He tenido la ocasión de visionar Apocalypse Now Redux en 35mm en la filmoteca de Barcelona y sin lugar a dudas la conclusión ha sido sobresaliente.

Apocalypse Now Redux es el montaje del director de Apocalypse Now, esta versión a parte de ser más extensa aporta mayor información a la historia y subraya aspectos que en la primera versión quizás quedaban algo ocultos. Naturalmente la segunda versión del film no aporta nada nuevo a lo que Coppola quiere contar pero si es más cercana a lo que él imaginaba desde un inicio.

A priori 3 horas y 20 minutos de película pueden parecer agobiantes y angustiosas pero si hay algo que posee el largometraje es la fuerza de unión que crea con el espectador, reteniendo-lo y absorbiendolo hasta el final de la película.

Apocalypse Now Redux es una pieza que inclusive la podríamos catalogar como documental ya que toda la historia va ligada a la guerra de Vietnam (1958 - 1975). De algún modo narra los ataques de los EEUU y todo lo que envolvía dicha guerra. El bando Estadounidense se describe desde un punto de vista inmaduro e inconsciente y esconde una especie de crítica hacia la manera de actuar de dicho edicto el cual se ve reflejado en el comportamiente de Dennis Hopper, Robert Duvall, Sam Bottoms o Lurence Fishburne, entre otros.

Los puntos a destacar supongo que son claros y no por el echo de que hayan sido galardonados con un Oscar sino por todo el trabajo y en consecuencia el brillante resultado que han adquirido.

Manhattan, se convierte en una de mis películas favoritas de Woody Allen, con ella culminó su estilo propio junto con Annie Hall, que seguirá en muchas otras películas centradas en relaciones de pareja y psicoanalistas de por medio.

El film, logra cautivar al espectador siguiendo varias tramas sentimentales en las que te sientes identificado o te sentirás alguna vez en tu vida, te enamoras de alguien teniendo esposa, piensas en romper, en dejarlo todo y vuelta a empezar. Woody Allen da vueltas y vueltas al mismo fin de un modo muy atractivo y como no, con un sin fin de referencias musicales, pictóricas, literarias y como no, cinematográficas.

Como siempre digo, creo que es igual de importante qué cuenta la historia como cómo la cuenta. Woody Allen junto a Gordon Willis hacen un trabajo excelente con la cámara dando un sentido atroz a las situaciones que atraviesan los personajes.

Última entrega de "la trilogía de la caballería", Río grande no es una de las grandes películas de John Ford ni mucho menos. Sin lugar a dudas cumple las expectativas de una forma notable, ya sea por John Wayne en su papel como Kirby York o la forma que tiene Ford de expresarse con los distintos mecanismos que brinda el cine.

A pesar de que solamente la presencia de actores como Wayne ya dice mucho, el cast en general, es algo retraido e introvertido. Por contrapartida Ford sabe como expresarse no solamente por las acciones de los protagonistas.

Con faldas y a lo loco, elegida mejor película cómica de todos los tiempos por el American Film Institude, constituye una obra clave en la filmografía de Billy Wilder. Y aunque parezca contradictorio hay que decir que los productores del film, no se esperaban, ni mucho menos, el gran triunfo que tubo y que aun ahora conserva.

El guión no estaba terminado cuando se empezó a rodar, Billy Wilder decidió que fuera en blanco y negro (de ese modo camuflaba más el maquillaje de Tony Curtis y Jack Lemmon) contando en que en la década de los 50 el Technicolor toma un papel muy representativo en los films de la época y los que vendrán a continuación, la constante despreocupación de Marilyn por llegar a la hora en el set y muchos más contratiempos que se iban acercando para que como dije antes la película fuera un desastre.
Por suerte contaron con un grandioso director, Billy Wilder, que supo manejar un guión perfecto con unos actores a la altura.

Creo que el punto a destacar por encima de todo en esta obra es la brillante dirección de actores. Billy Wilder no quería que el público confundiera la identidad sexual de los protagonistas, por lo que les lleva a un sinfín de situaciones en las que la tentación sexual de Jack Lemmon y Tony Curtis son tan fuertes que no llegas a dudar sobre sus preferencias, un momento a destacar es la escena del tren cuando van hacia Miami en los que los protagonistas son rodeados por muchas mujeres a cual mas bella, lo cual crea una tensión bestial en Joe y Jerry ya que a pesar de querer destaparse no pueden.

El mezclar un género negro con una comedia es algo sumamente complejo, pensemos que el inicio del film hay asesinatos, gánsters, policías… Lo cual hace pensar que en primera instancia pueda haber una mezcla de géneros algo confusa para el espectador. Sin embargo Wilder dejó claro que el género que manda es sin duda el cómico.

Maravillosa en todos los sentidos. Scarface, el terror del hampa actualmente venerada nos da una lección de como hacer cine. Hawks nos hace participe de ella mostrando unos rótulos iniciales concienciandonos de lo que esta sucediendo en la época, asesinatos, mafias, policías corruptos... ¿Y que vamos a hacer al respecto? Nos dice Howard Hawks.

Por lo que a mi respecta, el director nos da una lección inmejorable de como definir unos buenos personajes. Mientras hoy en día el cine necesita de bombas y explosiones para constreñir un personaje Howard Hawks lo resuelve todo al inicio del film haciendo que Tony Camonte (Paul Muni) encienda, y de que modo, una cerilla en la placa del policía. La acción tiene tanta fuerza que consigue describirnos por completo al protagonista de nuestra historia.

Por consiguiente y ya no solamente utilizando el atrezzo, Hawks aporta un sinfín de ideas y de lenguaje cinematográfico excelente. La melodía que va entonando Camonte la cual describe el estado del personaje y lo que esa cadencia conlleva. Las "X" que vamos viendo en el film cada vez que Camonte comente un asesinato ya sea por luz o por atrezzo, las cuales nos remiten al autor del crimen el cual lleva una "X" marcada en la cara, de aquí el nombre de Scarface. La moneda de Guido Rinaldo (George Raft) y un sinfín más de detalles que convierten la película en un hito histórico en cuanto a género.

Scarface, el terror del hampa se remasterizó en el 1983 por Brian de Palma (El precio del poder), la película se catalogó como una de las mejores películas pos-modernas del género. Y aunque crea que es cierto, también creo que Scarface, el terror del hampa de Howard Hawks es un film (en cuanto a género) inigualable.