Poco nuevo se puede decir sobre la gran favorita para los Oscar. “Nomadland” (Chloé Zhao, 2020) ha encandilado a la crítica y lo ha ganado prácticamente todo este año. Pero mis impresiones se separan de la opinión mayoritaria.
Sobra decir es una película sorprendente y genuina, aunque la sitúo muy lejos de la brillantez que parece rodearla.
Comenzaré con lo positivo. Sin duda es un film impregnado de originalidad. Muestra con maestría una realidad totalmente desconocida: la vida nómada. Un grupo de personas tan singular como heterogéneo, que se mueven constantemente sin rumbo fijo únicamente apegados a la naturaleza. Imposible no evocar la iconografía del western, con Arizona como escenario principal y moviéndose en furgoneta en lugar de a lomos de un caballo. Y Fern, personaje interpretado magistralmente por MacDormand encarna a la perfección la mirada de hielo del solitario vaquero sin pasado que tantas veces nos ha guiado por las aventuras de la frontera. Una lástima que el relato de “Nomadland” nunca de el salto de la reflexión a la acción, esencia del arquetipo del héroe.
No cabe ningún reproche a su primera parte. Asistir al día a día de Fern es una experiencia tan realista que revela que Zhao se mueve mucho mejor en el falso documental que en el drama. Y es que la primera media hora es un ejercicio periodístico de ficción genialmente rodado, donde el espectador va descubriendo una forma de vida que constituye un testimonio cargado de emoción y verosimilitud.
También Zhao hace un buen despliegue técnico en lo referido a su particular concepto de la poesía visual (magníficas fotografía y música). Frances MacDormand constituye la culminación de las interpretaciones sobrias y realistas, donde los silencios y las miradas perdidas en el infinito permiten al espectador ir digiriendo todas las incógnitas que generan las elipsis narrativas. Se nota que esta película nace gracias a una apuesta muy personal de la propia MacDormand tras leer el libro de la periodista Jessica Bruder “País nómada: supervivientes del siglo XXI”; incluso la elección de la directora, a la que descubrió con “The Rider” (2017) fue suya. El resultado es que no existiría Fern sin Francis.

Y hasta aquí, lo bueno. Porque la segunda parte del film muestra claros signos de agotamiento. Tras explorar el potencial documental de la historia, el relato comienza a resquebrajarse a medida que explora las potencialidades dramáticas y se introducen nuevos personajes. Desconecto totalmente que las subtramas que se introducen y que aportan más bien poco. El resultado es una película irregular que no alcanza consigue lustre por las deficiencias de un guion demasiado estático.
Otra de sus debilidades está en el confuso mensaje que envía. Dice el dicho que soplar y sorber, todo no puede ser. Y es que detrás del lirismo del film, se exhibe la contradicción de enaltecer una vida alternativa que, al mismo tiempo, debe ser financiada por un sistema capitalista del que resulta imposible escapar. El desgarrador efecto de la soledad queda más que palpable. Pero las lecturas en clave de conciencia social y cultura de clase le quedan demasiado grandes.
“Nomadland” queda muy lejos de ser una película redonda, aunque seguramente logrará alzarse como la película del año 2020, dejando claro que este ha sido un año realmente duro para la producción cinematográfica.

“Las niñas” es el perfecto ejemplo de que un buen final puede hacer olvidar casi todos los déficits de una película. Y es que la última secuencia de “Las niñas“ es pura magia.
Lo cierto es que Pilar Palomero se lo debe prácticamente todo a Andrea Fandos, soberbia, contenida, de mirada poderosa y sonrisa en proceso de construcción. En su ópera prima, la directora zaragozana, filma sus particulares 400 golpes bajo el prisma femenino, más sobria, menos lírica. Interesante cineasta con potencial.

“1985” es un drama sin paliativos. Porque hay historias que no admiten atenuantes ni edulcorantes. La última obra de Yen Tan (basada en su propio corto de 2016) se enfrenta a la dificultad de filmar nuevamente un drama sobre el SIDA.
Su principal acierto consiste en olvidarse de la perspectiva documental de la epidemia para colocar al espectador frante a un relato íntimo que revela la doble tragedia que tuvieron que enfrentar muchos enfermos de SIDA: afrontar su destino fatal y ocultar su estado de salud a familiares y amigos por miedo al rechazo. Como enseñanza, consuela pensar que la enfermedad ha perdido su letalidad. Mas entristece constatar que 35 años más tarde la serofobia resiste, causando estragos psicológicos irreparables.
“1985” no puede ser más austera, independiente, sobria y mejor interpretada. Uno de los mejores films sobre el SIDA (que, curiosamente, jamás menciona la enfermedad). Imprescindible. Sobrecogedora.
Fernando Garin (@fernandogarin_)

Ayer alquilé en FILMIN “Moffie” (Olivier Hermanus, 2019), uno de los estrenos LGTB postcuarentena más esperados. Había oído y leído tan buenas opinones que no pude resistirme a descubrir al que muchos consideran el mejor joven director sudafricano del momento.
Como a menudo ocurre, no hay peor chasco que una expectativa colosal y hoy me veo en la necesidad de justificar mi decepción con “Moffie”, término con el que se designa despectivamente a los homosexuales en afrikáans.
Por una parte, hay una historia de brutalidad, acoso y homofobia con componentes dramáticos de sobra que queda excesivamente diluida en un drama bélico con componentes raciales y pacifistas. Probablemente, una abundancia de temas que hacen que la temática gay desaparezca durante largos periodos del metraje. No seré yo quien niegue que la temática LGTB está destinada a tratarse con normalidad tangencial en el seno del cine contemporáneo. Pero es que “Moffie” plantea una historia concreta, rodeada de hechos reales acaecidos en los años 80, con un protagonista homosexual que afronta un conflicto por su condición. Y todo ello hace que me molesten las distracciones y el intento por abarcar temas muy complejos.
Por otra parte, el film de Hermanus recuerda demasiado a otros que ya están fijados en la memoria colectiva. Así ocurre en el primer encuentro erótico de Nick (“métete conmigo en el saco que vas a quedarte helado ahí fuera”), evocando a “Brokeback Mountain” (2005); o la supervivencia en la heteronorma de un ambiente masculinizado y sutil sensibilidad de “Moonlight” (2016), de la cual existen claras referencias fotográficas además de la escena de la playa, clímax de la soledad del personaje.
Pero si hay una referencia que lastra al film es la de “La chaqueta metálica” (1986). Las similitudes con la obra maestra de Kubrick no se le han escapado a nadie: la instrucción militar en los barracones, el sargento sádico, el suicidio de un recluta, la elipsis y posterior intervención militar… una estructura casi idéntica que hacen que “Moffie” corra el riesgo de convertirse en la versión gay de una de las mejores películas bélicas de todos los tiempos.
Hermanus intenta darle forma a su propia historia. Y añade algún toque documental y algo de ritmo musical como está mandado hoy en día. Incluso diría que es un testimonio valioso que cubre ciertas lagunas en el subgénero LGTB bélico. Pero no logra convencerme.
Y es que Nick se mueve en la extraña dicotomía de ser protagonista de su propia historia en ocasiones y mero espectador pasivo por momentos, algo que me desengancha de su mundo afectivo más de lo que me gustaría.
Para concluir, su final resulta demasiado abierto para que el espectador tenga la sensación de haber asistido a un sufrimiento vital del que extraer algo positivo.
Y yo gestiono mi decepción y recojo mis esperanzas recordando esa joya también sudafricana que es “The wound” (John Trengove, 2017), valiente, despiadada, tribal y profundamente personal.

Fernando Garín.

“Mi mejor amigo” (2018) es el primer largometraje de Martín Deus, que se convierte en uno de los nuevos bastiones del cine LGTB argentino actual, junto al prolífico Marco Berger (“Un rubio”, 2019). Nominado al Premio Sebastiane Latino en San Sebastián, “Mi mejor amigo” ofrece una refrescante visión de la adolescencia LGTB, enfocada en explorar la falta de pertenencia al grupo y la inexorable sensación de soledad, sentimientos que su director confiesa haber vivido muy intensamente.
La historia de Lorenzo, un muchacho intelectual que vive con su encantadora familia en la Patagonia, y Caíto, un complicado e impulsivo adolescente de barrio, se cruzan inesperadamente creando un original sendero narrativo que resultará poco convencional al espectador.
Posee la inspiradora novedad de tratar la sexualidad sin mostrar sexo en imágenes, algo que remarca la importancia de considerar la orientación sexual de una persona como un complejo conglomerado de sentimientos afectivos y no una mera pulsión primaria.
La fortaleza de “Mi mejor amigo” descansa sobre la base cinematográfica de mostrar lo que no se dice, ilustrando con eficacia el amor prohibido y, especialmente, la insufrible pauta de conducta cishetero que obliga a los hombres a ocultar los sentimientos que se profesan mutuamente. A pesar de sus últimos treinta minutos, donde el film se debilita sensiblemente, despliega con agilidad atractivas subtramas, dosificando con ritmo la revelación de secretos. Resulta una más que recomendable ópera prima que propicia la reflexión sobre la magnitud de la amistad y su estrecha relación con el amor. Quién sabe si son la misma cosa.
Fernando Garín.