Debo tener una piedra filosofal, porque al ver esta serie he ignorado la ley del Intercambio Equivalente: a cambio de 25 horas de mi tiempo he obtenido una historia...

... con unos protagonistas motivados por razones más profundas que ser el ninja/pirata/loquesea más poderoso. Edward y Alphonse buscan redimirse por un terrible error que cometieron en el pasado, asumiendo que son los únicos culpables de su imprudencia y los únicos que podrán recuperar sus cuerpos, valiéndose del conocimiento acumulado en sus viajes.

... que trata de maravilla a sus personajes secundarios, dándole a cada uno el protagonismo apropiado. Prácticamente todos tienen sus momentos de gloria y están desarrollados como merecen. Incluso los más insignificantes participan activamente en la trama, algo inaudito en este tipo de historias, y sin duda, lo que más me ha sorprendido.

... que expone los principios de la alquimia de la forma más científica que puede permitirse una historia de ficción, pese a que la interpretación de la misma apunte más hacia la magia.

... que aborda con gran acierto temas tan delicados como el racismo, el genocidio o la bioética.

... que no toma por tonto al espectador. Es una serie en la que las personas mueren cuando son alcanzadas en órganos vitales, y además se mueren de verdad. Las espadas cercenan miembros y las explosiones carbonizan cuerpos. Los personajes son mucho más humanos que en otras series, siendo capaces de darse por vencidos si la situación lo requiere en lugar de actuar cegados por sus emociones. Además, rehúye todos esos odiosos tópicos de anime como el poder de la amistad o los power-ups absurdos.

... que cuenta con villanos y mujeres carismáticos, dos tipos de personajes que suelen salir mal parados en obras de este género. La serie ahonda en la psicología de los antagonistas, librándolos de maniqueísmos y permitiéndonos empatizar con ellos. Son suyas, además, algunas de las mejores frases y reflexiones, como comentaré en el spoiler. Las mujeres son abundantes y relevantes. Tienen mucho que hacer y decir, y en ningún momento se ven eclipsadas por el elenco masculino.

... cuyos personajes siguen una progresión de poder razonable, si es que llega a haber progresión. Como ya he mencionado, no hay power-ups drásticos, el estilo y nivel de combate de cada personaje se mantienen a lo largo de la serie, pero sí que idean nuevas aplicaciones de sus habilidades. Por si esto fuera poco, las escalas de poder son bastante realistas, de forma que tanques, granadas o incluso pistolas puedan suponer una amenaza importante.

... acompañada por una banda sonora magnífica, que aumenta exponencialmente las sensaciones transmitidas por las escenas que mejor uso hacen de ella.

... con un epílogo de lujo, que comprende el último capítulo entero y cierra la historia de todos los personajes, dedicándole a cada uno el tiempo necesario.


Sí, definitivamente debo tener una piedra filosofal.

La sensación que me ha dejado la película nada más verla es la de haber consumido un producto muy superior al que la animación japonesa nos tiene acostumbrados si bien no llega a ser la obra maestra que me habían dado a entender que era. Como siempre, un problema de gestión de expectativas que sólo solucionaré dejando de leer opiniones antes de ver una película.

Sin duda, la creatividad de este mundo creado por Miyazaki es una de las mayores virtudes que le encuentro a la cinta. Todo tipo de criaturas antropomórficas basadas en distintas deidades sintoístas del país del sol naciente, que al no ser japonés, me quedo con las ganas de pillar posibles referencias que me haya perdido. En cuanto al diseño de personajes me ha gustado especialmente la caricatura extrema de la vejez en el personaje de Yubaba o la fusión de mamífero y reptil asignando rasgos caninos a la forma draconiana de Haku.

Un tema que la película trata con gran acierto es el de la identidad. El monstruo sin rostro se obsesiona con Chihiro porque es la única en ese mundo que recuerda su identidad: justo lo que él no tiene. Es una masa informe que sólo emite gemidos, pero cuando absorbe a la rana se comunica con su voz y adopta una forma anfibia. No tiene identidad, precisa de la de otros.
También aparece este tema en el trabajo en el balneario, el cual va acompañado de la pérdida de la identidad. Yubaba borra de la memoria del trabajador su nombre auténtico y le otorga uno nuevo. Con mi escaso conocimiento del idioma japonés me he podido percatar de un detalle genial: el nombre de Chihiro está compuesto por los kanjis "chi" y "hiro", que significan respectivamente "mil" y "buscar/preguntar por". En la escena en que Yubaba le cambia el nombre a Chihiro, se puede apreciar cómo elimina el kanji "hiro" dejando únicamente "chi" (cuya lectura alternativa es "sen", el nuevo nombre asignado). Por lo tanto, no sólo la despoja de su antiguo nombre, sino que reduce su identidad a un simple número.

Otro punto fuerte es la calidad de la animación y el estilo de dibujo. Si no conociese la película de antes y me hubiesen dicho que es del 2014, me lo habría creído. A lo largo de la película he podido admirar la calidad de los paisajes, el coloreado, los sombreados, el nivel de detalle...

En mi opinión, lo que impide a El viaje de Chihiro alcanzar el sobresaliente es que en ocasiones la película se reduce a una sucesión de personajes y situaciones extravagantes. Cuando recuerde la película lo haré en su conjunto, pues no hay ningún momento concreto que haya sobresalido entre los demás. No hay diálogos ni tramas magistrales, es un cuento sencillo con mucha imaginativa y un potente simbolismo. Podría decirse que he echado en falta algo más en "lo que vemos", pero eso no me ha impedido degustar el caramelo de "lo que hay detrás".

Por último, considero que el mensaje de esta película (más bien los mensajes: el paso de la niñez a la vida adulta, la identidad, la crítica al materialismo y al consumismo desaforado...) es demasiado sutil para un niño y precisa de una capacidad de abstracción más desarrollada, por lo que falla en su intento de transmitírselo al público al que -en teoría- está dirigido. Un público que, sin embargo, disfrutará de la película como la aventura fantástica que es.

Siempre he sido un firme detractor de esa premisa que dice que el éxito comercial y el éxito artístico acostumbran a ir desemparejados. Sin embargo, la comedia es un género con el que a menudo tengo que tragarme mis palabras, pues cualquier director avispado sabe ya que el humor que funciona en taquilla es el que funciona en el espectador poco exigente.

La película es una sucesión de tópicos y chistes facilones. No es que tenga nada en contra de los tópicos como forma de humor, pero es que aquí son el motor de cada conversación, y no me gusta la visión que ofrecen. La película da a entender que el País Vasco es un lugar frío y hostil en el que todos sus habitantes son personas frías y hostiles. Por el contrario, Andalucía es algo así como un paraíso terrenal donde las personas son felices, se dan abrazos y tienen emociones. No pasaría nada si estos tópicos fueran presentados como simples tópicos, dando a entender que son una exageración. Pero es que el final de la película parece confirmar esa visión de "País Vasco malo, Andalucía bueno" que, personalmente, me pareció lamentable.

Exceptuando al personaje de Karra Elejalde (el único que me creí), nada destacable en el resto del reparto. Tampoco esto es un problema, pues la calidad de las actuaciones está en la misma línea que la película, de forma que no crea demasiado contraste. Quizá un buen guión podría haberles echado una mano, pero el de «Ocho apellidos vascos» se nutre únicamente del tópico y el conformismo del espectador. Entre las múltiples meteduras de pata del guión podría mencionar al personaje femenino principal, al cual detestas desde que abre la boca por primera vez, o el manido recurso de solucionar los conflictos con forzadas escenitas de cama. Cabe destacar también la psicología de personajes como el de Dani Rovira, que se enamora "hasta las trancas" de una persona que conoce de una noche, o el de Carmen Machi, que acoge en su casa a un tío que se cuela por la ventana porque le debió parecer majo en el autobús. En resumen, personajes poco creíbles y mal escritos.

A pesar de todo, la película no se me hizo pesada. Incluso me reí en algún momento, aunque no de lo que se suponía que debía reírme. También agradecí la ausencia de tetas, no porque no me gusten, sino porque ya son una característica definitoria del cine español. Es genial que haya directores transgresores capaces de cuestionar esta especie de norma no escrita, ¡bien por la innovación!

En definitiva, considero que está bien para desconectar y pasar un buen rato sin demasiada implicación neuronal, de ahí su éxito arrollador. No trascenderá artísticamente, pero sí lo hará como la película más taquillera en la historia de nuestro cine, que bueno, ya es algo.

Me resulta imposible escribir una crítica a esta película sin realizar una comparación con Enredados, así que vamos allá.

Hace 4 años, Disney nos regaló un cuento de hadas que además de romper varios tópicos del género, contenía personajes carismáticos y un sentido del humor accesible para el público infantil y para el adulto (soy consciente de que no fue el primer filme en romper tópicos de la factoría de sueños, pero la sensación que tuve a lo largo de su visionado fue la de estar ante algo más cercano a Shrek que a los clásicos de Disney, especialmente en lo relativo al humor). Es por eso que tenía unas expectativas muy altas con Frozen, y a pesar de que en términos generales la película me gustó y salí satisfecho del cine, realizando un análisis objetivo la película se me antoja un tanto regulera.

Frozen podría dividirse en dos partes. La primera es un prólogo, una introducción que se nos presenta en forma de musical y comprende desde el inicio hasta la creación del castillo de hielo. Esta primera parte me pareció una maravilla. Canciones memorables que encajan a la perfección con lo que se muestra en pantalla y cumplen su papel de presentarnos el argumento y a las protagonistas. Tras la canción de Elsa, comienza la parte de aventuras de la película, y es aquí cuando empieza a desinflarse. Frozen sufre lo que yo llamo "el Síndrome de Up", que consiste en crear unas altas expectativas con un prólogo brillante y luego convertirse en una película de aventuras completamente orientada al público infantil, sin ningún tipo de interés para el espectador adulto (aunque en Up este contraste fue mucho más brusco).

No tengo mucho que decir sobre los protagonistas, Anna y Vendehielos correctos, se nota un paralelismo con Rapunzel y Flynn si bien no llegan a tener tanta química como estos últimos. Elsa me parece la verdadera protagonista. No sólo es el motor de la historia, sino que gracias a ella la película es tan grande a nivel visual, con todos esos efectos de hielo. También quiero destacar el gran diseño artístico del personaje, especialmente tras desmelenarse en el castillo y cambiar su imagen por completo.

Hablemos de los personajes secundarios. El reno Sven es claramente la contraparte del caballo Maximus de Enredados, por lo que son fácilmente comparables. La némesis de Flynn Rider me parece uno de los animales graciosetes más acertados que han introducido en una película de Disney. Un caballo antropomorfizado hasta tal punto que es más eficaz que el capitán de la guardia real en su tarea de encontrar al acompañante de Rapunzel, y cuya enemistad con el mismo da pie a un humor disfrutable sin necesidad de tener cinco años (recordemos esa lucha con espadas o la ironía de que sea la montura quien dirige al jinete). Mientras que Maximus rebosaba carisma por los cuatro costados, Sven es un mero acompañante del protagonista masculino cuyas situaciones humorísticas se reducen a la obtención de un alimento o directamente, a que huele mal.
Si el humor de Maximus funciona por ser un animal que actúa como una persona, el de Sven no funciona porque es un animal que se comporta como un animal tonto.

El muñeco de nieve es un personaje odioso en todos los sentidos, incluso en su concepción artística (objetivamente su diseño es pobre, pero es que subjetivamente me parece horroroso). Es a partir de la introducción de este personaje cuando la película comienza a perder calidad. Cualquier atisbo de humor ingenioso queda relegado a un segundo plano frente a chistes fáciles e infantiloides que sólo satisfacen al público infantil y al espectador poco exigente. Hasta el camaleón de Enredados, que no pintaba nada y cuya única función era "estar ahí" me dejó con mejor sabor de boca, ya que al menos se quedaba calladito. Lamentable ese “hay personas por las que merece la pena derretirse”, digno del estado de Tuenti de una prepúber.
Pero ya el colmo es el gag copiado de Los Simpsons, ese “no siento las piernas” que todos recordaréis de Homer en el autobús golpeando las piernas del tipo que tenía detrás.

A Hans lo comento en el spoiler*.

Y hasta aquí mis críticas negativas. Lo que más me ha gustado ha sido el prólogo narrado a través de canciones y especialmente el broche final que supone la creación del castillo de hielo, una de las escenas más increíbles que he visto en una película de Disney, prácticamente al nivel del baile en el reino de Enredados. Aprovecho para comentar que la escena gana en VO. Idina Menzel consigue que me crea la evolución que sufre Elsa de chica asustadiza y deprimida a reina orgullosa de sus poderes (al menos en la canción, porque el personaje no llega a superar sus miedos en ningún momento). Bien merecido ese Oscar a la mejor canción original.

Otro punto interesante lo comento en el spoiler**.

Un detalle más que me parece digno de mención: esa breve escena durante la canción ‘For the First Time in Forever’ en la que Anna adopta la postura de varios personajes de cuadros clásicos.

En resumen: una delicia para la vista que a través de su prólogo musical deja bien establecida la base para el posterior desarrollo de la película. Desarrollo deteriorado por unos secundarios orientados a un público puramente infantil y un cliffhanger innecesario. Le he puesto esta puntuación por su apartado visual y musical, porque la película no es notable a nivel argumental ni tampoco lo son los personajes. Sin embargo, a pesar de sus puntos negativos, creo que cualquier aficionado a Disney y al cine de animación en general podrá disfrutar de la película tal y como yo lo hice.

Algo que me gusta del cine de animación es que si se hace bien, puede ser disfrutado por un amplio abanico de edades. «Wall·E» es un buen ejemplo, los niños se divierten con las desventuras del simpático robot, pero la película posee una sensibilidad que será mejor apreciada por una persona adulta. No es el caso de «Los Croods», un producto dirigido únicamente al público infantil.

La trama gira en torno a una idea trilladísima que ya hemos visto miles de veces. Una adolescente con ganas de vivir experiencias se revela contra el padre que sólo quiere lo mejor para ella. Súmale a esto unos cuantos secundarios graciosetes y ya tienes la fórmula mágica. Desde la primera escena queda claro que el humor va a consistir en golpes y estupidez. El carisma brilla por su ausencia, siendo el padre el único personaje con el que conseguí empatizar un poco. El resto de la familia es meramente anecdótica, incluso la supuesta protagonista, la cual se convierte en un florero (uno muy feo) desde el mismo instante en que aparece el chico.

Había leído buenas críticas del apartado artístico, y bueno, quizá en los paisajes, porque el diseño de personajes y criaturas no tiene nada de especial. Sin ir más lejos, yo mismo he diseñado criaturas más ingeniosas con el creador del Spore. La mayoría de animales en esta película son simples combinaciones de dos animales reales. El dientes de sable, por ejemplo, sólo cambia en la macrocefalia y el color de su pelaje, que se corresponde con una especie de loro existente, el Ara ararauna.

Lo cierto es que me interesé por esta película por su nominación al Oscar, pero bueno, tampoco esperaba mucho de un estudio que por cada «Shrek» o «Cómo entrenar a tu dragón», desarrolla diez truños como «Madagascar» o «Turbo».