La ópera prima de Álvaro Gago es un producto de cine social que podría recordar a las películas de Ken Loach, con una protagonista que intenta conciliar varios empleos y su casa hasta casi el agotamiento.

El personaje de Ramona pone de relieve la precariedad laboral y las injusticias que sufren especialmente las mujeres, a la vez que hace un retrato de la vida en el pueblo. María Vázquez hace un gran trabajo con su interpretación, que es natural y convincente y nos lleva a padecer con ella la angustia por llegar a fin de mes.

Matria es, al final, una historia humana, sincera y realista sobre la clase obrera que, aunque denuncia ciertas situaciones, deja hueco a la calidez y al humor.

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Aunque resulte paradójico, es posible que el aniversario de Disney sea tanto el punto débil como el fuerte de este film. Por un lado, es un homenaje a los 100 años de la marca, cargado de referencias (atención, además, a los títulos de crédito) y nostalgia, que despierta el niño que hay en cada uno. Pero, por otro lado, una fecha tan destacada como es el centenario hacía presagiar un producto memorable que el nivel de Wish no llega a alcanzar.

A pesar de todo, no se puede negar que es una película mágica y cálida, de esas inocentes y entrañables que tocan la parte emocional del espectador. Asimismo, cuenta con una animación atractiva, una duración correcta y potentes piezas musicales que conforman una historia sencilla sobre la importancia de los sueños.

Dejando de lado el momento en el que llega, Wish es verdaderamente una propuesta simpática y agradable tanto para los más pequeños como para los que han crecido con Blancanieves, Pinocho y el resto de personajes del estudio.

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La idea para este film era originalmente hacer una secuela para Escuadrón Suicida, pero su director, James Gunn, quien también escribió el guion, decidió no seguir exactamente con la narrativa de la película de 2016, creando tanto nuevos personajes como una nueva historia. Para ello, repiten algunas actrices icónicas como Margot Robbie y Viola Davis, a las que se le unen otros actores como John Cena, Idris Elba o la joven portuguesa Daniela Melchior.

Técnicamente, es una propuesta épica. Cuenta con unos efectos especiales apabullantes, con una fotografía brillante y una perfecta ambientación, junto a una banda sonora que dinamiza la espectacular acción de la cinta, que resulta en una pieza compacta y sobresaliente.

En cuanto al guion, por lo general es bastante coherente y narra un relato con sentido. Destacan especialmente sus personajes: emblemáticos, únicos y con tanto carisma que brillan por sí solos –en especial Harley Quinn, King Shark y el protagonista, Bloodsport–. Además, también contiene muchos gags y situaciones cómicas, que le dan un toque aún más ligero al largometraje, aunque algunas son tan exageradas que pueden parecer absurdas o llegar a ser algo ofensivas.

No obstante, para ir a ver esta producción hay que ser conscientes del altísimo nivel de violencia que aparece en ella. Es muy explícita y recurrente, por lo que puede dañar sensibilidades e incluso sacarte de la narración si no vas preparado para ello.

Por lo general, es un buen título tanto para los fans de DC como para aquellos que busquen un producto potente y violento, a la vez que impresionante.

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De la mano de los directores Jose Zelada y Richard Claus recibimos una animación que mucho recuerda a Vaiana y otras producciones típicas de Disney. Ainbo es una historia de villanos y héroes con un propósito muy claro: anular la maldición que acecha la aldea de Candámo.

En esta aventura, Zumi, una niña joven debe suceder a su padre, el líder de Candámo, para así poder salvar a un pueblo que muere y anular la maldición que los enferma. No obstante, será su mejor amiga Ainbo, quien, con la ayuda de sus guías espirituales, el armadillo Dillo y el tapir Vaca, logrará embarcarse en un camino lleno de aventuras y acción en busca de la raíz que les devolverá la salud y felicidad que tanto anhelan.

Ainbo recuerda a Vaiana no solo por sus personajes o escenarios, sino también por la manera de plasmar ciertos tópicos trascendentales, como la muerte y la superación de esta. Morir es parte de la vida misma y, mientras el alma se despoja hacia un plano espiritual, esa esencia siempre permanece con los humanos en el mundo terrenal.

Más allá de la muerte, también pretende visibilizar una problemática medioambiental, la deforestación, y lanza un claro mensaje de concienciación. Como metáfora, en el film, el villano destruye la aldea con la entrada de sus pesadas máquinas en un lugar tan espectacular como es la selva del Amazonas. Yacuruna, el espíritu maligno, quiere adueñarse de Candámo y amenaza con extraer todo el oro de sus tierras.

En todo momento, la película remarca la importancia de la amistad, que es representada a través del vínculo casi fraternal que mantienen Ainbo y Zumi. Además, con la representación visual de los espíritus guía que forman parte de su camino, y la ayudan en ocasiones, se destacan valores como la superación o el crecimiento personal y espiritual que nace en el interior de cada persona.

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Cyrano de Bergerac es probablemente una de las obras más representadas en teatros de alrededor del mundo. En el cine, esta historia ya fue llevada a la pantalla en varias ocasiones, como es el caso de la versión estadounidense con José Ferrer en 1950 o la francesa con Gérard Depardieu en 1990.

Ahora, Joe Wright, cineasta conocido por el cine dramático y de época con títulos como Expiación, Anna Karenina u Orgullo y prejuicio, regresa con Cyrano, que adapta la obra teatral de Edmond Rostand con dos elementos innovadores: abandona la enorme nariz característica del personaje principal para incluir el enanismo como motivo de rechazo –cosa que aporta mayor verosimilitud al guion– y decide intercalar el relato con el aspecto musical.

Es, precisamente, esta cuestión lo que descoloca, puesto que no había una necesidad intrínseca de convertirlo al género musical. Las canciones no aportan gran profundidad emocional a los hechos y las letras son bastante simples, en discordancia con unos diálogos poéticos bien trabajados. Es una lástima, sobre todo, viniendo de líricas escritas por el duo de Aaron Dessner y Bryce Dessner, integrantes de la formidable banda estadounidense The National. Da la sensación, además, de que han pretendido reproducir el éxito de cintas de época con música moderna como El gran showman o Hamilton, pero no terminan de conseguir la misma eficacia.

Aun así, el largometraje funciona en cuanto a que posee una fotografía y unas coreografías llamativas y cuidadas, que son agradables de ver. Asimismo, la ambientación, la puesta en escena y la vestimenta están gratamente logradas. Sin embargo, no termina de situar el relato en una ciudad o en un tiempo histórico concretos. De hecho, cuando los soldados deben marchar a la guerra, cuesta empatizar con su situación, puesto que el espectador no sabe a dónde van a luchar ni contra quién.

Lo más destacable del film es, sin duda, la interpretación de Peter Dinklage como Cyrano, muy por encima de la narración. Cada gesto y expresión aportan una mayor sensibilidad al rol, así como un trasfondo bonachón mayor que en la obra original.

Haley Bennett deslumbra, también, especialmente con su voz, y encarnando a Roxanne, un personaje, en ocasiones, tedioso y superficial. Por lo que respecta a Christian, interpretado por el joven Kelvin Harrison Jr., el personaje queda algo desaprovechado, con poco tiempo de metraje y condenado a una humillante caricatura de un hombre bobo e ingenuo.

Dejando todo lo perjudicial de lado, Cyrano se erige como una producción entretenida que sirve como un canto al amor y al romance. Anima a atreverse a ser vulnerable y expresar las emociones, sin miedo al rechazo. Un mensaje que cobra especial sentido si tenemos en cuenta los tiempos actuales de desapego emocional que vivimos.

Es cierto que, a ratos, es cursi y algo empalagosa, se trata de una película que nos transporta a una historia trágica y de miseria a través de un lenguaje poético para, luego, recordarnos el valor de aquello que nos hace verdaderamente humanos.

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