US 
Canadá 
México 
España 
UK 
Irlanda 
Australia 
Argentina 
Chile 
Colombia 
Uruguay 
Paraguay 
Perú 
Ecuador 
Venezuela 
Costa Rica 
Honduras 
Guatemala 
Bolivia 
Rep. Dominicana Zabriskie Point
6.6
2,113
Drama
Tras un enfrentamiento en un campus universitario entre estudiantes y policías, un joven de familia acomodada, Mark, cree haber matado a un agente y huye, en compañía de otro joven y tras robar una avioneta, al desierto de Arizona. Allí se encuentra de un modo fortuito con Daria, una muchacha que trabaja para un abogado, director de un importante proyecto inmobiliario, y que está cruzando el desierto en automóvil para asistir a una ... [+]
29 de julio de 2009
29 de julio de 2009
42 de 45 usuarios han encontrado esta crítica útil
Segundo de los tres films contratados por el realizador italiano Michelangelo Antonioni con el productor Carlo Ponti (“Blowup”, “The Passenger”). El guión, de Antonioni en colaboración con Franco Rossetti (Fred Gardner), Sam Shepard, Tonino Guerra y Clare Peploe (esposa de B. Bertolucci), desarrolla un argumento original de Antonioni. Se rueda en escenarios naturales y abiertos de la ciudad de L.A., Hawthorne y Northrop (L.A.) y del Death Valey National Park (CA), con un presupuesto de 7 M USD. Producido por Carlo Ponti para MGM, se estrena el 9-II-1970 (EEUU).
La acción dramática tiene lugar en la ciudad de L.A. y alrededores y en el Valle de la Muerte, a lo largo de varias horas de un día de uno de los últimos años de la década de los 60. El joven estudiante Mark (Frechette), de buena familia, participa en una reunión de líderes estudiantiles revolucionarios, que abandona antes de su conclusión por el radicalismo que profesa. Adquiere una pistola y se ve involucrado en un enfrentamiento de estudiantes y policías en el que muere por herida de arma de fuego un policía. Captada su imagen por un cámara de TV, él y la policía creen erróneamente que es el autor del disparo mortal. Roba una avioneta y huye hacia el desierto de Mojave, donde circula en su viejo Buick la joven estudiante Daría (Helprin), que complementariamente trabaja como secretaria esporádica de Lee Allen (Taylor), uno de los jefes de la corporación inmobiliaria Sunny Dunes Enterprises, del que es amante. Mark es activista antisistema, de posiciones radicales, individualista, idealista y solitario. Diana es pacifista, partidaria del amor libre, de ideas hippies, espíritu libre, contemporanizadora y no radical.
El film suma drama, romance y documental. Sobre una base argumental liviana y superficial, explora el movimiento contracultural de la juventud antisistema de finales de los años 60. La conciencia de opresión consumista, la glosa mostrando los grandes anuncias de publicidad estática que pueblan los alrededores de L.A. y las proximidades del aeropuerto deportivo. El nihilismo de la juventud inconformista se pone de manifiesto en la reunión de líderes centrada que tratan cuestiones estratégicas, con ausencia de propuestas ideológicas. El desencanto de los mismos se refleja en el tono melancólico y triste de sus actitudes personales y del acompañamiento musical. El pacifismo que inspira el movimiento se demuestra con el rechazo de la guerra y las armas y su sustitución por las flores, símbolos de amor y paz. La defensa de la libertad de expresión y manifestación que proponen, se muestra, a la inversa, mediante las duras intervenciones y cargas policiales con heridos de consideración. La defensa de la igualdad e integración racial se explica a través de las manifestaciones y preguntas que se oyen en la reunión de líderes y la sugiere la presencia como criada de una india en la casa piloto.
(Sigue sin “spoilers”)
La acción dramática tiene lugar en la ciudad de L.A. y alrededores y en el Valle de la Muerte, a lo largo de varias horas de un día de uno de los últimos años de la década de los 60. El joven estudiante Mark (Frechette), de buena familia, participa en una reunión de líderes estudiantiles revolucionarios, que abandona antes de su conclusión por el radicalismo que profesa. Adquiere una pistola y se ve involucrado en un enfrentamiento de estudiantes y policías en el que muere por herida de arma de fuego un policía. Captada su imagen por un cámara de TV, él y la policía creen erróneamente que es el autor del disparo mortal. Roba una avioneta y huye hacia el desierto de Mojave, donde circula en su viejo Buick la joven estudiante Daría (Helprin), que complementariamente trabaja como secretaria esporádica de Lee Allen (Taylor), uno de los jefes de la corporación inmobiliaria Sunny Dunes Enterprises, del que es amante. Mark es activista antisistema, de posiciones radicales, individualista, idealista y solitario. Diana es pacifista, partidaria del amor libre, de ideas hippies, espíritu libre, contemporanizadora y no radical.
El film suma drama, romance y documental. Sobre una base argumental liviana y superficial, explora el movimiento contracultural de la juventud antisistema de finales de los años 60. La conciencia de opresión consumista, la glosa mostrando los grandes anuncias de publicidad estática que pueblan los alrededores de L.A. y las proximidades del aeropuerto deportivo. El nihilismo de la juventud inconformista se pone de manifiesto en la reunión de líderes centrada que tratan cuestiones estratégicas, con ausencia de propuestas ideológicas. El desencanto de los mismos se refleja en el tono melancólico y triste de sus actitudes personales y del acompañamiento musical. El pacifismo que inspira el movimiento se demuestra con el rechazo de la guerra y las armas y su sustitución por las flores, símbolos de amor y paz. La defensa de la libertad de expresión y manifestación que proponen, se muestra, a la inversa, mediante las duras intervenciones y cargas policiales con heridos de consideración. La defensa de la igualdad e integración racial se explica a través de las manifestaciones y preguntas que se oyen en la reunión de líderes y la sugiere la presencia como criada de una india en la casa piloto.
(Sigue sin “spoilers”)
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
spoiler:
La opción por el amor libre se expone a través de la pareja protagonista y las opiniones de Daría. Se apuntan someramente las propuestas a favor de la vida en comunas, la superación que proponen del concepto de familia tradicional, el consumo de drogas (Mark y Daría fuman hierba abiertamente ante las cámaras), la lucha contra el capitalismo insolidario, etc. La exposición es rápida, superficial y básicamente visual.
Con imágenes de gran belleza, de paisajes inmensos y de accidentes tan hinópticos como el Valle de la Muerte, desarrolla la historia del encuentro y la relación de amor y sexo de Mark y Daría. Complementa la secuencia con imágenes oníricas de una orgía multitudinaria dispuesta alrededor de la pareja protagonista, a cargo de los actores y actrices del Open Theater, de Joe Chaikin. Un montaje de planos cortos, medios, largos y generales, compone un espectáculo visual de gran belleza y potente significado. El amor libre de los protagonistas se funde con la evocación del amor libre universal, capaz de impulsar la solidaridad y la paz en la Tierra. Más adelante añade imágenes apocalípticas, repetitivas e insistentes, que simbolizan lo que para los antisistema eran las condiciones finales de su lucha: la destrucción del capitalismo y el cese de la contemporanezación con él.
Las interpretaciones a cargo de dos jóvenes sin experiencia previa en cine no da los resultados de espontaneidad y verismo que se esperaban. Los actores profesionales como Rod Taylor tienen una intervención tan breve que pasa desapercibida, al igual que la presencia de Harrison Ford (no acreditado) en el papel de trabajador el aeropuerto. La obra funciona mejor como documental que como pieza dramática. Con todo, su valor testimonial de una época, un movimiento social, unos ideales, una estética y una música, confiere a la obra un interés documental de singular importancia.
El punto Zabriskie marca la posición más elevada de un mirador situado junto a las Funeral Mountains, a pocas millas del final del Valle de la Muerte. Toma el nombre de Christian B. Zabriskie, director general de la compañía minera que a principios del XX extrajo borax (borato de sodio) del lugar. La superficie del Valle de la Muerte estuvo ocupada por un largo hace unos 5 millones de años.
La banda sonora, de Pink Floyd y otros, acompaña las imágenes con fuerza y eficacia (El grupo The Grateful Death acompaña la orgía, Pink Floyd las explosiones de la casa piloto...). La fotografía, de Alfio Contini (“Portero de noche”, Cavani, 1974), crea imágenes realistas de soberbia belleza, que acompaña de estética pop y colores psicodélicos. Film atípico dentro de la filmografía del realizador.
Bibliografía
Jonathan ROSENBAUM, “Zabriskie Point”, ‘1.000 películas que hay que ver antes de morir” (Steven Jay Schneider) (versión española), pág. 533, Grijalbo Ed., 2004.
Seymour CHATMAN, “Michelangelo Antonioni. Filmografía completa” (versión española), Taschen Ed., Alemania, 2008.
Con imágenes de gran belleza, de paisajes inmensos y de accidentes tan hinópticos como el Valle de la Muerte, desarrolla la historia del encuentro y la relación de amor y sexo de Mark y Daría. Complementa la secuencia con imágenes oníricas de una orgía multitudinaria dispuesta alrededor de la pareja protagonista, a cargo de los actores y actrices del Open Theater, de Joe Chaikin. Un montaje de planos cortos, medios, largos y generales, compone un espectáculo visual de gran belleza y potente significado. El amor libre de los protagonistas se funde con la evocación del amor libre universal, capaz de impulsar la solidaridad y la paz en la Tierra. Más adelante añade imágenes apocalípticas, repetitivas e insistentes, que simbolizan lo que para los antisistema eran las condiciones finales de su lucha: la destrucción del capitalismo y el cese de la contemporanezación con él.
Las interpretaciones a cargo de dos jóvenes sin experiencia previa en cine no da los resultados de espontaneidad y verismo que se esperaban. Los actores profesionales como Rod Taylor tienen una intervención tan breve que pasa desapercibida, al igual que la presencia de Harrison Ford (no acreditado) en el papel de trabajador el aeropuerto. La obra funciona mejor como documental que como pieza dramática. Con todo, su valor testimonial de una época, un movimiento social, unos ideales, una estética y una música, confiere a la obra un interés documental de singular importancia.
El punto Zabriskie marca la posición más elevada de un mirador situado junto a las Funeral Mountains, a pocas millas del final del Valle de la Muerte. Toma el nombre de Christian B. Zabriskie, director general de la compañía minera que a principios del XX extrajo borax (borato de sodio) del lugar. La superficie del Valle de la Muerte estuvo ocupada por un largo hace unos 5 millones de años.
La banda sonora, de Pink Floyd y otros, acompaña las imágenes con fuerza y eficacia (El grupo The Grateful Death acompaña la orgía, Pink Floyd las explosiones de la casa piloto...). La fotografía, de Alfio Contini (“Portero de noche”, Cavani, 1974), crea imágenes realistas de soberbia belleza, que acompaña de estética pop y colores psicodélicos. Film atípico dentro de la filmografía del realizador.
Bibliografía
Jonathan ROSENBAUM, “Zabriskie Point”, ‘1.000 películas que hay que ver antes de morir” (Steven Jay Schneider) (versión española), pág. 533, Grijalbo Ed., 2004.
Seymour CHATMAN, “Michelangelo Antonioni. Filmografía completa” (versión española), Taschen Ed., Alemania, 2008.
22 de julio de 2008
22 de julio de 2008
43 de 51 usuarios han encontrado esta crítica útil
Yo, francamente, no comprendo por qué este filme está tan desprestigiado. Que si ha envejecido mal, que si es aburrido, que si se desmarca de las líneas de sus anteriores filmes...
Lo que está claro es que:
1º. Siendo un Antonioni la división está asegurada.
2º. ¿Envejecido por qué? Como documento funciona a la perfección y el uso de la estética como una ética lo hace imperecedero.
3º. Quizá los personajes sean algo planos, carentes de un entramado psicológico, y las interpretaciones algo vacías. Eso no merma, en este caso, la calidad de la película.
4º. Hace un delicioso inventario de los mitos de la contracultura, incorporándolos a la trama.
5º. ¿Por qué verla? Porque contiene algunas de la escenas más memorables y originales de la historia del cine. Porque retrata el paraíso perdido de un sueño tal como si aún fuera ese sueño. Porque es inolvidable.
6º. Es bastante entretenida, menos lenta que otros filmes del italiano, más frenética.
Lo que está claro es que:
1º. Siendo un Antonioni la división está asegurada.
2º. ¿Envejecido por qué? Como documento funciona a la perfección y el uso de la estética como una ética lo hace imperecedero.
3º. Quizá los personajes sean algo planos, carentes de un entramado psicológico, y las interpretaciones algo vacías. Eso no merma, en este caso, la calidad de la película.
4º. Hace un delicioso inventario de los mitos de la contracultura, incorporándolos a la trama.
5º. ¿Por qué verla? Porque contiene algunas de la escenas más memorables y originales de la historia del cine. Porque retrata el paraíso perdido de un sueño tal como si aún fuera ese sueño. Porque es inolvidable.
6º. Es bastante entretenida, menos lenta que otros filmes del italiano, más frenética.
29 de noviembre de 2006
29 de noviembre de 2006
33 de 36 usuarios han encontrado esta crítica útil
El centro de la ira de Antonioni es el consumismo feroz y la especulación en la sociedad estadounidense en medio de los cuales intenta decir algo una juventud inquieta, eufórica y militante en las universidades, pero impotente y fácilmente reducida por los medios policiales.
Siempre ha sido una película unánimemente rechazada (parece que la crítica en su día la masacró) pero vista hoy creo que el tiempo la ha favorecido y ha cobrado fuerza.
Hubo una escena que sí trascendió, aquélla casi onírica en la que que se veía a parejas y grupos practicando sexo en las polvorientas ondulaciones del desierto, con otro punto a favor en la música, que cuenta, entre otros, con varios temas de Pink Floyd sobresaliendo esa recreación del extraordinario y terrorífico "Careful with that axe Eugene".
Técnicamente es tan brillante y precisa y con un manejo de la cámara tal, que Antonioni demuestra estar por delante de la mayoría, pese a tener un guión demasiado inconexo (como si los nada menos que cinco guionistas que la escribieron no se hubieran puesto de acuerdo o bien sólo hubiera quedado lo poco en que lo estaban), pero su nervio e intención la convierten en un perpetuo clamor.
Siempre ha sido una película unánimemente rechazada (parece que la crítica en su día la masacró) pero vista hoy creo que el tiempo la ha favorecido y ha cobrado fuerza.
Hubo una escena que sí trascendió, aquélla casi onírica en la que que se veía a parejas y grupos practicando sexo en las polvorientas ondulaciones del desierto, con otro punto a favor en la música, que cuenta, entre otros, con varios temas de Pink Floyd sobresaliendo esa recreación del extraordinario y terrorífico "Careful with that axe Eugene".
Técnicamente es tan brillante y precisa y con un manejo de la cámara tal, que Antonioni demuestra estar por delante de la mayoría, pese a tener un guión demasiado inconexo (como si los nada menos que cinco guionistas que la escribieron no se hubieran puesto de acuerdo o bien sólo hubiera quedado lo poco en que lo estaban), pero su nervio e intención la convierten en un perpetuo clamor.
27 de diciembre de 2008
27 de diciembre de 2008
33 de 37 usuarios han encontrado esta crítica útil
Aunque soy un admirador de Antonioni, confieso que a pesar de que "Zabriskie point" tiene cosas interesantes y que atestiguan ciertos aspectos de la época convulsa en que fue hecha, me ha gustado bastante poco (en eso estoy de acuerdo con la tibia acogida que tuvo en su momento la película).
De estética arquetípicamente californiana, y haciendo uso de algunos de los artificios empleados por los directores que querían ser "modernos" a finales de los sesenta y principios de los setenta, es decir, trufada de planos tomados con teleobjetivo (en plan "Dos hombres y un destino" o las de Robert Altman), no faltan en ella escenas a cámara lenta, ni otras en las que se abunda en cierta explicitez sexual. Y al igual que en otras películas Antonioni, encontramos también aquí un carácter alegórico subyacente, aunque en este caso mucho más explicito y sobredimensionado, que nos remite a la alienación y a la opresión del individuo en una sociedad vacía y consumista, cuya única esperanza de redención se encuentra, tal vez, en el espíritu idealista e incontaminado de la juventud.
Comprendo que para un tipo tan vanguardista y con raíces en el cine documental como Antonioni resultara difícil sustraerse a ciertas modas estéticas y al clima contracultural que imbuía a la juventud, no solo estadounidense, de la época. Pero me pregunto si hacían falta nada menos que cuatro guionistas para idear un argumento tan simple, deslavazado, e infantilmente panfletario. Menos mal que Antonioni supo reencontrar sus raíces estilísticas y temáticas en algunas de las –escasas- películas que hizo posteriormente, de las cuales la magnífica "El reportero", rodada casi toda ella, por cierto, en España, sería un buen ejemplo.
Como me suele suceder últimamente, me ha resultado más interesante la verdadera historia de algunos de los que participaron en esta película y cuya vida posterior resultó ser una suerte de continuación del personaje que les había sido asignado en la ficción. Y así, al termino del rodaje, los jóvenes protagonistas, enamorados también en la vida real, se fueron a vivir a una comuna liderada por un autoritario gurú con ínfulas de músico (inquietante paralelismo con el tristemente celebre Charles Manson), y tras haber asaltado un banco junto a otros miembros de su secta, Mark Frechette (el joven protagonista) acabó muriendo, aplastado por una barra de culturismo, en una cárcel de Massachusetts en 1975. En cuanto a Daria Halprin, podeis ver su foto actual en Internet; después de un corto matrimonio con el actor Dennis Hopper (también él bastante contracultural: protagonizó "Easy Ryder"), acabó convirtiéndose en una psicóloga especializada en terapias creativas.
De estética arquetípicamente californiana, y haciendo uso de algunos de los artificios empleados por los directores que querían ser "modernos" a finales de los sesenta y principios de los setenta, es decir, trufada de planos tomados con teleobjetivo (en plan "Dos hombres y un destino" o las de Robert Altman), no faltan en ella escenas a cámara lenta, ni otras en las que se abunda en cierta explicitez sexual. Y al igual que en otras películas Antonioni, encontramos también aquí un carácter alegórico subyacente, aunque en este caso mucho más explicito y sobredimensionado, que nos remite a la alienación y a la opresión del individuo en una sociedad vacía y consumista, cuya única esperanza de redención se encuentra, tal vez, en el espíritu idealista e incontaminado de la juventud.
Comprendo que para un tipo tan vanguardista y con raíces en el cine documental como Antonioni resultara difícil sustraerse a ciertas modas estéticas y al clima contracultural que imbuía a la juventud, no solo estadounidense, de la época. Pero me pregunto si hacían falta nada menos que cuatro guionistas para idear un argumento tan simple, deslavazado, e infantilmente panfletario. Menos mal que Antonioni supo reencontrar sus raíces estilísticas y temáticas en algunas de las –escasas- películas que hizo posteriormente, de las cuales la magnífica "El reportero", rodada casi toda ella, por cierto, en España, sería un buen ejemplo.
Como me suele suceder últimamente, me ha resultado más interesante la verdadera historia de algunos de los que participaron en esta película y cuya vida posterior resultó ser una suerte de continuación del personaje que les había sido asignado en la ficción. Y así, al termino del rodaje, los jóvenes protagonistas, enamorados también en la vida real, se fueron a vivir a una comuna liderada por un autoritario gurú con ínfulas de músico (inquietante paralelismo con el tristemente celebre Charles Manson), y tras haber asaltado un banco junto a otros miembros de su secta, Mark Frechette (el joven protagonista) acabó muriendo, aplastado por una barra de culturismo, en una cárcel de Massachusetts en 1975. En cuanto a Daria Halprin, podeis ver su foto actual en Internet; después de un corto matrimonio con el actor Dennis Hopper (también él bastante contracultural: protagonizó "Easy Ryder"), acabó convirtiéndose en una psicóloga especializada en terapias creativas.
7 de febrero de 2011
7 de febrero de 2011
24 de 26 usuarios han encontrado esta crítica útil
Descripción generacional a lo 'Easy Rider' –aunque invierte más en estética y menos en diálogos– de las desarmonías del medio social norteamericano. Recurre Antonioni para ello a la iconográfica típica que el extranjero percibe de los USA: coche patrulla, Route 66, 2ª enmienda...
La perspectiva del italiano, lógicamente, es externa, extranjera, desde fuera. Toma distancia y empieza con una introducción sociocultural de puro trámite en un intento documental de slogans publicitarios y sociología asamblearia. Es rescatable, más allá del tópico y la obviedad, la defensa de una “individualidad” del prota contraria al dogmatismo contracultural que confiere a la cinta un matiz más independiente que la simple y comprometida adhesión incondicional al libro rojo de turno.
Luego, afortunadamente, el metraje elude su propia lógica interna y sacrifica la narrativa en favor de una sugerencia estética de rock progresivo. La intuición del espacio o lugar –capital en el cine de Michelangelo– adquiere aquí configuración de desierto y mineralogía humana. La visión de un mundo inmaduro sin las transiciones de una cultura de historia y vejez como la europea. Lo norteamericano huele a bisoñez, es iniciático y simple: las posturas estudiantiles-hippies; la sencillez del apunte multinacional, multirracial y publicitario; el teléfono y la TV como delatores de un baby boomer que dirige los designios del American way of life; la fisicidad de clavícula enfundada en traje de sheriff…
Todo es parte de una sociedad de lo instintivo y lo natural. La menos intelectualizada de las sociedades del primer mundo es perfecta para una indagación en su esencia a través de la fuerza del plano y la performance ilusoria. Su falta de complejidad (que no de complicaciones) permite un acercamiento a flor de piel, primitivo.
Así aparece el Death Valley como punto catártico alejado del gregarismo tanto consumista como situacionista. La individualidad de esta road movie desemboca en el encuentro simbólico de dos jóvenes con el horizonte, con Pink Floyd y con más jóvenes. Esas partes en que los personajes divagan –ni siquiera deambulan– por el espacio en Buick o en avión, o las secuencias de country y desierto, constituyen el meollo de una cinta a experimentar mediante la puesta en escena, superando unos apuntes de gramática racional y convencional que, por deslavazados, serán el argumento más socorrido para atacar esta película.
La perspectiva del italiano, lógicamente, es externa, extranjera, desde fuera. Toma distancia y empieza con una introducción sociocultural de puro trámite en un intento documental de slogans publicitarios y sociología asamblearia. Es rescatable, más allá del tópico y la obviedad, la defensa de una “individualidad” del prota contraria al dogmatismo contracultural que confiere a la cinta un matiz más independiente que la simple y comprometida adhesión incondicional al libro rojo de turno.
Luego, afortunadamente, el metraje elude su propia lógica interna y sacrifica la narrativa en favor de una sugerencia estética de rock progresivo. La intuición del espacio o lugar –capital en el cine de Michelangelo– adquiere aquí configuración de desierto y mineralogía humana. La visión de un mundo inmaduro sin las transiciones de una cultura de historia y vejez como la europea. Lo norteamericano huele a bisoñez, es iniciático y simple: las posturas estudiantiles-hippies; la sencillez del apunte multinacional, multirracial y publicitario; el teléfono y la TV como delatores de un baby boomer que dirige los designios del American way of life; la fisicidad de clavícula enfundada en traje de sheriff…
Todo es parte de una sociedad de lo instintivo y lo natural. La menos intelectualizada de las sociedades del primer mundo es perfecta para una indagación en su esencia a través de la fuerza del plano y la performance ilusoria. Su falta de complejidad (que no de complicaciones) permite un acercamiento a flor de piel, primitivo.
Así aparece el Death Valley como punto catártico alejado del gregarismo tanto consumista como situacionista. La individualidad de esta road movie desemboca en el encuentro simbólico de dos jóvenes con el horizonte, con Pink Floyd y con más jóvenes. Esas partes en que los personajes divagan –ni siquiera deambulan– por el espacio en Buick o en avión, o las secuencias de country y desierto, constituyen el meollo de una cinta a experimentar mediante la puesta en escena, superando unos apuntes de gramática racional y convencional que, por deslavazados, serán el argumento más socorrido para atacar esta película.
Cancelar
Limpiar
Aplicar
Filters & Sorts
You can change filter options and sorts from here
