Hasta que llegó su hora

Con esta película, Sergio Leone me ha conquistado. Me acabo de percatar que esta hombre tiene muy pocas películas en su haber, una lástima... y sólo he visto su triología del dolar y esta. Pero me parecen una pequeñas joyas a descubrir.

Es un western diferente, muy lento pero muy cuidado. En esta película, se nota muchísimo que cada plano está cuidado al más mínimo detalle. Me ha encantado. Esa tensión, y ya desde el principo con esos minutos de tensión de saber que pasará algo pero no sabes ni qué ni porqué.

Además, es un genio utilizando la cámara. Vaya planos. Tremendo.

Le resto un punto, porque al principio tuvo que matar a animales por hacer una secuencia...

Lo dijo mejor que yo Dave Kehr: Sergio Leone viaja a Monument Valley, el paisaje de John Ford. Una posible hipótesis del western: género de los propios y de los emigrados. John Ford imaginó siempre una América de caballeros medievales y no cuesta imaginar que Leone estaba aquí siendo el joven que alguna vez vio "My darling Clementine" en un cine de Italia, antes de ser un cineasta primero de peplums y luego de los llamados spaghettis.

Como ya el spaghetti era un asunto de coproducciones audaces para multicines y su fama permitía salir del marco, Leone hizo una alegoría sobre el nacimiento del capitalismo en los Estados Unidos donde dos pistoleros encarnan el final y una mujer superviviente, el principio.

Hecha de sufrimiento, de tiempo perdido, de renuncia y de manos trabajadoras: así es esta alegoría donde todo termina y se acaba para dejar paso al mundo que ahora conocemos. Leone está más cerca de la acumulación primitiva de Karl Marx que del lugar de machos heroicos de Ford y esa es la gran noticia: gracias a su compadre Morricone, aquí ya en el mejor de sus talentos y versiones, y de unos espléndidos y hermosos Claudia Cardinale, Henry Fonda y Charles Bronson sus planos largos, sus miradas y su casi ausencia de diálogos al estilo convencional, llenan la película.

Esta es la película que Leone nació para contar y una de las mejores de la historia del cine, acaso una de mis tres favoritas.

Algo que por definición es imposible hacer, y creo que es una tarea titánica y absolutamente quimérica a la que se enfrentó el gran Sergio Leone tras haber rodado el que para mí es el mejor «Spaghetti Western» de todos los tiempos: «El bueno, el feo y el malo». ¿Cómo hacer para volar más alto que el mismo cielo? ¿Era posible acaso estirar y extremar todavía más los códigos estéticos que el propio Leone había inventado tras agigantarlos hasta lo inverosímil en aquella obra cumbre? La factura, el esmero y la enorme laboriosidad con la que está llevada adelante «Hasta que llegó su hora» demuestran que lo intentó por todos los medios. Muchas de las excelentes reseñas que he leído acerca de ella en esta web ponderan el logro, acuñando «Hasta que llegó su hora» como la obra maestra final del gran Leone. Me parece una opinión muy válida y harto respetable, pero no es la sensación que yo tengo. De hecho creo que Sergio, ante la imposibilidad de superar lo insuperable, claudicó ante su propio genio y entendió que la mejor solución era dar un pequeño paso atrás, suavizando sus propios códigos cinematográficos. Así y todo, y como Leone sigue siendo Leone y Morricone sigue siendo Morricone, lo que salió fue una película soberbia que se acerca mucho a lo que yo considero una obra maestra.

Las reglas del juego expositivo siguen siendo las mismas, y demos gracias por ello: primeros planos de rostros sudorosos y grasientos, moscas zumbonas, planos detalle de manos acercándose a las pistolas, botas pisando polvo innominado, miradas intensas, intercambios de gestos, movimientos de manos fugaces que la cámara apenas parece captar; todo esto combinado con impresionantes panorámicas de estaciones ferroviarias maltrechas o a medio construir y tomas interiores de salones que parecen medio enterrados en la incuria del desierto. Un villano que (tengo que decirlo) por momentos me dio más repelús que el mismo Sentencia, gracias a la aparición de un Henry Fonda inesperadamente escalofriante. La parquedad de Bronson anuncia todo el tiempo una venganza añeja en forma de carcoma del alma. La socarronería de Robards y su amargura lo convierten en uno de los malandrines más entrañables del género. Y una espectacular Cardinale, de abrumadora belleza, redondea el mejor personaje femenino que Leone haya tenido jamás.

La historia se vuelve un ápice más compleja que en sus anteriores obras, en parte debido a la inclusión del progreso como factor argumental; la llegada al lejano Oeste de los «caballos de hierro» otorga un nuevo matiz, como en «El bueno, el feo y el malo» lo había otorgado la Guerra de Secesión. Leone se muestra una vez más como un hábil enlazador de tramas, que resuelve con un guion, como siempre, muy breve y conciso, y valiéndose de su estilo radical basado en la perfecta conjunción entre unas imágenes poderosísimas y una música épica espectacular.

Todo son elogios, como veis. Entonces… ¿qué pinta ese 8 tan miserable y mezquino en mi calificación? ¿Qué es lo que hace que no la considere la obra cumbre de Leone o incluso un poco más? Como fan del director italiano, ¿qué me impide elevarla hasta los altares cinematográficos? Creo que en este sentido pesa demasiado la influencia que sobre mi ánimo cinéfilo ejerció «El bueno, el feo y el malo», obra que considero perfecta y redonda en todos sus aspectos. «Hasta que llegó su hora», siendo, como digo, una película monumental, me da la sensación de estar algo menos consolidada, e incluso de faltarle un poco (sólo un poco) de la fuerza a la que Leone me tiene acostumbrado. Quizá esta impresión cambie con los sucesivos visionados y termine embelesándome tanto o más que la gloriosa aventura de Walach, Eastwood y Van Cleef. De momento, no obstante, toda mi consideración y mi admiración, pero con la reserva de saber que, desde siempre, fue imposible superar lo insuperable.

Muchas veces se duda de cuándo una película es obra maestra. Para mi ésta lo es. Por la sencilla razón de esos planos tan bien elaborados (sobre todo al principio), esa música de Morricone y esa fotografía simbolizando la dureza de esa época.
No trata de gustar con un final feliz, con amor entre personajes ni nada. Se limita a contar una historia con bastante buen guión.
¿Puede que le sobren algunos minutos y que algún personaje acabe en momento cansando un poco? Sí. Pero eso no quita que sea una joya.

El viaje de Leone por el Spaguetti Western terminó en esta producción, una culminación de todos los elementos que se habían ido gestando anteriormente en "La trilogía del dólar" de formas totalmente innovadoras. La forma tan cinematográfica que posee Leone para retratar el perfil psicológico de un personaje a través de sus miradas y de su gesticulación es un sello de personalidad artística.

Cabe decir que la salida hacia la tragedia de forma repentina, con su puesta en escena y una fotografía y música acorde con la epicidad es, simplemente, espectacular. El filme posee una percepción del Oeste sanguinario y ruin más rigurosa debido a un mayor presupuesto destacable a lo largo de la película, lo que hace que haya también una elaboración de las escenas más realistas y completas.

Se destaca también la presencia del choque cultural entre el Este y el Oeste encarnada por la mujer que interpreta Claudia Cardinale, la cual llega a un territorio al que pertenecen los hombres, siendo las acciones de estos los que otorgan la historia de esos pueblos del Oeste. Constantemente se repite el buen manejo de la expectación y de lo extraordinario en los personajes protagónicos, su elenco actoral es impresionante y se percibe la importancia que tiene su idiosincracia para encajar con el tratamiento del mundo del Oeste.

La transformación psicológica del personaje de Cardinale es expresada de forma poética tras la trágica pérdida que sufre tras ver a su familia muerta. Por primera vez en el género la mujer tiene un protagonismo más desarrollado e importante. También se aprecia el buen uso del humor en momentos tensos donde la expectación está presente para el desarrollo de escenas divertidas. Estos elementos habrán sido evolucionados más tarde en el cine de Tarantino al trabajar sobre el Spaguetti Western.

La dirección del sensualismo entre amantes furtivos tiene unos tonos naturalistas, que gracias a la banda sonora consigue ser menos extraña por el enfoque argumental con la que está inscrita. Otra de las mejoras de Leone en su producción cinematográfica es la de elaborar una mayor contextualización al juego de miradas que se establecen en determinados personajes en contextos cargados de significación.

Sólo Leone logra transmitir la contemplación nihilista del abismo a través del duelo, por lo que la estética pulp que rodea su artificio en el subgénero está en constante armonía con el argumento. El increíble uso del plot-twist mediante la utilización de un leit motiv físico que definirá la idiosincracia de una vendetta poco pronunciada es otro de los factores que enngrandecen esta obra.

"Harmonica" conformará un paralelismo protagónico cercano a "El Manco", descansando en el crepúsculo del Western italiano, donde compartirá la pervivencia de un pueblo que irá construyéndose como el reflejo de un medio de transporte que comprenderá el arte del cine y la deuda pendiente de otros muchos cineastas que lograrán películas sobresalientes gracias a la innovación artística de Leone.