Concrete Night

Película para deleitar la vista y descomponer pensamientos como si fueran líneas infinitas de muñecas rusas. Un cuento de hadas infernal. Esa 'noche concreta' de un adolescente llamado Simo en el Helsinki más brutal y olvidado, acompañado de un hermano que volverá mañana a prisión y de una madre alienada de sus propios hijos. Y una reflexión profunda sobre la semilla de la misantropía, y esa herencia de miedo y odio que las generaciones pasadas pueden engendrar fácilmente -incluso con hechos y palabras que no comprenden bien- en generaciones sucesivas.

Una oda a la pureza de la inocencia, perdida por una vida endurecida en un entorno que ha dejado de lado muchos valores humanos. Las cucarachas, los escorpiones, los cuerpos descompuestos, los sueños donde trenes descarrilan, los poderes perdidos -signo de la capacidad infinita de todo ser que despunta en este mundo-, el idilio religioso, las dudas sobre la sexualidad y la esperanza en su poder liberador, la decepción, el atrapamiento, las risas calladas a base de puñetazos, el Helsinki más oscuro, la belleza de lo sucio y del ruido.
Todo ello con un calado estético y un halo de ensueño que no se olvida fácilmente, una especie de delirio onírico donde los minutos van pasando.

Pirjo Honkasalo nunca defrauda, es una observadora detallista que sólo sabe crear belleza. Tras años dedicados al cine documental, se centra ahora en esta obra basada en una novela, y una vez más nos hace pensar. Pensar sobre demasiadas cosas para poder plasmarlas en unas cuantas líneas.

Un tren se abalanza hacia aguas turbulentas, el puente se desmorona, Simo lo ve todo de lejos. De pronto, le vemos en uno de los vagones sumergidos del tren. El agua sube. Se está ahogando…esta vez no han sido los nazis como en Europa (1991, Lars Von Trier), así es como empieza Concrete night (Betoniyö, 2013) de la conocida documentalista finlandesa Pirjo Honkasalo. Desde el primer fotograma se nos sumerge en un universo lynchiano, donde lo onírico y lo real irán atados al mismo raíl. El blanco y negro del filme elevan la estética al expresionismo lírico de obras como La noche del cazador (The night of the hunter, 1955, Charles Laughton) o El séptimo sello (The seventh seal, 1957, Ingmar Bergman).

Concrete night remueve las bases del apodado “thriller psicológico” con elementos de suprarrealidad y personajes perdidos, insertando ambos en los marcos vacíos que exhibe el extrarradio de Helsinki. La noche acompaña las andanzas de Simo, un adolescente descabellado que a falta de una figura paterna o materna (la madre no ejerce dicho "título"), se deja llevar por su hermano mayor y sus ideas apocalípticas sobre la extinción y escorpiones, que le conducirán en la misma dirección que el personaje de Ryan Gosling en Drive (2011, Nicolas Widing Refn). Por si fuera poco tratar del tópico familia fragmentada, nos habla del salto del adolescente a la madurez y los sinos de la homosexualidad latente, junto con los prejuicios sociales hacia ésta. El conflicto interior de Simo, desprovisto de una base sobre la que echar raíces, entra en catarsis coincidiendo con una fotografía nada inocente. Una mirada desde el piso de enfrente, resume por completo las dicotomías interiores y las dudas del adolescente, mirada parecida a la de Jean-Pierre Léaud en Los 400 golpes (Les 400 coups, 1959, François Truffaut).

Dejaos llevar por la atmósfera opresiva que nos introduce junto al protagonista, en sus pesadillas y en su realidad, seguid el curso del río. La fotografía juega de forma excelente con el blanco y negro y la luz expresionista para remarcar un espacio y unos sentimientos (lo exterior nos muestra el interior de los personajes). Espejos, ventanas, reflejos en la orilla… simbolismos de un cuerpo y una mente fraccionados. Las calles vacías y la secuencia de la noria (resalto los movimientos de cámara que suman en estética y significado) potencian dicho microuniverso de Simo y representan, al mismo tiempo, el puente entre él y su consciencia. Está solo contra el mundo, él contra la sociedad, le acompañan las palabras de su hermano que en su cabeza se repiten: «solo debes temerle a la esperanza».

- escrita para 400films -

Terminando de ver “Betoniyö” (2011) de Pirjo Honkasalo con Johannes Brotherus, Jari Virman, Anneli Karppinen, Juhan Ulfsak, Iida Kuningas, entre otros.

Drama finés, basado en la novela del mismo nombre, escrita por Pirkko Saisio y publicada en 1981, aunque adaptada a los tiempos modernos; sigue a un adolescente de 14 años de un sofocante barrio pobre de Helsinki cuando recibe algunas lecciones de vida imprudentes de su hermano mayor, que pronto será encarcelado...

Lo aprendido le traerá al joven graves e irreversibles consecuencias.

La trama de los hermanos es bien conocida en Hollywood, pero aquí está completamente sin maquillaje, con un joven que quiere desesperadamente otro significado en la vida después de dejar la infancia; y que está empezando a descubrir su homosexualidad... donde la vida destructiva es tan seductora que la dignidad significa ceder a lo que se presente.

Es un drama fuerte porque es muy realista; y no hay un gran mal aquí, solo un mal camino que conduce al Infierno o algo antes de eso; pues se trata de una película muy dura, un drama existencialista, donde el protagonista se verá abocado al lado más cruel de las personas, a una existencia sórdida y desalmada, envuelta en el caos, la suciedad y el ruido; como una reflexión cruda y profunda sobre la semilla de la misantropía, y esa herencia de miedo y odio que las generaciones pasadas pueden engendrar fácilmente, incluso con hechos y palabras que no comprenden bien, en generaciones sucesivas.

El titulo se traduce como “Noche de Hormigón” en alusión al encierro mental donde la película viene a mostrar una mirada al malestar adolescente, la decadencia urbana y los sueños fallidos; pera también trata sobre el lenguaje visual y el alma, de ahí que técnicamente el filme tiene elementos de gran valor.

La directora experta en documentales, Pirjo Honkasalo, usa a sus actores como si los tocara como instrumentos y dirige de manera asombrosa; tanto que el filme se convierte en algo más que desesperanza, en una desconcertante visión misantrópica se predice la extinción del hombre, con escorpiones y otros animales de orden inferior ocupando nuestro lugar.

Este tema sombrío de la desesperanza, se captura de manera efectiva en imágenes monocromáticas, donde se acentúa el contraste entre la luz y la oscuridad, con un poco de gris en el medio.

Algunas de las escenas se presentan como visiones de pesadilla, sin posibilidad de escape; ya sea que esté atrapado en un vagón de tren después de que el tren descarrilara y se hundiera en un río profundo, o si causó un daño grave e irreversible a alguien, es un destino ya escrito donde no hay escapatoria ni en la realidad ni en el sueño, y la pesadilla se vuelve real.

La banda sonora, en su mayoría de naturaleza clásica, se suma efectivamente al ambiente sombrío de la película; pero los puntos fuertes de esta película son la excelente e inusual narrativa, y especialmente la excelente cinematografía, crédito de Peter Flinckenberg, que se suma el tono sombrío, siniestro y ocasionalmente claustrofóbico, lleno de espejos, ventanas, reflejos… simbolismos de un cuerpo y una mente fraccionados.

Este enfoque poético monocromático, también le da a la película una superficie visualmente impresionante, y un realismo descarnado que recuerda al cine surrealista de los años 50.

De ahí que la ex directora de fotografía convertida en directora de documentales impregna el material con fuertes corrientes homoeróticas y de una palpable sensación de fatalidad inminente.

Del reparto, todos los 90 minutos recaen en Simo, el personaje de Johannes Brotherus, que ofrece una magnífica actuación como el atribulado, vulnerable e ingenuo adolescente, donde muy a menudo sus conflictos emocionales internos se pueden ver en su rostro mientras trata de aceptar su propia identidad.

También su hermano, Ilkka en Jari Virman, es el culpable de convertir la vanidad y el pesimismo de vivir en una filosofía a través de una historia sobre los escorpiones como la única especie sobreviviente en un próximo día apocalíptico, hablando de la humanidad codiciosa y la amenaza nuclear; en un claro contraste con un fotógrafo, que es la personificación de la alegría y el amor en la vida, un “pervertido” y “pedófilo” homosexual, que simboliza la búsqueda de Simo de una vida significativa en su juventud, pero resulta que su mente elástica está fundamentalmente infectada, debido a su forma de vida; y comete un asesinato que gira en “alegría y esperanza”

Pero de camino a casa, un taxista le ofrece llevarlo...

Ese taxista es el espejo de sí mismo mientras ve que su vida pasa ante sus ojos desde el joven inocente con sus risas hasta su reciente crimen, e intenta escapar de su caída, de ahí que abre la puerta mientras el auto sigue moviéndose, tal vez suicidio... y él mismo dice:

“No vuelvas a hacer eso nunca”

Al final, se da cuenta del monstruo en el que se ha convertido.

“Se acercan los escorpiones, se acerca el fin.

Si aún esperas que nunca serás libre.

Y si tienen suficiente se matan a golpes”

El filme es entonces una simple mirada sobre la inocencia perdida de un adolescente, siguiendo caminos filosóficos y simbólicos; y cómo crecer en una familia problemática puede afectar fundamentalmente la formación de su carácter y su presencia/ausencia en una sociedad; por ello el filme es significativo, artístico y declaratorio; aun con ese B/N y ese estado de ánimo nihilista y desesperado como pocas otras, es una película sin esperanza:

“Si estás libre de esperanza, estás libre de todo”

RECOMENDADA.

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