Vuelve Luc Besson al Quinto Elemento, en cierto modo, pero con un pastizal para gastar. Pues sí, no se puede negar que la película es muy buena en el apartado visual y estilístico, que es donde más se parece a la película que Besson hizo hace, precisamente, veinte años. Los efectos especiales, la concepción artística son sobresalientes, como cabría esperar por otra parte con un producto que ha costado doscientos millones de dólares. Ahora bien, la película tiene claros problemas de aburrimiento y de actores.

El error en el caso de la elección de los actores me resulta evidente ya desde las primeras escenas donde aparecen. Eso que se dice de la "química" de la pareja protagonista resulta en este caso bastante nula, puro postureo (o posturitas) en la actuación de la actriz (Cara Delevingne) y mucha frialdad en el caso del actor, un sosainas. Sorprendente, porque Dane DeHaan me había resultado bastante mejor en su papel en la injustamente infravalorada "La cura del bienestar" de Gore Verbinski, de este mismo año. Pero bueno, tampoco es que el guion les permita mucho a los actores, que la película es una space opera con mucha acción y poca reflexión, como si lleváramos toda la vida por estos lugares.

Al principio canta David Bowie y, cuando termina de cantar, la película ya nos ha introducido en este mundo futuro. Bien. Aquí es donde está lo mejor de la película, y, si acaso, en su primer tercio, mientras se nos va presentando el universo holográfico y la estación espacial alfa. Todo está tan bien hecho e integrado que el barroquismo de los escenarios y de las imágenes te mantiene pendiente, y ello a pesar del mareante empeño por mover la cámara o hacer planos que solo duran segundos. Ahora bien, una vez pasado el viaje alucinatorio, una vez acostumbrado al mismo, la película pega un bajón considerable y se hace muy pesada. Particularmente a partir del momento en que aparece en escena un descontrolado Ethan Hawke y una Rihanna que viene a hacer de lo suyo. A partir de aquí, la verdad, es que ya me da todo igual, los personajes no enganchan y el bostezo asoma. Entonces empiezas a pensar en otras cosas, incluso te da la sensación o sospechas que por la película se pasea de vez en cuando Clive Owen, y también llegas a pensar que estas viendo como una especie de episodio de Ricky y Morty pero con actores reales y sin gracia alguna.
Al final, una película simplemente pasable.

Definitivamente aparco esta serie. Vamos que no la aguanto más después de seis episodios y un cuarto.
Bajo la supuesta apariencia de parodia se esconde en realidad una copia cuasi literal de Star Trek La Nueva Generación. Toma las misma ideas de diferentes episodios y, desde luego, para ver lo mismo pero salpicado de vez en cuando son supuestas gracias, que el humor de MacFarlane no es santo de mi devoción, para eso, mejor la original.

Por muy trekkie que sea Seth MacFarlane, por muy "respetuoso" que sea con Star Trek (que eso habría que verlo con más detenimiento), esta serie se me antoja como el capricho de alguien con poderío y amigos en la industria que quiere mostrarnos lo admirador que es del universo de Star Trek. Pero el resultado no es más que una copia bastante floja de la original. Ni siquiera entiendo como no ha sido denunciado por plagio, supongo que la presencia de algunos pesos pesados del universo de Star Trek influye, como Jonathan Frakes (Riker en TNG), que dirige un patético episodio con la presencia nada más y nada menos de Charlize Theron, o del mismísimo Brannon Braga, director y guionista de muchísimos episodios de TNG, Voyager o Enterprise. Pero, por muchos amigos famosos e influyentes que tenga, esta serie/juguetito de MacFarlane me resulta aburrida y con poca gracia. Insisto, mejor ir a la original, mucho mejor.

“El caso de Hana y Alice” (Hana to Alice Satsujin Jike), precuela de una película del mismo director (Hana to Arisu, 2004), es la primera incursión de Shunji Iwai como director en el terreno del largometraje de animación. Siendo Iwai un director centrado en realización de películas con actores reales, aunque ya había realizado una serie de cortos animados, su incursión en la animación está justificada por su deseo de que en la película participaran las mismas protagonistas que en su exitosa película del 2004 y no solo utilizando sus voces. Siendo evidente que las protagonistas tienen once años más y que no es posible hacer una precuela con personas ya adultas vestidas como estudiantes de secundaria, el director decide utilizar la técnica de la rotoscopia para dibujar sus personajes animados sobre actores reales. También pinta los fondos y escenarios utilizando un acabado de acuarela que queda genial. Cuando experimenta y hace encuadres complicados, con sus consiguientes movimientos de cámara, utiliza el ordenador y hay varios momentos en que se nota. El resultado de la rotoscopia con los personajes humanos y objetos que se mueven no es del todo satisfactorio (siempre en mi opinión) en algunos aspectos. Sí es verdad que consigue que los movimientos humanos (andar, correr, saltar,…) resulten como muy naturales, pero la gestualidad de los rostros pierde mucho. No obstante esta película tiene una cierta peculiaridad en las caras y los gestos que, una vez aceptada, resulta incluso agradable. (No es muy habitual la utilización de esta técnica de la rostoscopia para absolutamente toda la animación de un producto, últimamente recuerdo la interesante serie del año 2013 de Hiroshi Nagahama, “Aku no Hana” (Flowers of evil) que sí que conseguía una mejor animación de los rostros en primeros planos).

Dejando a un lado el asunto de la animación, lo que hace buena esta película es ver cómo consigue Iwai captar la idea del nacimiento de la amistad entre dos adolescentes. No suelo acercarme mucho a productos que, aparentemente y desde lejos, parecen claramente encaminados a una demografía tan concreta como la adolescencia femenina (Shōjo). Es muy habitual la separación del anime en multitud de géneros y es muy útil para poder elegir más fácilmente entre una multitud de productos. Ciertamente es un criterio por el cual habría cometido un gran error con esta película. En el film de 2004 el punto de partida es que Hana y Alice ya son amigas inseparables; en esta precuela, “El caso de Hana y Alice” nos cuenta el nacimiento de esta amistad a través de, una vez más, una historia del género “vida escolar” tan prolífico en películas y anime. Iwai, que también firma el guion, tiene muy claro qué es lo que quiere contar y cómo lo va a contar. Son adolescentes que se comportan como tales y la película da una sensación de verosimilitud para estos personajes inmersos en una historia que mezcla con acierto la intriga, la comedia, la vida urbana y la cotidianeidad. Claro que toda esta mezcla no es más que el marco en el que finalmente se va a gestar una aventura de la que florecerá una amistad de la forma más natural del mundo. El punto a favor de esta película es que Shunji Iwai consigue hacer llegar esta naturalidad con una sutileza admirable, no fuerza las situaciones, no se decanta por la sensiblería, el secreto está en saber mostrar los detalles, saber llegar al corazón del espectador sin que sepa realmente cómo lo ha conseguido. Saber mostrar la naturalidad de la vida como lo hace Iwai en esta película no debe ser nada fácil y está al alcance de pocos. Y la prueba está en que el mundo del cine está lleno de direcciones pretenciosas, que es todo lo contrario a lo que ocurre con esta película.

Entre 1921 y 1922 H. P. Lovecraft publicó un relato corto de terror en seis capítulos titulado “Herbert West: Reanimador”. En estos capítulos se relatan las “aventuras” del narrador del cuento y del doctor West reanimando cadáveres gracias a un suero ideado por el doctor. Basándose en este relato corto, en 1985, se nos presenta “Re-Animator”, una película que tuvo mucho éxito por entonces tanto en cines como, y sobre todo, en el videoclub. Una carátula más que atrayente y el nombre de Lovecraft en la misma era más que suficiente para agarrar la cinta de las estanterías. Y más de una vez, porque la combinación de terror, mucho gore, la chica con muy poca ropa o ninguna y un humor bastante negro la hacían película perfecta para alquilar para una sesión doble de sábado noche invernal.

No nos engañemos, la película toma muy poco del relato original de Lovecraft aparte del nombre de algunos protagonistas o el guiño a la Universidad de Miskatonic (es la primera vez que aparece este nombre ficticio en un relato de Lovecraft). Se trataría más que nada, sospecho, de poner el nombre del escritor de Providence en los créditos y posters con el objeto de atraer más público. También se puede decir, quizás, que la narcisista personalidad del doctor West está inspirada en el relato, o el asunto del cadáver decapitado (solo la idea, claro) que también utilizó Lovecraft en los dos últimos capítulos de su relato, pero lo cierto es que la historia que se cuenta en Re-Animator es muy simple, la verdad.

Vista hoy día, Re-Animator solo envejece mal por algún aspecto “cutre”, pero en general mantiene su gracia. Eso sí, terror poco. Y ello a pesar de que en su tiempo recuerdo que la película sí que me causó repelús. Cosas de la edad. No es una película larga (la primera versión, porque hay por ahí una copia de 105 minutos) y lo mejor que se puede decir es que no aburre. No hace falta pensar mucho, que todo es muy loco y mantiene fresco un humor bastante negro. Incluso cuando no lo pretende porque hay una escena con un gato negro atacando al doctor West que es descojonante. Los créditos iniciales son bastante buenos aunque molesta especialmente el plagio consciente que hizo el autor de la música de esta película al tema principal de Bernard Hermann para Psicosis (1960).

Después vino “La novia de Re-Animator”. Creo que esa es mejor no revisitarla…. O sí, ya veremos.

Adaptación de parte de una extensa novela escrita por Stephen King allá por los años ochenta, novela que no he leído y, por ahora, no tengo intención de leer. Cuestión de prioridades. Por tanto, esta reseña está centrada en la película como tal, sin comparaciones u opiniones sobre si la adaptación es buena o mala. De todas formas, hoy día es imposible abstraerse sobre los contenidos básicos de la historia o del tono que se le ha querido dar a la misma por culpa, no solo de las redes sociales, sino también de los trailers que básicamente te cuentan la película. No debí haber visto tráiler alguno.

Para empezar, “It”, como película de terror es un timo con todas las letras, como tantos se pueden ver hoy. Recurre a los trucos mil veces vistos y encima se vuelve muy reiterativa con los mismos. Lo peor de todo es que se limita a ruidosos trucos baratos, poco imaginativos y no se esfuerza nada por crear un ambiente mínimamente inquietante o malsano. Vamos a llamarlo “terror frío”, que es como se te queda el gesto ante algo que ni asusta, ni inquieta, ni te importa. Sustos previsibles a más no poder, el propio director los anticipa cuando empieza a mover la cámara de forma distinta. ¡Y con la puñetera música para subrayar el supuesto sobresalto! casi que es para cabrearse. En “Al final de la escalera” una simple pelota botando escaleras abajo desde un altillo, en la soledad y el silencio de una casa, siembra más desasosiego que toda esta película.

Buena parte de la inquietud o el miedo debe venir por la parte de los protagonistas, de la afinidad que consiguen para que te muestres verdaderamente preocupado por lo que les pueda ocurrir. También se falla aquí porque el guion final de esta película es demasiado plano, las etapas de la historia están demasiado acotadas, todo transcurre según los pasos que tienen que ocurrir y, lo peor, se hace un tratamiento demasiado superficial de las obsesiones/neuras/miedos de los protagonistas. Hay demasiados personajes, cada uno requiere su tiempo y el resultado es demasiado ligero y forzado, muy “porque sí”. A lo mejor es una herejía eliminar personajes, es lo que pensarán muchos aficionados a la novela, pero siendo una adaptación de un libro complicado hay que tomar decisiones que hagan el producto viable respecto de lo que se pretende. Si es que se pretende hacer una película de terror, porque tal vez la pretensión era ser hacer una película respetuosa con la novela y, además del asunto del terror, que también se adentre en los vericuetos de la amistad de una serie de adolescentes hostigados por muy diversos motivos. Pero sí éste es el caso, abarcar demasiado solo consigue que mi empatía por los personajes sea prácticamente nula por la poca profundidad que consigue.
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Parece ser que la idea inicial era que Cary Joji Fukunaga se hiciera cargo de la dirección de la película pero que sus pretensiones o ideas sobre la misma no gustaron a la productora. Pues se me antoja un gran error. Fukunaga ya mostró su valía en la primera temporada de True Detective donde trabajó conjuntamente con Nic Pizzolatto. Sin embargo de este dúo parece que el bueno de verdad era Fukunaga porque la segunda temporada de la serie, en la que ya no participa, tiene un bajón considerable. Y no me negarán que el ambiente malsano que hay en esta primera temporada de True Detective sí que es palpable e inquietante. Justamente lo que le falta a “It”. Posteriormente vino la muy notable “Beasts of No Nation” (2015) donde Fukunaga demostró lo buen director que es. Se me antoja que el error en “It” ha sido no dejarle hacer….

…. O no, porque lo que importa es la pasta y la película ha tenido recaudaciones estratosféricas. Y si el público responde…, pues más de lo mismo.