Belle también es una película de secretos, de represiones, de aquello que nosotros ocultamos en lo mas profundo de nuestro ser para estar incluidos en el gran andamiaje social, todos en U ocultan algo; como aquella idol de fama efímera o la amiga de la protagonista sosteniendo una relación platónica con su profesor, hasta el beisbolista con marcas de cirugías, y son esas marcas de nuestra vida que esa ilusión de U puede desaparecer como cuando Suzu ingresa a ese nuevo mundo, el avatar toma su forma, la purifica de sus defectos y se fusiona con ella. Tras ello, el milagro se da y se libera de sus ataduras recuperando la vocación de cantar de una forma tan atrayente como sí se tratase de una sirena. Pero en lo mas profundo de esa realidad virtual se esconde un ser misterioso, insertado en lo mas profundo del software, una bestia de repugnante apariencia, de pronunciados cuernos y de marcas que ocultar que sin embargo son la manifestación un cruel trasfondo real.

La relación entre Belle y la bestia no se cimienta sobre motivos románticos, sino que Hosoda va más allá, siendo una relación de comprensión, de complementariedad, de necesidad, ambos son seres rotos, destruidos por la tragedia y lanzados al mundo, la bondad de ella mostrará las heridas internas de la bestia, lo hará mas humano, lo revelará como un ser que debe ser entendido y no juzgado por su horrorosa apariencia o por interrumpir aquella supuesta paz diseñada por los censores de U sacados mas de un relato orwelliano que de una fábula infantil. Por otra parte, Hosoda hace un inteligente uso de la muisca, como un recordatorio de aquello que el tiempo olvido o más bien que Suzu reprime por el duelo, cantar, por eso el main theme aparece en dos secuencias claves, el flashcack inicial y antes que ella cante “A Millon Miles Away” casi como terminando la magnánima obra que componía junto a su difunta progenitora en su celular, siendo el cimiento de su recomposición emocional manifestado al cantar con su verdadera forma, sin máscaras, sin falsos avatares, siendo ella misma, encontrando el valor de expresarse al mundo, pero a su vez rememorando al que fue la piedra angular de ese cambio, la bestia.

Pero también es una película como mencionábamos que la conexión humana es fundamental, por eso no es casualidad que la primera persona en seguir a esta nueva ídolo del internet sea Tomo, un niño de rasgos timoratos y de apariencia endeble; el comparte al igual que Suzu esa desconexión con el mundo real porque ambos están solos en esta tierra, ambos comparten el gris de sus vestimentas y el chico la admira por la comprensión y empatía hacia su hermano, la bestia, por eso en un rincón de su habitación tiene un florero de rosas similares a las del vestido. Pero Suzu no es puesta en un altar de salvadora, ni es un símbolo de moralidad superior. Ella necesita saber él porque del sacrificio, del desprendimiento de lo que motivo a su madre a esa acción noble; para reencontrarse con el pasado y así misma. Por eso Hosoda hace un ultimo movimiento magistral, vuelve metafóricamente al pasado, al entorno lluvioso y de nubes grisáceas casi replicando aquel día donde Suzu lo perdió todo, pero esta vez protegiendo a esos dos menores del abuso de su cruel padre como hizo su madre con aquella niña atrapada en el rio. Entendiéndola y perdonándola en el proceso ya que ella dio su vida por algún extraño y ella lo hará por estos niños, siendo el más grande gesto de desprendimiento de las personas, el amor a la humanidad misma.

Tras ello ya no hay que vivir con máscaras por eso un halo de atardecer se proyecta sobre el horizonte de U, siendo el ocaso de esta y el nuevo amanecer se percibe en la realidad con ese sol saliendo radiante, una luz de vida, de esperanza, de un futuro mejor donde Suzu se puede quedar y cantar, uno donde puede ser realmente feliz.

Por otra parte, tenemos una seria critica de la directora a los burócratas mundiales, aquellos que dejaron a su suerte a los civiles bosnios ejemplificada en la impotencia del general neerlandés por su inutilidad ante la grave situación, impedido de solicitar refuerzos no le quedará más que ser testigo indirecto de la masacre que sobrevendrá sobre muchos inocentes.

El titilo de la película es una expresión en latín que significa “A dónde vas” preguntándose a donde va nuestra protagonista, si escapar de la barbarie o inmolarse para salvar a la progenie; manifestado en la magistral actuación de Jasna Djuricic, una interpretación de matices, de rasgos dramáticos muy pocas veces alcanzados en el cine contemporáneo, que recuerda en cierta medida y guardando las comparaciones a la inmortal Meryl Streep en aquella película de Pakula, donde ella tenía que sumirse en la memoria del dolor, de aquella fatal decisión que la marco de por vida, en aquel campo de concentración que le quito todo en la fundamental Sophie’s Choice. Aquí Jasna comprende la catástrofe que le espera a su pueblo en una escena definitiva donde tan solo basta un plano contraplano de ella viendo al chofer fumando timorato su cigarro sabiendo la masacre acontecida kilómetros adelante y reafirmado por un primer plano casi desolador, su mirada lo dice todo, ya no hay escapatoria. Después otra secuencia donde demuestra su inmenso talento es en la identificación de su hijo en el inmenso recinto lleno de esqueletos donde otras madres y viudas buscan los restos de sus familiares; ella ya no puede más, solo cae silenciosa, impotente, desencajada y destruida ante las víctimas del genocidio; en ese plano general enmarcado entre diferentes siluetas moviéndose, buscando una parte de sus vidas ahora convertidas en tormento y pesar.

Zbanic reconstruye milimétricamente el pasado no recurriendo al archivo o al dossier, sino que hace que las victimas y los victimarios trasciendan lo discursivo de la historia a lo potente de lo cinematográfico, reconstruye con ojo fiel los archivos visuales que dejaron los serbios en su intento desalmado de intentar mostrar una imagen apacible ante la comunidad internacional, pero también no sacrifica el ritmo dejando que Jarosław Kamiński tome las riendas de un montaje que construye una sensación de vertiginosidad en el devenir dramático de los diversos acontecimientos, pero también regula los momentos de quietud, no abusando de ellos ni pretendiendo provocar sopor sino que genera lo que coloquialmente se conoce como una tensa calma con elementos propios de thriller.

La directora cierra su película con rostros, rostros conocidos y por conocer; de aquellos que sobrevivieron al exterminio y de aquellos que verán un nuevo mañana, siendo una declaración de esperanza y a la vez de memoria para que las generaciones venideras no olviden lo sucedido en 1995 y al mundo para que no olviden al pueblo bosnio y su lucha por la supervivencia frente a la insania y la barbarie.

La cinta inicia con una serie de despedidas, marcando el adiós de algo, como si de un sentimiento de culpa intrínseca se tratase, tras eso la pequeña Nelly entra a una habitación y la directora mantiene ese plano general para apreciar a una desconsolada Marion sostener ese bastón de aquella mujer que le sirvió de apoyo en sus momentos difíciles, vuelve al hogar común, a un entorno dominado por fantasmas y de lúgubre aspecto, tras su ida por el dolor del recuerdo, la fantasía se hace presente pero Sciamma disipa la sensación de incertidumbre demasiado rápido, nos retira tácitamente del relato al descubrir que la joven del suéter rojo es la madre de Nelly con un movimiento demasiado evidente, no hace que la sombra sea eso, una sombra sino que al materializarla le quita ese aura mística al fenómeno fantástico. Pero lo compensa al mantener intacta las abismales diferencias que existen entre el razonamiento analítico adulto, incapaz de abrir su mente ante la fuerza de la imaginación, contrapuesto con la niña que con su mente crea esa nueva realidad en su propia casa, Nelly es la fuerza que hace que el cine se manifieste, ya que ella transforma la fría casa en un mundo de luz donde el pasado se reencuentra con el presente y donde se compenetran las personalidades tanto la madre como la hija.

Al final la fantasía se vuelve evanescente, se disipa como la niebla y es aquí donde Sciamma triunfa gracias a la fuerza del montaje en su secuencia final, ya que, tras comprender a cabalidad a su madre en un clímax prodigioso en el lago, vuelve Nelly al hogar común como lo hacía Dorothy en The Wizard of Oz y se encuentra con la Marion adulta y solo atina a abrazarla porque no hay ningún lugar como el hogar y es mejor con las personas que más apreciamos.

Esta película no es una excepción, es una búsqueda por lo nuclear por recuperar aquello que el paso de las edades les quito a nuestros protagonistas. Desde el prólogo Moore ya establece el tono visual y narrativo de su obra con aquel bosque perturbado por la acción de las hachas, aparecen los lobos como ases de la noche, su diseño es lo que intimida, su presencia resulta perturbadora contra esos leñadores, pero aparece tras el fiero combate, una presencia, es una Wolfwalker, está lo deja vivir y con un gesto decidido encuadrado en un perfecto plano general lo deja ir. Conocemos a Robyn Goodfellowe, ella al igual de su padre no solo están atados al voto de obediencia a Lord Protector sino están atados a esa ciudad de bordes rígidos, de un cuadrado supuestamente infranqueable protegidos por los monigotes de Cromwell, que una vez más sus actitudes no están definidas por lo que dicen sino por el componente cinematográfico, como en su tiempo Walt Disney diseñaba a la baraja de cartas en Alice in Wonderland.

Esta también es una fábula sobre la madurez, ya que el padre de Robyn no entiende sus deseos de libertad, será por miedo al destino trágico o la pena del sebo, sus ojos tienen esa respuesta. Le impone la seguridad de trabajar como parte del servicio doméstico del jefe del castillo, eso la hace infeliz y eso lo muestra la cámara con una simpleza apabullante, basta un solo encuadre para mostrar esa infelicidad con la gama cromática y la posición de la pequeña Robyn en el plano acompañada de las otras sirvientas en una posición armónica, sumándole expresividad a esos momentos de la película. Cuando Robyn está en el bosque se da el encuentro de dos mundos, torpemente enfrentados debido al miedo y la ignorancia. Ella intenta capturar al lobo, pero por error la muerde, posteriormente convertida en lobo siente el llamado de lo salvaje, de la libertad, ese llamado es posible gracias a Bruno Coulais que con sus notas es como esa voz seductora a lo desconocido, a lo arcano. En una secuencia definitiva Moore cambia el estilo de dibujo y al son de Aurora somos participe de esa liberación de Robyn de esa libertad que brinda la paz de lo natural. Luego la música también nos develara el otro objetivo de la trama, el paradero de la madre de Mebh.

Entre ambas chicas se forma un lazo amical invisible pero eterno, sentado por la comprensión de la situación de la otra, vinculo que será clave en el clímax. El poder del villano de turno es manifestado con el poder del encuadre, de las sombras, de las composiciones como cuando va a liquidar a la madre de Mebh en la plaza, pero también su poder está presente en esa ciudad de bordes anchos y gestos adustos de su población, de llamas al rojo vivo contrapuestos al azul de la tranquilidad de la noche en el bosque.

Pero ante todo esta es una película sobre núcleos como manifesté en un inicio, ambas protagonistas se necesitan, para tener esa paz de antes y eso es manifestado con música de Coulais que en su virtud más poética alcanza lo inesperado, reconciliar ambos mundos cuando se da ese abrazo entre los cuatro y Bill acepta a los lobos, permitiéndole tener de nuevo una familia o en este caso una manada. En el clímax dramático resucitan a la madre de Mebh tras la lluvia, tras aquella agua que limpia los rezagos del mal, la población mira con fe aquel bosque que canta con aullidos, es una representación macroscópica del conflicto que ha perseguido a la obra terminando el ciclo y el desarrollo de todas las piezas del relato.

Wolfwalkers es ante todo una fábula, una que merece contarse, una en la cual el tiempo no le quitara encanto ni potencia expresiva, como sucede en todas las obras maestras. Moore nos recuerda al igual que en Song of the Sea la importancia de narrar historias, la importancia de la fantasía para comprender nuestro mundo con sus diferentes tipos humanos, pero ante todo la importancia de encontrar el lugar donde pertenecemos.

Reseña escrita para Oasis del Cine

En un interesante inicio tras que la cámara descienda del pétreo busto del comunista Lenin, esta enfoca a un desaforado Nikita Jrushchov dirigiéndose a los miles de burócratas, para luego hacer un trávelin a través de un escenario de corbatas y trajes negros hasta llegar a una en específico, la cámara se levanta, muestra un rostro y su gesto ligero de disconformidad frente a la perorata de su líder.

En la mirada y los gestos de Merab Ninidze como el Agente Penkovsky reside el interés cinematográfico de buena parte de la película, su movimiento por las mazmorras llenas de secretos militares acerca de una futura conflagración mundial entre las potencias hace tambalear su fidelidad al régimen, aunque el director en algunas ocasiones cercanas al final lo subraye con diálogos entre él y Wynne. Pero en su mayoría constituyen una interpretación notable como en aquella escena del interrogatorio con el miembro de la KGB. Por otra parte, Benedict Cumberbatch se mueve en un papel difuso por una parte intenta imitar el carácter y talante interpretativo de figuras como Steward o Grant terminando a veces como pastiche, pero bien avanzada la película y cuando sufre lo visceral del encierro encuentra el verdadero potencial del personaje dando una de sus mejores interpretaciones especialmente en el interrogatorio final.

Es especialmente en las escenas del encierro donde el director de fotografía nominado reciente mente al Oscar, Sean Bobbitt, encuentra el culmen máximo de la opresión de un régimen donde la libertad fenece prácticamente restringiendo el único punto de iluminación a la lámpara ubicada a un extremo de la mesa, una opresión que se manifestaba desde que Wynne pone un pie en la Rusia soviética siendo esta opaca en los exteriores y colores fríos en los interiores como en la escena donde Penkovsky es expuesto ante su familia. Por otra parte, la música cumple una función netamente dramática bajo las notas del experimentado compositor polaco Abel Korzeniowski que vuelve a la palestra tras varios años desde su magnífico trabajo en la película de Tom Ford, Nocturnal Animals, y también tras el traspié de The Nun. Su fortaleza recae especialmente en el final donde con sus notas imprime esa sensación de liberación al protagonista mientras se da su extradición al Reino Unido tras pasar ese pesaroso infierno carcelario.

Aunque a pesar de los aciertos, la película palidece ante sus referentes, quizá el más obvio es aquella obra maestra de Spielberg que se desarrollaba en la Alemania Oriental durante el incidente del U-2 o aquella notable película de Hitchcock con Paul Newman y Julie Andrews durante la guerra fría.