La figura siempre entrañable o repulsiva en algunos casos del MAESTRO, se reivindica de forma muy significativa en esta película que pretende llegarnos desde nuestra más tierna infancia y despertar ya alejados recuerdos. Es difícil ser imparcial cuando nuestra Guerra Civil está por medio y la película como ambientación y relato de la misma está hecha bajo la mirada de un bando, pero aprenderíamos poco si nos quedamos en las hojas y no vemos el bosque.
La figura central y la esencia va del MAESTRO y la educación como elemento superador de la barbarie y la ignorancia cuyo final es, en este caso, la guerra. En el mundo actual sería la incapacidad de darnos cuenta del mundo en el que vivimos, anestesiado, individualista y narcisista, que nos aleja de la sociabilidad, del compartir en grupo, para enterrar nuestro espíritu crítico y que pueda mostrar rebeldía colectiva frente al sistema.
Antoni Benaiges, maestro catalán llegado a la escuela rural de Bañuelos de Bureba, un pueblo de Burgos, para relevar al cura en la última etapa de la República y que lo fue durante dos cursos, es el eje central de un film que se maneja en dos espacios temporales.
El actual, algo desdibujado y que puede ser políticamente cuestionable, centrado en la Memoria Histórica. Basado en la búsqueda de los restos de un bisabuelo que formaría parte del montón de cuerpos olvidados en las fosas comunes de ambos bandos en la guerra. Y lo hace a través de un personaje femenino, Laia Costa, que no consigue transmitir bien lo que le lleva a ese empeño. Apunta a estar pasando una mala etapa de desequilibrio emocional, está de baja, pero ni se desvelan los motivos, ni el personaje acaba de empatizar con lo que se demanda de él, no transciende en la película y hace que esta parte sea más floja que la del periodo de la República.
La otra etapa, la de mayor significación y atractivo está centrada en nuestro personaje Antonio, paradigma desde la simplicidad, el cariño y la apuesta por la transmisión de valores, de lo que un maestro debería representar en la enseñanza más básica. Apoyado en el método del pedagogo Célestin Freinet, trata de acercar a los niños a ser niños, expresarse, responsabilizarse, cooperar, experimentar y abrirse al mundo sin las ataduras de unas creencias transmitidas en aquel ambiente de preguerra, que cercenaban su desarrollo en libertad.
Enric Auquer está esplendido en este papel y se luce como guía observador de ese grupo de niños que alucinan con sus métodos y formas de entender las enseñanzas tan alejadas de su vida cotidiana. Ese maestro es un referente, elemento bastante perdido en la educación de hoy y un peligro desestabilizador en el marco social del pueblo. Empatiza con instantes y sentimientos de películas afamadas como “El club de los poetas muertos” o la propia “La vida es bella”, por citar alguna.
En ese mundo que vive en el miedo, en el qué dirán, en el no significarse para evitar problemas, Antonio desde su empatía y sencillez emite sus opiniones sin importarle, porque ese es su trabajo, su vocación y su legado para educar a esos niños en libertad, ofreciendo caminos a sus alumnos, sin adoctrinamiento -por lo menos en la película no se observan- . Los niños y Luisa Gavasa, mujer que le limpia la casa y le acerca la visión del pueblo, destacan en sus papeles, le dan un toque más coral al film y se hacen los depositarios del mensaje: "El maestro los llevará a ver el mar, les promete ver el mar", símbolo de conocer mundo, de ver más allá del pueblo en el que viven y que en aquella época les anclaba para toda la vida.
Seríamos ciegos si pretendiéramos mirar esta película con el prisma del color de las camisas de los contendientes o quedarnos para algunos en la panfletada de la Memoria Histórica como martillo pilón de la izquierda. Eso es contexto, esta película hace unos cuantos años hubiera levantado una enorme polvareda por el contexto, pero han pasado dos o tres generaciones y los que mayormente la comentarán, serán los jubilados que los martes ahora pueden acudir por un simbólico precio a disfrutar del arte del cine -y no es propaganda gubernamental, porque si no, la mayoría no iría-. Y podrán comentar con sus hijos y nietos su aportación humanística, tan alejada hoy en día del cine de efectos, superhéroes y virtualidad evasiva que nos alejan de lo real. Este “viejo” cine ya forma parte del boca a boca, como los sitios recónditos y típicos que todos buscamos para ver o comer cuando vamos de viaje y que poco se anuncian.
Perdonen por la extensión, es que yo también he sido “maestro”.

El estreno tan esperado del film de Ridley Scott está originando un mar de críticas sobre si su relato es fiel a la historia o si por el contrario el director ha tomado al gran personaje para realizar una película buscando más el espectáculo y la taquilla.
En mi modesta opinión se ha quedado en el terreno de la ampulosidad de la imagen, sacrificando el contenido y el rigor que el personaje merecía. El resultado es “una película fallida y sin alma”, con algunos aciertos, pero demasiadas omisiones que resaltaran el legado de tan afamado protagonista y llena de inexactitudes históricas relevantes.
No hay profundización en el carácter de los personajes, salvo un desdibujado Napoleón al Joaquin Phoenix no acaba de sacarle el partido que se esperaba de él y una Vanessa Kirby mucho más entonada, que muestra momentos espléndidos en su idealizada Josefina. El resto, pasan por la película como secundarios sin huella reseñable.
El guión parece hecho de encargo, tomando acontecimientos importantes en su vida que se suceden sin apenas calado y con el patrón batalla-encuentro con Josefina. Muy pobre armazón para una superproducción.

Las biografías de personajes tan emblemáticos como Bob Marley, tienen siempre el problema de ser superficiales y enfocadas a la taquilla o querer ser más exhaustivas, de fidelidad al libreto de su vida y a la trascendencia de las aportaciones generadas por el personaje; por el miedo seguramente a pasarse de metraje.Hoy en mucha gente eso es sinónimo de pesadez y aburrimiento para un público dosificado a las series.
En este caso se queda en un quiero y no puedo, entre otras cosas porque el guion termina siendo flojo, el personaje termina retratado a pinceladas con escaso contenido y se dejan de lado los aspectos conocidos más controvertidos, menos edificantes de Bob Marley; pero tampoco queda explicada su aportación como adalid fundamental de la propagación del reggae a nivel mundial. De saber algo del significado real de ser un rastafari comprometido, ni tampoco un defensor del mundo de los oprimidos, muy ligado a su mirada hacia África.
Sólo retazos y eso sólo no le sirve mucho a las nuevas generaciones alejadas de aquel contexto en que la pobreza era un acicate en algunos grandes personajes exponentes, como Bob, para salir de ella; sorteando mejor o peor el mundo de las drogas e intentar cumplir sus sueños. A la película le falta originalidad y fuerza y eso que Ben-Adir sale muy airoso y con nota en su interpretación, apoyado en un físico más atractivo que el del propio Marley. En conjunto le falta trasmitir más y en mi opinión da la sensación que el director carece del entusiasmo que merece el desarrollo del personaje, parece que en el fondo no acaba de importarle demasiado y por ello no conecta con la esencia del mismo para darle mayor vigor y alas. La recuperación de esa falta de alma, sólo de vez en cuando se consigue por su música, que es el elemento vital para que el filme no se caiga del todo y sostenga el interés del espectador; pero para eso ya están sus canciones.

Estamos ante una película distinta sobre el amor desde una mirada en el tono y su desarrollo, del corte de la cultura oriental. Hecha en gran parte para el mundo occidental, por la necesaria globalización para que su difusión y rendimiento crematístico, sea lo más fructífero posible.
Es una película intimista, muy en la línea del gran Woody Allen pero sin que existan gags cómicos, ni sus obsesiones internas propias. El problema surge porque al igual que con Woody, este cine no es el típico cine de Hollywood e igual que con él, será más fácil su encaje en Europa e incluso en Asia, que con la gente acostumbrada al mundo cinéfilo norteamericano.
Es una vuelta a ese primer amor que siempre deja huella y a su sentido compromiso interno aunque no sea tangible y real, a través de la sencillez, la pausa teatral y la ausencia de acción, en línea a la tradición oriental, donde la quietud y la falta de elementos perturbadores de las historias de amor occidentales son el exponente más admirado de la película. Su sencillez cautivadora, eleva el resultado final de la misma.

El “Saben aquel” como inicio de frase aún hoy en día es muy conocido por la mayoría de personas que tienen una cierta edad y referencia fundamental para el mundo del chiste y lo cómico.
Tras este sencillo comienzo, Eugenio, humorista por casualidad, creo un personaje de estudio tan genial como inclasificable, que marcó un hito en los años 80 del siglo pasado y que David Trueba pretende acercar y reivindicar para los que no tuvieron la oportunidad de conocerle en su apogeo. Y lo hace desde una visión muy amable del personaje, que tuvo sus aristas como persona pero que apenas aparecen en este panegírico de profunda admiración.
La película, que si capta la idiosincrasia del personaje porque él con su aura llena la pantalla, se instala en destacar la figura peculiar de un hombre que por trayectoria de juventud sería del montón: mal estudiante, tímido, que le gustaba cantar pero sin tener grandes dotes para ello, joyero de profesión, sin una posición económica solvente y sin ningún aliento familiar para dedicarse al espectáculo.
Esa cierta mediocridad se ve superada y Trueba nos lo hace de manera destacada a través del conocimiento de su primera esposa, que le marcará profundamente. Es la que será su fuerza interior para salir del anonimato, mostrando una historia de amor muy idílica, sensible y muy bien llevada a través de la estupenda interpretación de Carolina Yuste.
A partir de ese empujón y la casualidad, Eugenio crea un personaje atípico del humor. Tras sus oscuras gafas, su cigarro, su vaso de tubo con vodka y naranja, la voz tristona peculiar y su vestuario negro de entierro; crean un ambiente unido al personaje, que desde la timidez y las pausas, desencadena las sonrisas y carcajadas de cualquier público que tuviera delante.
Su humor como el de Gila es de guante blanco, no trata de hacer sangre, es imperecedero y la moda y el tiempo le ha hecho envejecer bien. Y Trueba en este homenaje de película, lo destaca abiertamente a través de sus múltiples chistes.
David Verdaguer está también a una grandísima altura en su interpretación, especialmente con su voz, matiz clave en el gran humorista.
En esta película de corte blanco, apenas se intuyen de soslayo los elementos menos edificantes del personaje, sus adicciones, larga depresión, su carácter poliédrico en ocasiones, en definitiva su mochila personal.
Trueba homenajea al personaje, lo hace sensible, abierto a España desde su Cataluña natal, en definitiva lo hace eterno desde una profunda admiración. Es un canto al humor en estado puro y a un tipo peculiar que siempre nos hará reír.