Con motivo del 25º aniversario de su primera proyección en España, 'Cinema Paradiso' ha regresado a la gran pantalla para que nuevas generaciones puedan acercarse a ella. Desde la distribuidora encargada de ello transmiten la idea de que no sólo se trata de un motivo de celebración sino que además es, como la propia película, un homenaje a todos los trabajadores que se han ganado y se ganan la vida en las salas de cine. Personas, todas ellas, a las que el amor por su profesión les debe pesar, en una época de reconversión digital y crisis generalizada.

La cinta, toda una obra maestra del cine italiano, ganadora del Oscar y el Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa, narra una pasión: la pasión por el cine.

El director italiano Giusseppe Tornatore muestra en este film el regreso de Salvatore, director de cine de éxito, a su pueblo natal en Sicilia debido a la muerte de Alfredo, el que fuera el proyeccionista del pequeño Cinema Paradiso. Esta vuelta a casa traerá a su memoria todos los recuerdos de juventud y de su primer amor, Elena. Siempre conectados con ese cine, que se presenta como núcleo en ebullición de la propia vida. Ninguna otra película conseguirá jamás reunir de una forma más bella todos los besos de la historia del cine.

La obra cuenta, además, con la intensa y siempre emocionante partitura de Ennio Morricone y la preciosa luz de Italia captada por la visión de Blasco Giurato. Mención especial también deben recibir los ojos risueños y el desparpajo del debutante Salvatore Cascio, que encarna al Salvatore niño, el pequeño Totó, y la bondad y cariño que sabe transmitir como nadie Philippe Noiret en su interpretación de Alfredo.

La ternura y nostalgia que producen en el espectador bordean el tono melodramático, sin perderse en él. Y no se pierde en él precisamente porque consigue conectar con el público, porque todos hemos crecido con películas que han marcado nuestro recuerdo, que nos han hecho madurar, que ya sólo podemos recordar ligadas a una época de nuestra vida.

‘Cinema Paradiso’ es una cinta para todos aquellos que adoren las pequeñas cosas íntimas, los placeres sencillos, los detalles cotidianos, esos que tan bien sabe reunir la magia del cine.

El director de la aclamada 'Once', especialmente en la escena independiente, regresa a la pantalla grande con ¡Volver a empezar', una historia sobre la amistad, el amor y el poder vital de la música. Sin embargo el inicio, y la propia sinopsis del film, pronostican una película bastante convencional. La perspectiva da un giro de 360º cuando Gretta (interpretada por una Keira Knightley dulce pero con las ideas claras) conoce a Dan, un productor con dos Emmys pero que vuela en horas bajas, inmerso en una vida cada vez más caótica. Mark Ruffalo encarna a este personaje con una innegable complicidad con la actriz inglesa. Y es en este momento, cuando John Carney muestra su audacia y estilo propio, al combinar la melodía de 'A step you can't take back' con una inteligente e innovadora escena, en la que Dan deja volar su imaginación de productor musical.

El cineasta irlandés repite la fórmula de la ya mencionada 'Once' convirtiendo a la música en el verdadero motor que vértebra la película, que podría ser narrada perfectamente a través de las letras de las canciones de su cuidada y elegante banda sonora. Pese a ello, 'Begin Again' pierde algo de la autenticidad de la primera en favor de la búsqueda de un público más amplio. Lo que no la hace menos interesante, ni menos entretenida, simplemente menos espontánea puesto que todo parece estar perfectamente "colocado" en ella, eso sí con un gusto exquisito y natural al mismo tiempo.

Como telón de fondo, no sólo Nueva York y su sonido, escenario de grandes películas musicales, sino también la propia industria musical, a la que precisamente John Carney crítica por hacer perder el alma a sus intérpretes en busca de una falsa autenticidad, que no deja de ser una pose.

El filme cuenta, además, con un elenco de secundarios de lujo: Adam Levine, líder de la banda Maroon 5, es el ex novio de Gretta, cantante también que ha alcanzado el éxito que nunca habían pretendido; Catherine Keener ('El último concierto', 'Hacia rutas salvajes') da vida a una divertida y correcta ex mujer de Dan; mientras la joven Hailee Steinfield, que sin embargo ya se puso bajo la dirección de los hermanos Cohen en 'Valor de ley', interpreta a la hija adolescente de Dan con la que éste no sabe comunicarse.

El esperanzador final, que desprende una enorme vitalidad pese a cierto tono agridulce, pone el broche final a una película que encantará a algunos y difícilmente desagradará al público en general.

'Begin Again' transmite la importancia de las segundas oportunidades, la fuerza de las personas para resurgir tras sus peores momentos y, sobre todo, la trascendencia de distinguir qué trenes debemos dejar pasar, y a cuáles debemos saltar sin pensarlo.

Scorsese utiliza como excusa la vida de un personaje real, Jordan Belfort, para realizar una crítica brutal al corazón financiero americano y a los valores (más bien a la inexistencia de estos) sobre los que se basa el capitalismo y nuestra sociedad actual. Estos lobos, o corderos convertidos en lobos por el sistema, sólo se rinden ante un Dios, un dios de color verde: el dinero.

Claramente relacionada con la anterior filmografía del director italoamericano, pretende realizar el mismo proceso que "Gangs of New York" mostraba con los orígenes de la ciudad de Nueva York a manos de latones, asesinos y personajes corruptos en todos los sentidos posibles.

Sin embargo, sigue el camino inverso al escogido por Coppola en el mítico film "El Padrino", Éste focalizaba en un colectivo que la sociedad manquea situaba del lasco de "los malos" y nos mostraba que eran violentos si, pero que se regían por un código de honor y que éste era el motor que gobernaba sus relaciones. Scorsese plantea justo o contrario en "El Lobo de Wall Street": centra su atención en un colectivo de un elevado estatus social y hace patente la degradación moral y física que se encuentra en su interior.

Mención especial merece el que ya puede ser considerado como uno de los mejores actores del siglo XXI: Leonardo Di Caprio, quien realiza una interpretación sublime y que consigue alcanzar el exceso que necesita este personaje, sin llegar a aburrir al espectador y manteniéndole con la mirada fija en la pantalla durante todo el film.

También el montaje y la banda sonora caben ser destacados por el relieve que dan a la sucesión de anécdotas en las que consiste la película. Ese es, quizás, el único fallo que se le puede achacar a la cinta: una excesiva redundancia en un metraje que podía verse reducido sin afectar en absoluto a su mensaje.

Her es una película que trata sobre el amor, sobre el amor entre un solitario hombre que ha perdido toda esperanza de encontrarlo y una aplicación con voz femenina que está expectante y ansiosa por conocer el mundo. Her es un drama romántico con apariencia de ciencia ficción. Her trata de hacernos reflexionar sobre la realidad de los sentimientos. ¿Es menos real lo que sentimos por una persona de carne y hueso, que la emoción que despierta en nosotros un libro, una película o la última aplicación tecnológica? ¿Acaso los sentimientos pueden incluirse en el terreno de lo real? ¿No es más cierto que todo sentimiento es más bien un reflejo de nosotros mismos y por tanto es indiferente sobre quién o sobre qué se proyecte?

Con una sencilla y luminosa lentitud va evolucionando la relación de esta curiosa pareja, que sin embargo, pasará por todas las fases convencionales de cualquier relación.

La cuarta película de Spike Jonze pretende mostrarnos todo el proceso de enamoramiento desde el inicio hasta su final. Desde la idea que nos hacemos de una persona y que nos consigue enamorar, hasta el choque con la realidad, al comprobar que el modo de ser de una persona no es algo que nos pertenezca, ni que se mantenga inmutable, sino que todos crecemos y evolucionamos ajenos al resto del mundo.

Una persona nunca pertence a nadie. Ella si, aunque ella sólo fue suya al principio.

En lugar de madre, hija. En lugar de ojos, lengua. En lugar de destino divino, venganza humana. Blanco nieve, rojo sangre y pecado, negro dolor y siempre Evergreen. Un hombre encerrado 15 años frente a un televisor, ¿por qué? ¿cuál fue su pecado? Oh Dae-su deberá elegir entre venganza o verdad, pero ¿se puede elegir entre ambas sin abrir la Caja de Pandora? Visualmente impecable, preciosistamente horrenda, una película con envoltorio oriental pero corazón de tragedia griega.Todo ello ensalzado por el concierto para violín "Invierno", contenido en "Las cuatro estaciones de Vivaldi". Símbolo del invierno en la vida del protagonista que le separa de su primaveral Mido.Violencia lírica, venganza extrema. "Sea un grano de arena o una piedra, en el agua se hunde igual", pero no ascienden del mismo modo con una ráfaga de viento y la historia del cine elevará este obra muy alto.