2010, no se ha sabido avanzar.

Se nota la dirección de Carpenter en el film, escenas bien tratadas y ambientaciones terroríficas, pero aquí lo que prima es la historia. 'The Ward' reúne una serie de acontecimientos repetitivos: un fantasma suelto en un manicomio que se va cargando a chicas guapas, no hay más. Está llena de sustos que se pueden calcular con un cronometro, va dando bandazos de un tópico a otro y aporta soluciones altamente previsibles para cada escena.

Uno piensa que en algún momento la historia va a dar un vuelco y Carpenter va a marcar un punto de inflexión en el que todo va a cambiar, pero en realidad ese momento nunca llega. Eso sí, hay que ver final, un desenlace en el que es más probable terminar riendo a carcajadas que otra cosa.

Definitivamente lo más relevante que cuenta esta película es el declive de un director y muy a mi pesar solo puedo decir: John, antes molabas.

Deberíamos de hablar de Oren Peli más que de un guionista, de un cazador, y de nosotros, los espectadores, de la presa que se expone inconsciente a la trampa mortal. Oren es listo y sabe que tiene un señuelo muy apetitoso, me refiero a su primera película 'Paranormal Activity' (Oren Peli, 2007), film que en su momento a muchos les hizo gracia (a otros no tanto) y consiguió pegar un buen taquillazo.

“Del creador de 'Paranormal Activity' ahora llega 'Atrapados en Chernóbil'”, y es que se han preocupado más de vender bien el estreno que de hacer bien el trabajo. Un poster bonito, material inédito que se filtra meses antes y sobretodo un argumento que puede prometer una historia terrorífica.

'Atrapados en Chernóbil` nos muestra a un grupo de jóvenes que está pasando las vacaciones en Europa y van a parar a Prypiat, una ciudad abandonada tras el accidente de la central nuclear de Chernobil. Allí, al parecer, no están solos.

Señores, Chernóbil puede dar mucho juego para un film de terror pero lo que muestra esta película es de risa.

Se conoce como agujero en un guión cinematográfico a una parte de la historia que carece de cierto sentido y nos descoloca o nos hace esperar una solución que nunca llega.