Fascinante guión, deliciosa historia, tan alocada como arraigada a las pasiones que emanan de un pueblo perdido en la Patagonia. Partiendo de una premisa original, todo es más fácil y la de ‘El viento se llevó lo que’ es sorprendente, todo se basa en la historia del culo del mundo, un pueblo perdido al sur de Argentina, absolutamente incomunicado, en el que su único contacto con la realidad es el del cine, unas películas que llegan al final de su recorrido de años de exhibición en un estado lamentable, con cortes, cambios cronológicos en la película, y planos del revés, pero eso que ven los habitantes es lo único que conocen del mundo exterior y lo toman como cierto, por lo que desencadena en la locura colectiva en la que se ven envueltos los personajes. Esta historia tan fascinante como verosímil dentro de la estructura narrativa es lo que da vida al relato y lo que permite dibujar todo un corolario de personajes esperpénticos, divertidos, dicharacheros que aportan al relato toda su vitalidad, su extraño encanto de fábula misteriosa, desbordante de mágicas microhistorias.

Llena de humor, aunque también deje espacio para la tragedia (el golpe de estado se cuela sutilmente en la trama) si es cierto que la película se desfigura un tanto al tratar de dar paso a demasiados personajes (algunos innecesarios) y se bifurca en demasiadas subtramas lo que da al relato un tanto de caos. Pero no obstante, mientras nos perdemos en la vorágine de personas aisladas que inventan su conexión con la civilización para sentirse parte del mundo en unos escenarios naturales llenos de casas destartaladas y una bella riqueza natural, la verdad es que nos divertimos con los absurdos comportamientos y frases que tienen en este pueblo. Todo un descubrimiento rebosante de originalidad, un poco de frescura para el cine.

Muchos críticos destacaron como muy polémica la concha de oro que consiguió en el festival de cine de San Sebastián, al no considerarla merecedora del galardón y calificarla de pedante, sin embargo, por una vez, yo avalo la decisión del jurado.

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No seré yo quién recomiende ‘Irreversible’ a pesar de que cuando concluya de escribir esta crítica le plantaré un 10 como un castillo. Irreversible, es una película durísima y cuenta con un par de escenas de una brutalidad tan descarnada que seguramente ambas se cuenten como dos de las secuencias más duras de la historia del cine, al borde de la vomitona por su severidad y realismo. Lo aviso, hay personas que no la soportarán (miles de personas abandonaron su proyección a medias cuando se estrenó en las salas de cine) y no les culpo ni las critico, pero si es de los que tiene el estomago hecho a la violencia (me refiero a violencia visual de la que estremece la carne y la que hace taparte los ojos, no de las irrelevantes escenas de un Jean Claude Van Damme cuya inverosimilitud le quita todo el hierro a cualquier intento de estremecer), si es de los que ya puede soportar cualquier visión sin tener pesadillas, dispóngase a hacer un viaje hacia las profundidades de la irracionalidad humana, hacia el camino irreversible de la vida con un dominio técnico magistral.

Irreversible está rodado en trece planos-secuencia de un dinamismo y una dificultad técnica abrumadora, y lo que es mejor, con unos movimientos de cámara que acompañan la narratividad de la historia. Así, al principio, (o al final según se mire) la cámara gira virulentamente junto al protagonista embriagada de la ansiedad de la venganza, del caos oscuro dentro de este antro sado-maso-gay en el que discurre la escena, fruto de las drogas y el alcohol… la cámara directamente marea al espectador, entre tremendas sacudidas y giros alucinógenos que vapulea la vista desde detrás de la pantalla, pero no es gratuito el sentido narrativo de la cámara errante es de una vitalidad apabullante y cuando se para, justo al final de este primer plano secuencia es para reventar nuestra moral con una de las secuencias más violentas de la historia del cine, con el sonido repugnante para hacer de la escena algo repugnante y casi insoportable. Deliciosamente vomitivo. La otra gran secuencia controvertida y polémica de la película es la de una violación, un plano secuencia de unos 12 minutos en la que 10 transcurren en un plano fijo con la cámara en el suelo, mientras vemos la atroz escena de la violación anal del personaje que interpreta Monica Belucci. Y es que un violación dura lo que dura, y para sentir la agonía de Alexandra, su rabioso dolor, su impotencia ante el sodomita, hay que verlo entero por pavoroso que sea. Lo dicho anteriormente, si usted tiene estómago, presenciará la mejor secuencia de una violación jamás realizada, con un realismo tan agrio y extremo que sentirá asco ante el cuerpo semidesnudo de la Belucci, sufriente hasta el extremo.

Pese a su espectacularidad y realismo no son los dos mejores planos secuencia de la película. Pero antes comentaré el otro detalle que hace de ‘irreversible’ una película única e irrepetible es su esquema temporal. Noé no inventa nada nuevo, de hecho prácticamente copia el esquema que meses antes realizó Christopher Nolan en Memento, con la diferencia de que en Irreversible este elemento funciona aún mejor. Nos referimos a que la película va hacia atrás, es decir, que comienza con el final cronológico de la historia y finaliza con el comienzo cronológico. Esto dota a la historia de una intensidad distinta a la narrativa tradicional. Al invertir la línea narrativa, también lo hacen el orden en el que se desatan los sentimientos de los protagonistas. La venganza y la ira que Marcus (Vincent Cassel) muestra al inicio del metraje se va disipando para mostrarnos al final el punto de origen, la génesis de lo que luego provocará ese sentimiento tan brutal como sanguinolento y que no es otra cosa que el amor y este hecho, de veras funciona en la película.

Es precisamente esta secuencia final la mejor de toda la película, uno de los mejores planos secuencia de la historia del cine también. Emotivo, con movimientos acompasados, persiguiendo a los personajes con sutileza y dulzura, todo lo contrario con lo que se inicia la película y cuyo resultado es magistral.

Si a todo ello le sumamos que la interpretación de los dos actores principales también es fantástica gracias también a la libertad que Noé les deja. Cuentan por ejemplo, que para rodar la violación, se dejó la cámara en el suelo y se dejó a los dos actores completamente solos para acentuar la sensación de soledad de ambos y esa libertad interpretativa se nota y mucho en el trabajo de los intérpretes.

También se nota esta capacidad en otro plano-secuencia memorable, mucho más sencillo técnicamente, pero el único en el que los diálogos tienen predominancia. Al más puro estilo Tarantino, la conversación de los tres protagonistas en el metro sobre el sexo, es muy natural, interrumpiéndose entre ellos constantemente, gestualizando, mirándose de una forma tan verosímil que es realmente plausible.

Ante la enjundia técnica de la película hay que quitarse el sombrero, y la exploración que realiza sobre la naturaleza humana es también realmente convincente. No es apta para todos los públicos, pero eso no significa que sea mala, más bien al contrario, es una maravilla.

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Guión de Bergman, paisajes idílicos, algunos momentos de una intensidad narrativa soberbia, una relación de amor-odio contada en todos sus matices, buena dirección, magnífica interpretación y sobre todo muy buenas intenciones. Poco que achacar a una cinta hecha con una corrección exquisita , salvo tal vez eso mismo, su exceso de purismo su excelsa técnica, su depuradísimo guión que deja poco margen para la sorpresa o la controversia... además las tres horas se me hicieron algo largas, pero tampoco demasiado y en general fue una película que disfruté y que me contó una historia sin trampas y con todos los elementos encima de la mesa. No le pido más al cine, aunque se disfrace de chaqué.

La metáfora de vender el alma al diablo (llámese nazis) está muy bien conseguida, Szabó nos dice que ante la infamia no se puede ser neutral que un conflicto lo puede cambiar todo y que dejarse llevar puede tener consecuencias. Como mensaje vale, pero lo cierto es que la película es lenta y repetitiva, todo el mensaje te taladra una y otra vez y aún así estoy seguro que no cala en todo tipo de público, poca praxis. Pese a la profundidad moral que tiene a la película pasa casi desapercibida, sus abismos se esconden en la sencillez formal de cámaras fijas y una historia sin grandes sorpresas ni giros, es antiefectista y eso va en detrimento de lo que quiere explicar. Dos de los detalles que le hacen subir enteros, son, por un lado la iluminación (atención al juego de luces de la escena final), y la memorable actuación de Klaus María Bradauer (quizá una de las mejores actuaciones masculinas que recuerdo), maravillosamente histérico en su papel de amante del teatro. Buenos diálogos, aunque con excesiva verborrea, que también alargan el tempo de la película en un pasar de escenas muy fragmentado. Al fin y al cabo es una película desaprovechada que habla pero cuya voz apenas se escucha, buenas intenciones, pero fallida.

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Tiene un guión bien amarrado, una historia policiaca de ladrón y proxeneta que se vive al mismo tiempo en su presente y en el pasado para ver la evolución del personaje y como lo persigue su pasado. De fuertes convicciones morales, reflexiva, la película presenta a un personaje muy bien definido, atractivo hasta en el nombre, Tarzán Lira, y bien interpretado hasta el momento. El montaje también ayuda a engrandecer la historia y los saltos entre el presente y el pasado están muy bien definidos, pero hasta aquí. Esperaba mucho más de la cámara y el enfoque de un Arturo Ripstein que elabora una pieza simplista en una película a la que se le podría sacar mucho más jugo teniendo como escenario ese hampa mexicano, pero la cámara funciona casi como un telenovela, acompañando a la historia, no realzándola. Los escenarios y la ambientación tampoco reflejan la podredumbre moral que intenta reflejar, salvo la excepción del campo de trabajo en las salinas al que se ve recluido el personaje durante una temporada. Tiene encanto, algunos diálogos fuertes y aguerridos pero no hay la maestría que se le presume al realizador mexicano más afamado de todos los tiempos. No pasa de ser una película más, con carácter, pero desmotivante al mismo tiempo.

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