Pues así es…la película esta basada en un caso supuestamente real ocurrido en EEUU en el año 1949 y que afectó la vida de un adolescente de 14 años. El escritor William Peter Blatty elaboró una exitosa novela basada en estos acontecimientos, que sirvió de base para la película del año 1973. Tal como señala el director William Friedkin, uno de los factores que mas impresionaron al público fue que no se utilizaron castillos, vampiros o invasores alienígenas, sino que los espantosos incidentes presentados en esta película se manifestaban en pleno siglo XX a gente común y corriente, en una casa completamente normal. Lo que acontece es intimidante porque abre la posibilidad de que tu hogar, que se supone es el refugio contra el mundo exterior y donde convives con tu familia, se puede convertir en un nido de maldad diabólica que puede atacar a tus seres queridos.

¿Es ésta la mejor película de terror de todos los tiempos? Este es el tipo de pregunta capciosa que se suele realizar en los círculos de cinéfilos. Es difícil aseverarlo, pero sin duda es una de las más fuertes candidatas. Se trata de un film brillantemente construido, que demuestra lo bajo que han caído la gran mayoría de cineastas de terror de los tiempos actuales. Mientras uno ve el exorcista imagina lo que un director rutinario podría haber hecho con el guión (incorporar sustos baratos a los 5 minutos de proyección, inundar la pantalla de FX y gore, golpear con efectismos, etc…). Es una cinta ejemplar de cómo antes se hacía buen cine y buenos guiones. El estilo de la dirección recuerda a muchos filmes de Hitchcock, es decir, un comienzo pausado, mucho desarrollo de personajes, una escalada lenta pero progresiva hacia un clímax soberbio. Sin duda, es un filme de horror inteligente.

No hay que olvidar que todo esto se consigue porque detrás hay un gran elenco de actores, sobre todo a Ellen Burstyn, que crea un magnífico retrato de una madre desesperada por todo el horror que envuelve a su hija (Linda Blair está muy creíble como la posesa Regan). Jason Miller hace un soberbio papel de sacerdote atormentado y Max Von Sydow insuperable como el envejecido pero firme exorcista.

En cuanto a la banda sonora destacar que el tema central es el exitoso “Tubullar Bells” de Mike Oldfield. Ayuda a crear tensión a esta gran cinta de terror, si bien cabe recalcar que las escenas de mayor impacto están rodadas sin música, lo cual acentúa la realidad de lo que estamos presenciando.

A pesar de que el exorcista fue una cinta de fuerte contenido para su tiempo y causó cierta repulsión, el público hacía largas filas en las salas cinematográficas para presenciar lo que acontecía en esta película maldita, que a final de cuentas se convirtió en un fenómeno social.

Invito a todos ustedes a disfrutar esta posesión. Véanla a media noche, con las luces apagadas y volumen adecuado...

Con esta frase comienza una de esas pocas películas capaces de hacerse un hueco dentro de la iconografía del cine. “Terminator” es la obra de un James Cameron entregado, con amplios conocimientos de todos los entresijos del cine, y dispuesto a levantarse de la silla de director y arremangarse para que, hasta los más pequeños detalles, queden dispuestos según su clara visión de cómo quiere las cosas.

La idea de este aniquilador surgió mientras Cameron, en un estado febril, tuvo la visión de una máquina emergiendo del fuego. Tras varios titubeos acerca de quien protagonizaría al cyborg, este cometido recayó en Schwarzenegger, que empezaba a escalar en Hollywood tras “Conan el Bárbaro”.

El director demostró que en 1984 sabía hacer buen cine sin necesidad de presupuestos megamillonarios. Lo demuestra con este clásico de la ciencia ficción, donde a través de una historia en apariencia sencilla (los buenos perseguidos y acosados por el malo) lanza al espectador a una vertiginosa carrera llena de acción y emoción a raudales. Con un trasfondo metafórico que explota nuestro miedo ante una sociedad cada vez menos humana, sublimada aquí por un autómata asesino implacable, este exterminador es una trepidante película de acción que no deja momento para el tedio.

Los actores están muy bien. Linda Hamilton borda el papel de madre del salvador y Michael Biehn como padre-protector (lástima que este actor no aprovechara esta oportunidad para hacerse un hueco más importante entre sus compañeros de profesión). A Schwarzenegger le corresponde un papel a la medida de sus posibilidades, esto es, de hablar poco y lucir físico. Cameron lo moldeó basando su actuación en el movimiento corporal y la casi total inexpresividad que un Terminator debía poseer, otorgándole la carga amenazante y terrorífica necesaria para el personaje. Así pues, con diálogos que no sobrepasan las dos palabras y con el rostro ausente de cualquier emoción, junto con unos movimientos físicos casi mecánicos, Schwarzenegger otorga una presencia amenazante y una intranquilidad en el espectador cada vez que aparece en pantalla. Esto se enfatizó filmando al actor desde ángulos bajos para dar una imagen todavía más inquietante e imponente. Así mismo se intentó lograr un look muy frío con multitud de sombras y una fuerte luz negra que potencia el contraste duro que se aprecia al ver la película.

No olvidemos la música de Brad Fiedel, que recrea esta futurista historia mediante el uso de los sintetizadores, aportando ese toque eléctrico que va acorde con la trepidante acción. Así el tema principal es uno de los que quedarán para siempre en la historia del cine.

En resumen, una película tan sencilla como eficaz, que merece ser salvada en el caso de que su argumento algún día se haga realidad y las máquinas pretendan la destrucción de nuestra civilización.

…Arnold ¿porqué has seguido gobernando en la vida real como un Terminator?

Esta película puede romper con lo que uno tenga establecido a priori acerca de un filme de ciencia ficción. No vemos espectaculares efectos especiales ni naves batallando en pro de la supervivencia en el universo. Estamos ante un remake de una película rusa del año 1972, pero esto no debe echarnos hacia atrás porque no es el típico plagio o copia de plano a plano tan en boga últimamente, sino que es llanamente una nueva visión de la novela de Stanislaw Lem.

La presencia de Steven Soderbergh en la dirección y George Clooney como actor principal puede dar lugar a pensar en un film comercial destinado a dar la campanada en la taquilla. Nada más lejos de la realidad; el director venía de dirigir “Ocean´s eleven”, película donde mezclaba sabiamente cine de calidad con cine de masas. En esta ocasión opta por un estilo muy similar al de la insuperable 2001 de Kubrick, es decir, ritmo lento, muchos silencios, diálogos como base del argumento y estructura de flasbacks para contarnos la historia.

De esta forma Soderbergh plantea la película no como un viaje espacial por el universo exterior, sino más bien como un viaje interior en el que se reflexiona de forma muy lúcida sobre el sentido de la vida, y sobre el amor como único camino de salvación.

Merece destacarse la banda sonora de Cliff Martínez, muy del estilo del maestro de la new age planetaria, Jonn Serrie (quien quiera viajar mentalmente que oiga algo de este sintesista). Igualmente es reseñable la puesta en escena, el uso del sonido, la fotografía (tomada por el propio director) y los efectos especiales, especialmente los del “hipnótico” planeta.

Filmado de forma muy inteligente, con un ritmo lento que permite poco a poco saber cosas del protagonista mientras avanza la trama dentro de la nave espacial, con una muy buena interpretación de Clooney y de McElhone, Soderbegh demuestra que puede realizar films sin pensar tanto en la taquilla, y de paso hacer que el público recapacite sobre temas más bien profundos una vez se acaba la película, ya que no se preocupa en responder a todos los interrogantes que se van planteando a lo largo del metraje, sino que deja para el espectador ese trabajo de reflexión.

Como conclusión diré que, a pesar de que este Solaris puede decepcionar a los amantes de las espectaculares escenas propias del cine de ciencia-ficción, no defraudará a quienes saben apreciar un buen producto, lleno de matices y bien rodado.

Por cierto Clooney…sobraba que nos enseñaras el culo.

Cuando uno ve esta película disfruta de momentos en los que no se puede creer que alguien es capaz de escribir un guión con tanta capacidad de sorprender. Estamos sin duda alguna ante una de las películas más representativas de los 90.

En su segunda película Tarantino repite temática, pero con muchos más medios y actores que en Reservoir Dogs. En esta ocasión la originalidad y acierto del director consiste en contar varias historias entrelazadas entre sí, con saltos en el tiempo y que al final convergen en una única escena. Esta es la pauta de lo que será el posterior cine de Quentin en cuanto a temática, banda sonora, el uso del flashback y los guiones repletos de buenos diálogos.

Con un presupuesto bastante ridículo para lo que acostumbra el cine americano (8 millones de dólares), la película terminó recaudando 200 en taquilla. Esto convirtió de la noche a la mañana al director de ser un bicho raro que trabajó seis años en un videoclub (ahí es donde se hartó de aprender viendo pelis), a ser un niño mimado de las productoras hollywodienses.

En Pulp Fiction se dan cita todos los géneros cinematográficos. Sobre todos prima la comedia retorcida, que más de una vez nos hará reírnos a carcajadas. Situaciones violentas y hemoglobina de puro cine gore, que termina salpicándonos la cara. El formato visual unido a la pegadiza música (la banda sonora está repleta de grandes canciones) es deslumbrante y dota a todo el filme de un constante ritmo, sin apenas altibajos a pesar de su larga extensión.

Los actores están geniales. Samuel L. Jackson hace un inolvidable matón-predicador con diálogos memorables (es el mejor del reparto) y John Travolta vuelve a renacer después de un largo ostracismo en un papel en el que incluso rememora escena de sus exitosas películas musicales. Así destacaríamos hasta el último (Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, etc…)

Concluyendo, estamos ante una gran película basada en un magnífico guión y unos diálogos inolvidables en boca de unos actores en estado de gracia.

Soy el señor Lobo…resuelvo problemas
Soy Tarantino…resuelvo películas

El objetivo de esta tercera entrega es finalizar lo que Matrix reloaded dejó a medias. Por fin presenciamos el desenlace final estructurado por los directores en una sucesión de escenas que finalizan todas las diferentes tramas que quedaban abiertas; la invasión de Zion por las máquinas, la respuesta de Neo acerca de cuál es su destino y la lucha definitiva con el agente Smith.

Si en el título de mi crítica pongo “final” entre interrogantes es porque creo que en la película quedan cosas sin resolver. No me extrañaría (aunque espero que no), que los Wachowski se embarcaran en algún futuro no muy lejano en una “Matrix Resurrectión”. Reconozco de todas formas que como punto álgido nadie negará que la entrada de las máquinas en Zion es una larga pero espectacular escena de acción pocas veces vista en otros largometrajes; un derroche visual para los sentidos.

No obstante tanta grandilocuencia no evita que haya una atmósfera general de agotamiento. Visualmente es espectacular, pero cuando este hecho no va acompañado de una sólida base argumental se corre el riesgo de parecer vacío y repetitivo. Aquí sobra mucho Zion y falta Matrix.

Mi relativa admiración por esta revolutions va más por el triunfo técnico del conjunto que por las emociones que evoca. Se puede aceptar que es una entretenida cinta siempre que dejemos de lado las preguntas filosóficas planteadas en la original Matrix. Si olvidamos la lógica y no tenemos en cuenta la continuidad con las otras dos anteriores entregas no cabe duda de que esta película es un buen logro en el cine de acción, sobre todo en el visionado de la segunda hora, ya que el principio, al contrario que ocurría en la primera y en la segunda película, las primeras secuencias dejan mucho que desear. Los personajes deambulan a la deriva interrogándose sobre el futuro que les espera. Parecen estar cogiendo fuerzas para lo que les depara el argumento, pasar olímpicamente de resolver muchas de las dudas planteadas y centrarse en consumir casi media parte del filme en una batalla bien resuelta pero carente de novedades emocionales.

Cuando los tres protagonistas no están en la pantalla la trama decae de manera irremediable. Reconozcamos de todas formas que Keanu Reeves cumple en su papel de salvador mesiánico y sigue alegrando la vista (especialmente al género femenino), Carrie-Anne Moss aporta esa belleza y frialdad fuera de todo canon actual y Lawrence Fishburne deja claro que es un buen actor aunque se siga metiendo en kilos (qué lejos queda cuando lo vimos en la inconmensurable Apocalypse Now).

Puede que esta manera de poner punto y ¿final? a la trilogía, dejando en el aire respuestas a la intriga suscitada le pueda parecer a parte del público y de la crítica en general una manera muy inteligente de suscitar polémica. A mi entender es una triste escondida de mano después de tirar una gigantesca piedra.

De todas formas te doy las gracias Neo por elegir la pastilla roja.