‘Revolutionary Road” es una película dramática dirigida por Sam Mendes y protagonizada por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet, pareja protagonista de Titanic [James Cameron, 1997].

El guion, de Justin Haythe, está basado en la novela Vía revolucionaria [1961] de Richard Yates. Trata sobre la infeliz vida urbana de la clase media estadounidense de 1950 en la Costa Este .Novela finalista del Premio Nacional del Libro en 1962, publicada por Atlantic-Little, Brown, fue elogiada por The New York Times y elegida por TIME como una de las 100 mejores novelas en idioma inglés desde 1923 hasta el presente.

Dicho esto, he de subrayar que con esta película me resulta muy complicado sintetizar las razones para su evaluación ya que sostengo la opinión de que estamos ante a una suma de mediocres factores a los que se le añaden otros que la dignifican significativamente. Así que trataré de resumir sus pros y contras.

Pros

Telegráficamente bastaría con enumerar sus numeroso premios, ya citados por mí en la correspondiente ficha: Kate Winslet, Michael Shannon, guion, dirección artística y vestuario. Pero trataré de profundizar algo más.

En general, es indudable que se trata de una película bien dirigida y bien contada. Tan bien que para muchos espectadores complacientes con una vida plena de consciente hipocresía y cobardía, resulta un gran problema salir de la sala asumiendo lo que han visto: de cómo, finalizada la II guerra mundial y ya en la década de los 50′-60′, la vida social está conformada por una disfrazada ausencia de felicidad, que no se cuestiona por esa falta de valor, ambición, coherencia, que impide el consiguiente giro conductual con cualquier género de excusa. Quizás porque para vivir el verdadero bienestar haya que empezar por saber qué es ser feliz y cuánto hay que sufrir para conseguirlo.

También el reparto interpretativo es adecuado. Nadie puede objetar la calidad actora de Leonardo DiCaprio -no exento de altibajos como después explicaré- ni la sublime actuación hipnótica de kKate Winslet, que se come la pantalla por grande que ésta sea. A otro nivel, destaca Michael Shannon en su peculiar papel.

La buena banda sonora de Thomas Newman configura una partitura minimalista, dramática e incluso amarga, con escasa sensación esperanzadora. A destacar la composición ‘April‘ y, por supuesto, la maravillosa “Crying in the Chapel / Llorando en la capilla” (1953) y compuesta por Artie Glenn [1915-1994], que os he incluido en mi entrada, en la versión de la banda sonora incorporada, esto es, de Los Orioles [1973].

Contras.

Que también los hay. El film me pareció falto de ritmo hasta la lentitud, reiteración y, fundamentalmente, con un Di Caprio al que su guion no acababa de trasmitirle esa empatía y motivación que todo actor precisa para transmitir adecuadamente. Lo cual se acentuaba por una presencia física que denotaba un estado fuera de forma, en algún caso alarmantemente.

He elogiado el guion, si bien es verdad que se excede en la abundancia de citas y reflexiones conocidas, novelando en demasía el cine y exagerando su pretenciosidad, de tanto insistir en los aspectos dramáticos queno favorecen el desarrollo de la película, como si el realizador desconfiara del intelecto del espectador, incidiendo más en la palabra que en la imagen.

De modo que ya lo saben: grandes valores y otros, no tanto.

De la misa, tres cuartos [6,5, sobre 10].

https://elquiciodelamancebia.wordpress.com/2021/07/25/revolutionary-road-2008-sam-mendes-netflix-65/

AAdvertencia previa: todo aquel que piense que nos encontramos con una convencional película de ciencia ficción o que no empatice con la inteligencia artificial y demás avances tecnológicos, mejor será que se abstenga de acudir a la sala, dado que el sentimiento de tedio puede resultar insoportable, al tratarse de una cinta sustancialmente reflexiva y que precisa de una específica transmisión relativa a la espiritualidad de la comunicación humana.

‘Her‘ [2013], pues, es una película, tan dramática como romántica, sobre los frenéticos e incansables adelantos informáticos, que escribe y dirige Spike Jonze. Y trata de Theodore Twombly (Joaquin Phoenix), un hombre que desarrolla una relación con Samantha (Scarlett Johansson), una asistente virtual de inteligencia artificial, plasmada merced a una voz femenina procedente de una nueva aplicación del futuro sistema operativo. El film tiene como precedente un corto del propio Spike, ‘I’m Here’ [2010], sobre similar tema y también se se inspiró en el modelo de escritura de Charlie Kaufman correspondiente a ‘Synecdoche, New York’ (2008).

Her logró cinco nominaciones [ver ficha], incluida la de mejor película, y ganó el premio al mejor guion original. Jonze también ganó premios por su guion en los 71.º Premios Globo de Oro, los 66.º Premios del Gremio de Escritores de América, en los 19.º Premio Critics’ Choice y 40.º Premio Saturno.

La buena fotografía de Hoyte van Hoytema se asemejó a la habitualmente llevada a cabo por el japonés Rinko Kawauchi, rechazando, por tópico, el color azul e insistiendo en una variedad del anaranjado.

El especialista de animación David OReilly, también es decisivo en determinadas secuencias de tales efectos.

Sobre la banda sonora, hay que decir que la partitura de la película fue compuesta por Arcade Fire y Owen Pallett, siendo Pallett y William Butler de Arcade Fire, los principales contribuyentes; siendo nominada con el Oscar [2013] a la mejor banda sonora original.21​ Además de la partitura, Arcade Fire también escribió la canción “Supersymmetry” para la película que aparece en su álbum Reflektor. La melodía de la canción del mismo álbum, llamada “Porno“, también se puede escuchar durante la banda sonora. ​ La vocalista de Yeah Yeah Yeahs, Karen O, grabó la canción ”The Moon Song” [escuchar al inicio de la entrada], un dueto con el líder de Vampire Weekend, Ezra Koenig, que fue nominada a un Premio Óscar a la mejor canción original.

En el reparto, coralmente muy bien dirigido, sobresale la magistral interpretación de Joaquin Phoenix – invadido de soledad e incomunicación y enfrentándose a ese otro yo que es su máquina.

Gran actuación de Phoenix, que le otorga una credibilidad a un personaje difícil desde el punto de vista emocional. Un personaje con carencias afectivas -y destacando, también, el trabajo de Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde y Chris Pratt. Al margen de la sublime actuación vocal de Scarlett Johansson.

Una vez aportados los datos más relevantes, quiero decir que, afortunadamente, yo me encuentro entre los espectadores que, como Carlos Boyero [El País], me identifiqué con el protagonista de esta trágica, delicada y tecnológica historia de amor, compartiendo con él en que estamos ante “película extraña, intensa, emotiva (…) a la cual me acerco con la sospecha de que mi paciencia no va a resistir hasta el final y de la cual salgo conmovido”. En torno a un simple, novedoso, y ya técnicamente posible nuevo software, que es capaz de relacionar íntimamente y espiritualmente, a un ser humano con una máquina que va adquiriendo, progresivamente, gran parte de las capacidades afectivas del primero, mediante la acumulación de datos [big data] que ni siquiera el autor conoce.

Es decir, de cómo un ordenador de perfil femenino te acaba conociendo mejor que tú mismo y se comunica contigo sabiendo sobradamente de lo que habla y llegando a palpar -en un proceso de comunicación basado en la capacidad de información y en una creciente inteligencia operativa- que impacta en el umbral amoroso, sintiendo incluso la necesidad del encuentro, de la unión, como si de otro ser humano se tratara, sin presencia física alguna.

Adelantándose a un futuro ya inmediato, con una puesta en escena espaciosa y minimalista, fría, de tintes más nódicos que estadounidenses. Con un buen diseño de producción y de dirección de actores. Hasta el punto de que nos identificamos con el protagonista, llegando a compartir la angustia que el siente cuando da su batalla por perdida, al percatarse de que cada conciudadano no deja de ser uno más de entre los miles que mantienen semejantes aspiraciones.

Pero ya digo, la cinta disminuye su capacidad de transmisión en la medida que aumenta el escepticismo del espectador.

Pd. Aun cuando resulta extraordinario el trabajo exclusivamente vocal de Scarlett Johansson en la versión original, y por ello se recomienda verla así, pero también resulta de justicia subrayar el gran doblaje en español de Inés Blázquez.

Si consigue ponerse en su lugar, la tecnología puede llegar a conmoverle [7,5 sobre 10]

https://elquiciodelamancebia.wordpress.com/2021/07/18/her-2013-spike-jonze-amazon-75/

Me llamo Lester Burnham. Este es mi barrio. Esta es mi calle. Esta es mi vida. Tengo 42 años. En menos de un año habré muerto. Claro que eso no lo sé aún. Y en cierto modo, ya estoy muerto. Aquí me tienen, cascándomela en la ducha. Para mí el mejor momento del día. A partir de aquí, todo va a peor.”


Kevin Spacey - Lester Burnham [del guion de la película]


Esta tragicomedia llevada al cine resulta tan discutida y discutible que todos coincidimos en a nadie le cabe la menor duda de que pasará la historia de la década porque, en cualquier caso, consigue que el espectador se distraiga gracias a su buena técnica , aun a costa de que alimente un enorme debate de carácter socio-político que deja su calidad global en tablas.

Se trata de  una película dramática de 1999 dirigida por Sam Mendes, escrita por Alan Ball y protagonizada, entre otros,  por Kevin Spacey, Annette Bening, Thora Birch, Wes Bentley, Mena Suvari y Chris Cooper.

Iniciada con la intención de ser una obra de teatro –género de donde también procede su director- su historia está basada en la turbulenta vida de la popular  Amy Fisher en su famoso juicio criminal de 1992. Finalmente, el guion fue modificado y adaptado, esta vez con un toque pleno de cinismo, más propio de las comedias de situación, en las que también era experto el propio realizador. Siendo, además, su opera prima, el film ganó cinco premios Óscar, en las categorías mejor película, mejor realizador [Sam Mendes], mejor actor [Kevin Spacey], mejor guion original [Alan Ball] y mejor fotografía [Conrad L. Hall] también recibió nominaciones como mejor actriz [Kevin Spacey] y mejor banda sonora [Thomas Newman], con composiciones de artistas de la talla de The Who, The Guess Who, Annie Lennox, Bill Withers, Free, Eels, The Folk Implosion, Gómez y Bob Dylan; la versión de la canción de The Beatles "Because" interpretada por Elliott Smith.

La cinta tuvo un gran éxito de público y prensa por ser “una historia deslumbrante de la “soledad, el deseo y los vacíos de conformidad”.

Dicho lo cual, no tengo ningún inconveniente en reafirmar que el producto está sobrevalorado por el positivo impacto de la contracultura de la época, su falta de sustancia, apatía y postiza; escasa resolución. Ingenio o agudeza, conservadurismo radical, irregularidad. De la hipócrita hipocresía.

No obstante lo cual, técnicamente, está muy cuidada. En especial, lla realización de la fotografía de Conrad L. Hall;  muy efectiva; la magnífica puesta en escena y  el ritmo; el guion de  Alan Ball , elaborado, ingenioso e irónico; el reparto interpretativo coral, impactante, brillando, en especial, tanto el grandioso Kevin Spacey como Annette Bening, Thora Birch Mena Suvari y Chris Cooper . En cambio llama la atención, por su decadencia, el trabajo de Peter Gallagher


¿Con qué nos quedamos, pues?

Diría que merced a los altibajos con que toda obra se precia, hay de todo también en tal viña. Gusten vds la variedad de temas con sus específicas valoraciones: sobre el desarrollo personal de cualquier ciudadano; el concepto de la homosexualidad [con una secuencia del militar Chris Cooper  con Kevin Spacey, que vale un imperio]; el maravilloso vídeo de la bolsa de plástico; los tópicos de toda familia desestructurada; la muerte como liberación; la felicidad vital frente a la hipocresía; el papel de la moral americana; los estereotipos del comportamiento social;etc.

En fin, tan entretenida cinematográficamente hablando como cuestionable social y moralmente.

[Al público le encanta ese giro de ingenua contraculturalidad cuando de entretenernos se trata; 7 sobre 10]

EQM

https://elquiciodelamancebia.wordpress.com/2021/07/11/american-beauty-1999-sam-mendes-netflix-7/

A mí, de antiguo,  me ha gustado el cine médico, siempre que la historia clínica transcurra en hospitales y se hable en serio –con muy pocas licencias-de las patologías. Por eso cuesta tanto encontrar algo que merezca la pena entre tales series y films en curso.

El argumento fue idea de Paul Attanasio, basándose en una columna médica escrita por la Dra. Lisa Sanders en la revista The New York Times, mientras que la creación de los personajes corrió a cargo de David Shore después de su visita a un hospital universitario.

De ahí que, entre cierta dudas, me decidiera por escrutar ‘House’ [‘Dr, Hohuse’ o ‘House M.D.’], serie que nacida en 2004 y con 177 episodios durante 8 temporadas, algo, digo yo,  tendrá que decir.

Efectivamente, se trata de las idas y venidas en un gran hospital, en torno a lo que ahora llamaríamos ‘enfermedades raras’, puestas en manos de un departamento especializado en diagnosis y compuesto por un excéntrico ‘sincericida’ [palabro psicológico] y tosco sabelotodo, y su profesional equipo de asesores. Todo ello en un marco de historias más personales –pocas- que concurren, frecuentemente de forma colateral y poco trascendente.

El resultado es brillante y adictivo, aunque, por repetitivo, puede resultar algo cansino, sobre todo para quien no ha querido profundizar en la filosofía que hay detrás de un gran guion. En el fondo se trata de un protocolo en el que destaca la gran interpretación del protagonista [Hugh Laurie] que se caracteriza por disparar lo que piensa, sin que su repentización asegure siempre la necesaria reflexión previa. Es decir, en terminología actual, un incorrecto y misántropo médico que manifiesta una moral ‘antigua’, lindante con un criterio misógino sobre el mundo femenino, tan socialmente abundante como falto de expresión.

Que un personaje hiriente, ofensivo, humillante, despectivo, vejatorio, lacerante, sarcástico, envuelva a espectador medio -incapaz de actuar semejantemente, pero con frecuentes deseos- y éste no haga más que reírle las gracias, es, además de habitual, uno de los trucos electrizantes más elaborado por los guionistas para un éxito rotundo, cautivador y sin concesiones.

Sobre la legalidad de aquello que, clínicamente, se puede hacer o no, quizás resulte un tanto chocante en otro países, ya que todo depende del marco normativo en vigor, con frecuencia mucho más riguroso de lo observado en la serie.

De lo indicado se desprende que la dirección, el guion y, sobre todo, la excepcional interpretación, reitero, de Hugh Laurie. siendo sublimes, tampoco desentonan con la producción. el maquillaje orto protésico, la fotografía o una banda sonora plagada de composiciones incorporadas al metraje original. a Sin olvidar la espléndida actuación coral, fruto de un minucioso casting [Robert Sean Leonard, Jennifer Morrison, Jesse Spencer, Lisa Edelstein, Omar Epps et alter]. Todos estos aspectos técnicos los pueden concretar examinando la ficha inicial de la entrada.

Atención a la temporada cuarta en adelante, ya que es criterio mayoritario que la serie mejora aún más, si cabe, reduciendo la antigua repetición de la escaleta acostumbrada, cosa que tampoco discuto en demasía porque tampoco en las películas de crímenes falta el crimen.

Pd. Hoy, con toda probabilidad, esta serie sería tachada de machista a manos del feminismo totalitario, hipócrita y excluyente, que es el que dice el que dice gobernar  en España

El formidable Hugh Laurie lo es todo en la serie, incluyendo su cuestionado humor, a menudo , en tiempos de hipócrita blancura [8 sobre 10]

EQM
https://elquiciodelamancebia.wordpress.com/2021/04/04/house-2004-de-de-david-shore-creador-serie-amazon-prime/

Vaya por delante: a mí siempre me ha sugestionado la tradición británica de conservar las protocolarias costumbres de la Corona, con su boato e  inmutables formas, tan importantes en cualquier Estado de Derecho que se precie, también democrática e históricamente. Esa majestuosidad de una Corona milimétricamente asentada en la vitalicia estabilidad institucional.

Y tampoco de todo lo anterior –aunque no sea lo más importante- le falta nada en la película, lo cual implica que no se ha reparado e gastos de producción en una de las series de más presupuesto por el momento.

Basada en el drama The Queen (2006) y especialmente en la obra de teatro The Audience (2013), esta gran historia de la reina Isabel II [Claire Foy] no se reduce a los hechos ya conocidos, sino que los envuelve en el marco social, económico y político de una época de más de 70 años, con una puesta en escena inolvidable. Piénsese en personajes como Winston Churchill [John Lithgow], el Duque de Edimburgo [Matt Smith], la Princesa Margarita [Vanessa Kirby y Helena Bonham Carter], el Príncipe Carlos [Josh O'Connor], Lord Mountbatten [Greg Wise]  y tantos otros.

La serie goza de cuatro temporadas, bien definidas temporalmente:

La primera cubre el período que se inicia desde el matrimonio de Isabel [1926] con Felipe, duque de Edimburgo en 1947, hasta la ruptura del compromiso de su hermana, la princesa Margarita, con el capitán Peter Townsend[1955], así como la dimisión de  Winston Churchill [John Lithgow] enel mismo año.
La segunda, abarca el período comprendido entre la crisis de Suez [1956] y la jubilación de los primeros  Ministros Harold Macmillan [1963] y el nacimiento del príncipe Eduardo [1964], interpretado por Alex Jennings y Derek Jacobi .
La tercera comprende de 1964 a 1977, comenzando con la elección de Harold Wilson [Jason Watkins] como primer ministro y terminando con el Jubileo de plata de la reina [1977],15​ abarcando el tiempo de Edward Heath [Michael Maloney] como primer ministro e introduciendo la figura Camilla Shand [Emerald Fennell en el papel de la actual esposa del príncipe Carlos]
La cuarta, abarca de 1977 a 1990 e incluye el mandato de Margaret Thatcher [Gillian Anderson] como primera ministra y el matrimonio de Lady Diana Spencer [Emma Corrin] con el príncipe Carlos.
La quinta y sexta temporada, que cerrarán la serie, cubrirán el reinado de la reina en el siglo XXI.

Ante tamaños acontecimientos la serie se comporta de modo excelente, con una gran ambientación,  dirección , guión e interpretación. Sobre esta última, habría que destacar en esta primera etapa –solo con el ánimo de no resultar exhaustivos- A Jorge VI Jared Harris], La princesa Margarita [Vanessa Kirby] y en particular, la reina madre [ictoria Hamilton y Marion Bailey ]; y en el ámbito político a Anthony Eden [Jeremy Northam]como primer ministro [1955-1957] y, especialmente,  a Winston Churchill [John Lithgow]. O a Margaret Thatcher[Lesley Manville ]y  la princesa Diana [Elizabeth Debicki ]. Pero ello no objetaría la tremenda realidad de que son los personajes secundarios quienes se llevan la palma en un trabajo coral inigualable.

Estupendamente producida y escrita por Peter Morgan, con una escenografía, ambientación, vestuario y fotografía Adriano Goldman, Ole Bratt Birkeland]  exquisitas.

Gran banda sonora [Rupert Rupert Gregson-Williams + Hans Zimmer] perfectamente encastrada y ayudando en los momentos enfáticos.

En resumen:sobre las rivalidades políticas e intrigas personales durante las décadas del reinado de Isabel II y visionando sutilmente el delicado equilibrio entre su vida privada y la vida pública de su entorno, esa sociedad quede esto sabe de la misa la media pero sí comprende a la perfección la eficiente e intemporal  simbología de la Corona.

 Dicho de otro modo: La mejor serie junto a ‘House of Cards’ [2013] o ‘Breaking Bad’[2008], pero sin tener nada que ver entre sí y con una elegancia infinitamente superior.

Sobre la Corona como cinematográfico retrato real e íntimo, símbolo de estabilidad institucional [9 sobre 10]

EQM
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