Desasosegante cinta que reflexiona sobre la insensibilización de la sociedad con respecta a la violencia y de cómo la administramos en la educación de nuestros hijos, todo mediante una puesta en escena fría y bien medida y con la gran actuación de Arno Frish como el niño protagonista. Tiene secuencias que me ponen tenso e incomodan bastante y un buen ritmo que no decae salvo en la parte final. La película trabaja muy bien las capas dramáticas, aparte de ser un cine que pretende plantar la semilla de una reflexión en el espectador sobre como la televisión puede llegar a ser un medio que cambie de manera radical nuestra visión sobre la vida. Su director, Michael Haneke, siempre ha sido un cineasta que ha dado a luz películas cuya temática se han basado en explicar cómo influye la violencia en la sociedad moderna. De hecho, El video De Benny forma parte de una trilogía de películas conformada por El Séptimo Continente y 71 fragmentos de una cronología al azar, todas ellas tratando diferentes cuestiones acerca de la violencia en la sociedad. Casi todo el cine de Haneke ha tenido algo de cruento. Siempre ha tratado problemas sociales de nuestra sociedad, causando polémicas por el camino. Sus obras más aclamadas han sido entre otras Funny Gammes, La Cinta Blanca y Amor, estas dos últimas nominadas a los Oscars en sus respectivos años. Este director siempre ha tratado de sacar al espectador de su zona de confort, teniendo un tratamiento realista y buscando hacer pensar al espectador

En esta película nos encontramos con Benny, un adolescente de 14 años desatendido por sus padres y con una gran afición por el video, que es testigo de cómo ejecutan a un cerdo en la granja familiar. Esto alimenta su curiosidad, lo que provoca que Benny comenta un acto violento de peligrosas consecuencias. Nuestro actor protagonista Arno Frisch debuto en esta cinta a la edad de 16 años donde ya recibió elogios por su gran interpretación. También trabajo con Haneke en Funny Games donde era uno de los jóvenes psicópatas que acosaban a aquella familia burguesa. Tenemos también a Ulrich Mühe, interpretando al padre de Benny. Aparecía también en Funny Games, y en la fantástica La Vida De Los Otros de 2006, y por otro lado la madre de Benny es interpretada por Angela Winkler, que ahora mismo la tenemos en la serie de Dark de Netflix.

Metiéndonos de lleno estrictamente en sus valores cinematográficos, la película maneja un tempo pausado, premiando los matices de los personajes, al igual su actuación. El ritmo de montaje es pausado, pero no es lento para nada.

Hay que hablar obviamente de su propio subtexto. Su principal punto de reflexión es la violencia a través de la televisión. Vemos como la muerte de un cerdo en la granja de la familia se nos presenta de forma totalmente normal, incluso con Benny grabándolo en video. Es normal que tenga curiosidad por ver la muerte de una persona dado a la violencia implícita que vemos en películas y medios de comunicación. Otro de los temas claves de la película es la falta de escrúpulos de nuestra sociedad actual y de la normalización de la violencia. En la actualidad en el cine vemos como la violencia no es tan tabú como puede ser el sexo, y nos muestra la capacidad morbosa que tiene el ser humano y de cómo queremos que se nos muestre la violencia de múltiples formas. Aquí entra la educación de sus padres, donde vemos que Benny se pasa casi todo el tiempo solo o con sus amigos. Obviamente se va a ver intrigado por ver como es matar a un ser humano sin saber que es un acto deplorable debido a la falta de educación por parte de sus progenitores. Tenemos la escena clave donde su padre le pregunta porque lo ha hecho, y le contesta “quería ver cómo era”. Después se remata con el clímax de la película, en el cual ya cada uno puede pensar lo que uno quiera. Haneke lanza las preguntas, pero no las respuestas.

Seguramente El Video De Benny es una de las películas más interesantes de la filmografía de Michael Haneke, juntando un trabajo sólido de dirección, la impresionante interpretación de Arno Frisch y unas cuantas preguntas en el aire. Inquietante a ratos y como poco ensordecedora en su clímax final. En una sociedad tan fría y desprovista de sentimientos, nunca ha habido una película tan adecuada como esta.

Después de muchos años, Woody Allen volvía a compartir pantalla con Diane Keaton, quizá una de las mejores parejas que hemos visto en la historia del cine. Desde Manhattan no compartían protagonismo junto. Y que maravilloso regreso. Comedia divertida y desenfrenada, alocada, con un ritmo muy frenético en partes donde, la intriga y la tensión se dan de la mano, resultando un auténtico deleite para el espectador. Juega muy bien con las claves del cine de suspense y creo que Woody Allen conforma una película que, sin caer en lo inverosímil, es un perfecto equilibrio entre altas dosis de comedia negra y pura tensión. Creo que es algo muy difícil de conseguir.

Dirige Woody Allen, director bastante reconocido de la industria norteamericana, y de los más importantes de la historia del cine. Ésta es su vigésimo sexta película, marcada por el regreso de Diane Keaton, Alan Alda y Angelica Huston después de varios años sin trabajar con él. Supuso un éxito de crítica y público y está bien considerada entre las mejores cintas del director.
La historia gira en torno al matrimonio Lipton, Carol y Larry, interpretados por el mismo Woody Allen y Diane Keaton, que tienen una vida un tanto monótona con rutinarias visitas al cine, al hockey o a la opera. Regresando a casa se encuentran con sus vecinos, los cuales no conocían y les invitan a pasar a su casa y charlar. La pareja de ancianos les deja una buena impresión y puede ser el comienzo de una nueva amistad. Al día siguiente regresando a casa ven como su vecina ha muerto debido a un infarto. En ese momento Carol despierta su interés en la posibilidad de que no haya sido una muerte natural, sino que su marido la haya asesinado debido a su comportamiento singular en esos momentos tan triste para él.

En este momento la película se mueve en varios frentes. Tenemos un matrimonio aburrido y rutinario que, durante toda la película dudan cada uno del otro debido a posibles infidelidades que se estén cometiendo el uno al otro. El guion traza de forma inteligente la hoja de ruta de manera que creemos que el supuesto asesinato que creen que ha pasado es solo un intento de Carol por reavivar la llama del matrimonio, y es muy importante mostrar escenas donde los personajes cortejen con personas por las que se sienten atraídas, y creamos que lo que en realidad necesitan es separarse y juntarse con otras personas... Aquí entran los personajes de Alan Alda y Angelica Huston. Se le dan los suficientes para considerarlos importantes y lo suficientemente atractivos como para que Carol y Larry duden entre ellos. Esto hace que incluso a ratos la trama sobre el asesinato vaya deambulando entre ser lo importante y se crea la duda de que sea verdad o no. Me parece interesante ese equilibrio.


En la segunda mitad el ritmo se vuelve endiabladamente rápido, y en eso contribuye la rapidez con la que hablan los protagonistas. Se nota que están nerviosos, hablan a la vez y en una de tantas escenas el personaje de Woody Allen deja un momento memorable en la escena del ascensor que resulta desternillante. Creo que tiene una estructura que permite que la película sea entretenida e intrigante, teniendo muy bien situados los puntos de interés, y siempre va un paso por delante del espectador. La bso acompaña bien en todo momento e incluso en las partes más desenfrenadas un tema muy movido que nutre la acción. Su final puede ser lo que menos me convenza de todo el metraje, resultando un pelín apresurado y sin mucha sorpresa, dando esa sensación de que todo ha sido demasiado fácil.

Es una montaña rusa de emociones, llena de momentos que son para partir de risa con el histriónico personaje de Woody Allen, con una trama original a la vez de simpática. Entre las mejores propuestas del director, con un reparto sensacional y llena de un ritmo muy bueno y siendo una de las comedias más hilarantes de su filmografía.

Jamie Rosales venía de ser premiado en el Festival de Cannes por su opera prima “Una Cierta Mirada” en 2003 cuando en 2007 firma la que posiblemente es su película más aclamada: La Soledad. Un retrato sobre dos mujeres que intentan afrontar los diferentes vaivenes que las van estremeciendo en su vida. Teniendo un gran reparto, la mayoría desconocidos, un cine de autor, apostando por unos conflictos y personajes hiperrealistas, consigue plasmar la vida de forma muy natural. Jaime Rosales es un director que maneja un lenguaje cinematográfico atípico, intentando mostrar relatos donde se muestren aspectos de la vida cotidiana de formas sobria y mediante el plano fijo. Tiene en su haber 6 películas lanzadas entre 2003 y 2018, todas con una positiva recepción por parte de la crítica. Me resulto muy raro que esta película fue la ganadora de los Goya en 2006, dado la propuesta anti-comercial y de autor que tiene el filme. Es una película que puede resultar complicada para el espectador y tildada como una obra aburrida en la que “no pasa nada”. Me alegro de que este tipo de cine sea también reconocido y que debería pasar más veces la verdad. La Soledad en su día fue aclamada entre los críticos españoles, pero con una recepción bastante tibia por parte de los espectadores, acusándola de pretenciosa y aburrida.

A lo largo de dos horas tenemos a Adela, interpretada por Sonia Almarcha, y a Antonia, interpretada por Petra Martinez. La gran mayoría del reparto me es desconocido, aunque sí que reconozco por ahí a Luis Bermejo, marido de una de las hijas de Antonia y secundario de lujo en numerosas producciones patrias como “Mientras Dure La Guerra”, “Magical Girl” o “Campeones”. La historia arranca con lo que parece ser un recurso narrativo poco común como es la polyvision, que consiste en la posibilidad de dividir el encuadre en más de una perspectiva y poder estar narrando dos o más situaciones simultaneas. Está muy bien utilizado y fluye de forma muy orgánica, creía que iba a ser un recurso que sobrara, pero se implementa bien en la acción. La película tiene un tempo muy pausado y el tiempo es tratado de manera natural. Vamos a ver a los personajes realizando acciones cotidianas la mayoría del tiempo, a la vez que afrontan la soledad de sus vidas, teniendo diálogos mundanos y poco interesantes. Muestra la vida tal y como es, incluso los actores y sus diálogos se nos presenta como un espejo de nuestra misma vida. Una realidad dura, tan frágil como un cristal que en pocos segundos puede pasar del blanco al negro.

La fragilidad se trata sobre todo en escenas como la que sucede en un autobús o cuando Antonia está en el coche. Como un cambio repentino en tu vida puede provocar tal reacción en ti de la cual es posible que ni siquiera te recuperes. Además, aparte de la evidente separación que supone esta pantalla dividida, Jaime Rosales se encarga de aislar a los personajes a través de líneas verticales que suelen ser los marcos de la puerta. Es el aislamiento dentro del aislamiento. Muy buena composición que se relaciona con el tema central de la película. Es raro ver a nuestras dos protagonistas compartiendo encuadre con los demás personajes de la cinta. Siempre tenemos la idea de que nuestras protagonistas, que cuentan con gente que las aprecia, están solas en su conflicto interno. Esta idea encaja sobre todo con Adela más que con Antonia. Digamos que son diferentes perspectivas de lo que entendemos por soledad.

La soledad es una propuesta que no deja indiferente, que puede encogerte en pocos instantes como la vida misma. Es un estudio sobre la vida, el miedo a no ser entendidos por los demás, la poca empatía de la gente, los sucesos que te pueden cambiar la vida tanto para bien como para mal. Al fin y al cabo, la vida es una concatenación de sucesos de menor a mayor relevancia que se comparten con otras personas afines a ti. Puede que en la película no haya sucesos impresionantes e increíbles como en otras películas, pero nunca podrás ver una película como esta. Tan real como la vida misma.

Por fin me he aventurado a ver la obra maestra "El Tercer Hombre", cinta muy aclamada por el público y de la cual tenía cierto temor por si sus calificativos eran excesivos. Es cierto que es una buena película, eso es indiscutible. Desde el minuto 1 se genera interés en su trama, y llegado a un punto no sabes ni que pensar. El guion está bien pensado y ejecutado, no haciéndose pesado y siempre manteniendo el interés. Mención especial a Orson Welles, que conjunta las mejores escenas de la película. Su primera aparición bajo esa sombra y su gato como completo delator, y la escena en la noria, con su monologo sobre cómo ve a la gente como puntitos, brillante.

Aun así no me parece una obra maestra, al menos desde lo que yo he visto. Es buen cine, pero no entiendo porque se la denomina como una obra maestra indiscutible.