UK (2019) Cine de 3.81 estrellas

Una historia muy, muy, muy simple, (de verdad) pero que ha contado con una gran coproducción y un gran presupuesto, sumado a profesionales que sumaron su talento de alta calidad en la edición, el sonido, la fotografía, el manejo de cámara, la escenografía y la mezcla de luces.

De no ser por ello la cinta 1917 sería una más de las de películas bélicas que se estrenan cada temporada. Algo usual, sin embargo hay algunas cosas que la alejan un poco de las películas regulares.

Roger Deakins es un fotógrafo del más alto nivel, su ojo no descuida ni el detalle ni el conjunto, ni la vista panorámica de los paisajes naturales o el de los paisajes bélicos, junto al director aprovecharon al máximo toda esa logística de las trincheras, alambrados, ciudades en ruinas, que fueron usados en la cinta.

Se nos cuenta una historia de lo más simple: —Un individuo que tiene que ir de un lugar A hacia un lugar B, y en el camino le sucederán algunas cosas—

Sí muy sencilla la historia de esa misión, pero todo lo demás ha requerido una logística fílmica muy compleja y por ello en lugar de sumarse como una cinta bélica más, ha logrado importantes reconocimientos en el ámbito.

Todo basado en el impacto visual que genera con imágenes muy bien encuadradas, con un montaje hecho con minuciosidad. Sin embargo si queremos equipararla a otras cintas bélicas más notables pierde por todas partes.

No hay ninguna postura, ni nacionalista, ni heroica, ni segregacionista, ni animalista, ni ecologista, ni pacifista, ni belicista.

Sam Mendes renuncia a todo para enfocarse en mostrarnos (o demostrarnos) que puede ser capaz de conjuntar lo mejor del tecnicismo existente en la actualidad para hacer una cinta de gran impacto estético-visual.

En algún punto de la cinta, esta se vuelve demasiado teatral, con ese juego de luces y sombras en secuencia sobre una ciudad en ruinas, Mendes también es director de teatro y ha intentado fusionar arte teatral y arte cinematográfico, lo cual apenas es un acierto en lo estético, sin aportar nada en lo artístico.

No decepciona pero tampoco esperen sorprenderse.

Gran parte del merito de esta cinta es por el trabajo de Roger Deakins, sin su colaboración el resultado sería menos de la mitad de lo que es.

(4mar2020)
Por: Godofredo Oscós Flores

USA (2017) Cine de 2.31 estrellas

La propuesta de David Ayer apenas alcanza para lograr su objetivo más elemental que es entretener de manera sencilla.

Lo hace durante la mayor parte del metraje y empieza a decepcionar ya muy al final de la cinta pues la mayor parte sí logra la atención del espectador. Yo le he bajado algunas décimas de puntos cuando ya faltaban 15 minutos para el final.

Will Smith y Joel Edgerton hacen un aceptable trabajo actoral, el primero actuando como siempre y el segundo adaptándose a la actuación de su compañero, en tanto Lucy Fry no hace un gran trabajo pero su papel es esencial en la historia. Noomi Rapace por su parte queda bien en su papel de villana light, no hay mucho que analizarle.

No hay un buen trabajo de guion de parte de Max Landis pero tampoco es un desastre total, y la fotografía de Roman Vasyanov se adapta y se confunde bien al estilo del Hollywood más comercial.

La manera en que está planteada la cinta permite ver que hay una aspiración de suavizar la discriminación y el racismo existente en EU, algo que me parece no anda fuera de lugar, estoy seguro que verla sí lleva a una reflexión del tema.

La fantasía planteada tampoco me parece fuera de lugar, de hecho me parece que es una muy buena idea, sólo le ha faltado una mejor estructura y coherencia a la trama, con argumentos válidos dentro de la fantasía que se propone.

Esperemos que la parte 2 esté mejor desarrollada en cuanto a la coherencia de la historia y su argumentación.


(18feb2020)
Por: Godofredo Oscós Flores

ESP (2019) Cine de 4.1 estrellas

Pedro Almodóvar intentó estudiar cine, pero cuando llegó a Madrid, estaba recién cerrada la escuela de cine a la cual pretendía matricularse, pero eso NO le impidió hacer cine, no podemos imaginar cómo serían sus propuestas de haber recibido educación formal en el arte cinematográfico, seguramente sería igualmente exitoso, de lo que podemos estar seguros es que sus películas serían distintas a lo que nos presenta desde esa visión autodidacta pero sin duda profesional con la que asume su oficio de director.

Si en Dolor y gloria Almodóvar parece que está dando vueltas sobre los mismos temas es porque realmente está haciendo eso, variaciones sobre temas que conoce. Pero en esta ocasión se nota la experiencia acumulada, hace estética cinematográfica de los sucesos más cotidianos, y también provoca emociones profundas en el espectador de los sucesos más cotidianos, ¿Cómo lo hace? Porque tiene absoluta libertad creativa y sabe usarla con responsabilidad artística.

Almodóvar hace un realismo mesurado, pero esa mesura es la que el mismo se impone, tiene el apoyo de su productora -El Deseo- quizás otra productora le impondría filtros y condiciones. Desde su creación independiente los filtros se los impone él y sólo él mismo, así presenta situaciones bizarras, personajes que mueven al escándalo, escenas incómodas, pero también las mezcla con lo Humano, sabe hacer contrastes como pocos directores saben hacerlo.

Tiene una base de personajes y también tiene una base de actores para esos personajes, es así que podemos ver actores que hemos visto anteriormente en otras películas, es como sí llevara un seguimiento de la vida real de los actores y la vida imaginaria de sus personajes. Por eso supo que nadie podía hacer mejor el personaje que hace Antonio Banderas, y supo que Penélope Cruz estaba en el mejor momento para hacer de joven madre de uno de sus personajes. Penélope Cruz llena la pantalla como pocas veces antes, y Antonio Banderas está ante todo un reto actoral, Almodóvar le exige mucho en lo actoral, pero Almodóvar también se exige mucho a sí mismo, y por eso exige mucho en este caso de Banderas.

Dolor y gloria además es un homenaje al gran oficio del cine, a la convicción de dirigir, a la convicción de crear.
Dolor y gloria, se merece todas las nominaciones y premios que está cosechando.
Almodóvar está vigente y en esta película anuncia una aproximación al tema de una de sus próximas películas.

(13ene2020)
Por: Godofredo Oscós-Flores

USA (2019) Cine de 3.43 estrellas

Una muy larga película que saca adelante esa extensión de forma un poco más que aceptable,
Martin Scorsese aprovecha toda su experiencia previa en otras películas para darle fluidez a esta cinta larguísima que en manos de otro director posiblemente tendría muchas caídas,

Hace variaciones sobre un tema que tiene perfectamente dominado, pero no está dando vueltas sobre sí mismo, ahora muestra una perspectiva serena que no deja de ser dinámica.

Al Pacino tenía que estar en esta película, su actuación es la de un actor de su nivel aunque en otras cintas ha tenido más matices. Un poco menos pero también pasa lo mismo con Robert de Niro, que ha estado actuando algo que parece ya vivido antes. Joe Pesci en tanto, resulta un actor y un personaje necesarios en la película como ningún otro. Y Anna Paquin, ilumina la pantalla sin competencia femenina en un film dominado casi totalmente por lo masculino.

Scorsese se perdió en el tiempo de su película, con sus actores que conoce de hace muchos, MUCHOS, MUCHOS años, dio saltos temporales que estos actores no pudieron asimilar muy bien, y que el director no pudo retocar y pulir con buenos efectos y maquillaje, sus saltos en el tiempo son muy largos y cuando van hacia adelante salen bien librados, en tanto cuando van hacia atrás NO. Un actor o cualquier persona puede sin mucho esfuerzo y producción hacer un papel creíble de unos 25 años más que su edad o de unos 14 años menos, sin embargo Scorsese daba saltos en el tiempo de más de 40 años hacia atrás con sus mismos actores. Algo que resulta muy teatral y nada cinematográfico.

NO es la mejor película de gánsters, pero debe verse. Pues Scorsese explora (aunque un poco mal) las vicisitudes del tiempo y del olvido.

(15dic2019)
Por: Godofredo Oscós-Flores

USA (2004) Cine de 3.5 estrellas

Quentin Tarantino debió poner notas a pie de película (que no de página porque no es libro), para dar crédito a las fuentes de dónde se inspiró para hacer este “collage” fílmico: “Tal escena se la fusilé a Pedro Almodóvar, esa división de la pantalla a Brian de Palma, esos efectos se me ocurrieron cuando vi Matrix, esa forma de pelea se la copié a los realizadores chinos, esa otra a los italianos” ... y así un larguísimo sucesivamente.

La trama es demasiado común: Una individua X, que debe matar a una persona A, después a una persona B, luego a C, y después a D, así hasta llegar al individuo E, y vengar así la traición de que fue objeto un tiempo atrás.

Tal ordinariez debe ser suplida con muy grandes efectos para que no aburra, pero aun así aburre. Todo se sustenta en lo visual y a veces lo visual que muestra NO nos está contando absolutamente nada.

Los diálogos presuntuosos, no tienen nada de poético ni de filosófico, si este señor director (que también se asume de guionista) quiere lograr algo poético o filosófico, pues que se ponga a leer poesía y filosofía, y mucha, mucha, muchísima (y aprenda a poner créditos), porque si no lo único que seguirá transmitiendo será un lirismo soso.
En este Vol. 2 de Kill Bill las palabras de David Carradine (Bill) son muy jactanciosas, lo peor, lo peor, es que el actor se las cree mucho más que su personaje y piensa que está verborreando unos diálogos sublimes y exagera la actuación.

Si no fuera por la extraña belleza combativa que muestran Lucy Liu y Uma Thurman y su elevado quid actoral no hubiera aguantado el metraje, que bien se pudo sintetizar en menos minutos. A este señor le falta capacidad de síntesis, o está trazando estrategias que le permitan ganar dinero mucho más fácil en perjuicio de quienes sí se esfuerzan en hacer séptimo arte.

(3oct2009)
Por: Godofredo Oscós-Flores