Alabama Monroe

Nominada al Oscar 2014 como Mejor película de habla no inglesa, ‘The Broken Circle Breakdown’(también conocida como ‘Alabama Monroe’) es una muy buena película en varios aspectos: montaje, sonido, interpretaciones, historia… todos puestos al servicio de una idea de consternar al espectador de una manera no tan convencional. El problema es que lo logra a los pocos minutos de empezar, y luego ya no hay vuelta atrás: el progreso evidente de la peor enfermedad del mundo (el cáncer) y la muerte de la niña Maybelle se dan muy pronto y no hay manera de recuperarse de semejante golpe. Por más que se alternen momentos y secuencias musicales alegres (aunque también nostálgicas), después de semejante injusticia, sólo se puede esperar una visión del mundo trágica, desesperanzada, amarga… una mierda básicamente (no me quiero ni imaginar el efecto de este film en quienes son padres). Y me pregunto, ¿hasta dónde una película así es un aporte? Cuando digo “aporte” no me refiero a un aporte cultural o “intelectual”, sino a cualquier tipo de aporte (como el mero entretenimiento pasatista por ejemplo). Claro, alguien podría decirme que el cine (y el arte en general) no tiene por qué aportar algo, y tendría razón. Aún así, mi problema con esta película es su falta total de esperanza y su visión pesimista del mundo y del amor. Prefiero a la vida, viva.

“Lo sabía. De hecho, siempre lo he sabido. Que era demasiado hermoso para ser cierto. Que no podía durar. Que la vida no es generosa. No tenemos derecho a amar, no podemos encariñarnos pues la vida no hace obsequios. Vuelve a llevarse todo riéndose en tu cara, te traiciona.” (Elise/Alabama)

De todas maneras, es una buena película, sobre todo por los permanentes saltos temporales y la precisa composición entre estos para lograr un determinado efecto en el espectador. Una especie de “montaje de choque” (S. Eisenstein), pero no de planos sino de secuencias, articulado de tal manera que nunca resulta confuso (es decir, en mayor o menor medida, siempre sabemos si estamos en el presente, pasado o futuro de la historia) y que genera su efecto emocional a través del contraste entre etapas/estados felices y tristes en la pareja en cuestión. Yendo y viniendo, alterna secuencias que van desde el nacimiento del amor entre Didier y Elise, el fruto de ese amor (Maybelle), la enfermedad, la muerte y el duelo, hasta la autodestrucción de la pareja. Estas etapas/estados intercalados muestran los extremos que conviven dentro del propio ser humano y su potencialidad, tanto para amar como para lastimar, para crear como para destruir. La naturaleza autodestructiva. Las distancias irreconciliables entre dos personas que se juraron eternos amantes, y las explosiones irreconocibles que los convierten en perfectos extraños. Esta idea de alternancia temporal tiene un atractivo difícil de explicar, tal vez tenga que ver con que las personas recordamos de esa manera, en fragmentos desordenados. Por otro lado, es un film disfrutable también musicalmente, hay una idea de expresar todos los sentimientos de los personajes a través de la música.

Finalmente, hay una discusión política de fondo, que se desarrolla mostrando una extraña relación de los personajes con la cultura estadounidense. A veces, “detalles”, como el grupo musical infantil que escucha Maybelle en su cumpleaños o el conjunto de ropa interior de Elise con la bandera de estados unidos como motivo. Otras veces, desconcertantes curiosidades (que luego tendrán su razón de ser), como la frase de Didier: “el mejor lugar en el mundo es Estados Unidos, el lugar donde todo se puede cumplir, un país para soñadores”; o una escena donde se ve en la TV -de fondo- un noticiero que transmite imágenes del atentado a las torres gemelas (en esa escena corre el año 2001). Finalmente, uno de los momentos más explosivos y claves de la historia (y la pareja), cuando Didier enloquece al escuchar a Bush vetar un proyecto de ley para el uso de células madres para combatir enfermedades como el cáncer (“para inventar armas hay tecnología, pero para salvar vidas…” dice Didier). El conservadurismo teórico basado en razones religiosas versus el caso concreto de un padre (ateo) que perdió a su hija en manos de una enfermedad posiblemente curable con los debidos avances de la ciencia (avances lentificados, según Didier, por la hipocresía de los conservadores). En el medio, Elise, con su fe y sus creencias simbolizadas por una cadenita con una cruz, reliquia de su familia, antes de su abuela, luego de madre y ahora también de Maybelle. La grieta invisible de una historia de amor que se convierte en un abismo lleno de miserias.

www.quecinemirar.blogspot.com.ar

La historia se centra en la vida de Elise, una joven tatuadora, y Edier, un cantante de un grupo de bluegrass, los cuales se enamoran a primera vista y forman una pareja en poco tiempo. Sin embargo todo esto cambiará debido a la llegada de Maybelle, su hija, la cual tiene cáncer lo que provocará varias riñas entre la pareja.

He de decir que me ha sorprendido para bien la película, por algo está nominada a mejor película extranjera. Nos presenta una historia sin tapujos y bien hilada, haciendo bastante uso de los flashbacks, y consiguiendo algo que pocas películas de este tipo consiguen hacer, que sintamos empatía por las personas que aparecen en pantalla, centrándonos en sus problemas y viendo como son o no capaces de solucionarlos. Como digo presenta un buen ritmo durante las casi dos horas que dura el metraje, pues en los momento en los que baja algo nos ponen una gran banda sonora en forma de actuaciones del grupo haciendo más llevadero ese momento más lento. Tras todo esto la película contiene un mensaje social sobre el cual cada uno tendrá un punto de vista, pero no se puede negar que lo incluyen con ingenio para que no parezca demasiado forzado.

En referente a las actuaciones el conjunto cumple bastante bien, destacando Veerle Baetens sobre el resto, consiguiendo encarnar con realismo tanto el papel de una madre preocupada como el de una joven alegre y sin preocupaciones (más allá de las normales). Un gran punto a destacar es la banda sonora, la cual se no presenta con un toque country debido al tipo de música que toca nuestro protagonista, y que al igual que en películas como Once, se nos presenta por parte de los propios actores dejando un muy buen nivel.

Quiero decir que, más que una crítica, que también lo es, es una justificación de la puntuación.
Le doy un siete pero al menos dos son de regalo porque soy un fan de la música Bluegrass y no he podido evitarlo. Las referencias a Bill Monroe, Tony Rice, JD Crowe ... la banda, las canciones ... para mi, salvan completamente la película. Y me hacen olvidar el cuestionar si en Bélgica hay esta afición a esta música, si un concierto de estas características puede llenar un teatro en Bruselas ... me da igual, lo que importa es que suena bien y que tiene una buena esceneografía country.
Pero, ¿y mi señora?. No le gusta el Bluegrass y estuvo viéndola conmigo. Entre otras cosas porque el ir al cine llevaba el compromiso de la cena posterior. Y la verdad es que le encantó .... la cena.
Pues es una temática muy manida. La primera parte de la película está bastante bien. No sé si en ciertos ambientes sureños propios de este tipo de música, las escenas se sexo estarían bien consideradas, pero a mí estas concesiones de cara a la galería me gustan. La segunda parte es más complicada. Hay que poner las dosis dramáticas, los puntitos psicológicos,... y la película se pierde. Se pierde mucho, hasta llegar a esas escenas finales absolutamente grotescas y absurdas con la que acaba la película.

Difícil es dar a conocer una película tan pequeña como esta fuera de sus fronteras, y muchas delicias pueden pasar desapercibidas por el poco marketing y publicidad que se les da, y es gracias al reconocimiento del público que ciertas películas traspasen fronteras y nos lleguen aunque sea a cuentagotas. Este es el caso de Felix Van Groeningen que con esta cinta a logrado traspasar la línea y así hacernos llegar esta cinta.

Con una trama muy interesante y atrevida que va de más a menos y otra vez a más, comienza un juego cronológico en donde todo está superpuesto y en donde todo es posible. Con el grado de intensidad preciso los actores afrontan los hechos de una forma notable, cabe destacar a Veerie Baetens que se mete en el personaje haciendo un trabajo formidable, muy expresiva y transmitiendo una gran intensidad con una mirada turbadora, bien acompañada por Johan Heldenbergh que aunque le cuesta centrarse en su papel, termina realizando un buen trabajo,toda ella esta muy bien acompañada por la música que le pone a cada momento un toque de elegancia. En su tramo medio es donde más flojea con ciertos clichés un tanto politizados y una tendencia a la rutina conformista que da la sensación de no avanzar en la historia, pero que una vez solventados nos despiden con un final bastante aceptable y poco predecible, dejando una sensación agridulce pero hacia el buen sentido.

Como conclusión final se puede decir que se trata de una cinta notable, apta para cualquier espectador dispuesto a ser sorprendido con la delicadeza y eficacia que desbordan sus protagonistas que hacen de la película un recital de country .

Lo mejor: Esa música tan dramática que hace estremecernos.
Lo peor: El desconcierto cronológico y la Politización de los hechos.

Una película en la que los tatuajes se retocan y reconstruyen contando una historia sobre los fracasos amorosos, canciones con mensaje y despedidas a ritmo de bluegrass, alegre y emotivo. Una de las mejores cosas de esta película es la forma que tiene de narrar su historia, en la que pasado, presente y futuro se unen para describir a una pareja.