La Fuga se llama el cuarteto de cuerda protagonista. Desde luego no es aleatorio. Todos los personajes huyen de algo. 4 personas y 25 años de relación. 25 años de relación que parece que van a llegar a su fin cuando al chelista le diagnostican Parkinson y todo el universo que se habían esforzado en construir se derrumba a su alrededor. Celos, mentiras, deseos se entremezclan con su trabajo.

Entre la tempestad de sentimientos el chelista les pedirá que <<empiecen con el Opus 131 de Beethoven, que tiene 7 movimientos, cuando el estándar era 4. Y están todos conectados. No se debe parar entre movimientos. Beethoven insistió en que se tocara attacca, sin pausa. ¿Intentaba quizá indicar cierta cohesión, cierta unidad entre los fortuitos actos de la vida? O quizá por estar sordo, solo y presintiendo el fin, sintió que no le quedaba tiempo para hacer una pausa y respirar. Para nosotros significa que al tocar tanto sin pausa, nuestros instrumentos se desafinan con el tiempo, cada uno de una manera diferente. Es un desastre. ¿Qué vamos a hacer? ¿Parar? ¿O luchar para ajustarnos a los demás hasta el final incluso si estamos desafinados?>>.

Una película íntima, que encierra un enorme dramatismo entre cuatro pequeñas paredes. Una película sobre las heridas cicatrizadas pero no cerradas. Una película sobre el relevo y la aceptación.

Con una emotividad sencilla y sin adornos, un aparentemente intrascendente profesor de música en el paro, Clemant Mathieu (excelentemente encarnado por Gérard Jugnot), se convierte en la nota que lo transforma todo, en el hasta entonces frío y triste centro para chicos conflictivos en el que rige la "acción-reacción" sin piedad de su director Rachin.

Dos formas opuestas de educación chocan en el Fondo del Estanque cuando llega Mathieu, y no solo eso, también dos formas diametralmente opuestas de enfrentarse a la vida. Mathieu se ganará nuestros corazones transmitiéndonos la necesidad de una verdadera oportunidad para que pueda producirse el cambio, el poder que ejerce la esperanza en nuestras vida y la necesidad de la fe en el bien y en la posibilidad de ser mejores.

Ternura infinita la que genera el pequeño Pepinot y admiración y deleite la que despierta la belleza del orgulloso e incomprendido Morhange.

Todo ello aderezado por esas voces que suben tan alto como los aviones de papel y que siempre llegan los sábados.

Quizás la película deje un regusto de imperfección o de exceso en ciertos momentos. Pero más importante que discurrir acerca de si es una excelente película o no, creo que es más importante destacar el momento en el que Baz Luhrman ha querido que conectemos con la obra de Scott Fitzgerald.

¿Por qué hacer que en una fiesta de los locos años 20 suene hip hop? Quizás porque al leer el libro Baz Luhrman tuvo la impresión de que Scott Fitzgerald hablaba desde una "generación perdida" a otra "generación perdida". Quizás porque tras el desenfreno llegó el crack del 29. Quizás para recordarnos que no solo durante los locos años 20 la gente se vestía de fiesta por fuera, mientras se llenaba de vacío por dentro.

Con motivo del 25º aniversario de su primera proyección en España, 'Cinema Paradiso' ha regresado a la gran pantalla para que nuevas generaciones puedan acercarse a ella. Desde la distribuidora encargada de ello transmiten la idea de que no sólo se trata de un motivo de celebración sino que además es, como la propia película, un homenaje a todos los trabajadores que se han ganado y se ganan la vida en las salas de cine. Personas, todas ellas, a las que el amor por su profesión les debe pesar, en una época de reconversión digital y crisis generalizada.

La cinta, toda una obra maestra del cine italiano, ganadora del Oscar y el Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa, narra una pasión: la pasión por el cine.

El director italiano Giusseppe Tornatore muestra en este film el regreso de Salvatore, director de cine de éxito, a su pueblo natal en Sicilia debido a la muerte de Alfredo, el que fuera el proyeccionista del pequeño Cinema Paradiso. Esta vuelta a casa traerá a su memoria todos los recuerdos de juventud y de su primer amor, Elena. Siempre conectados con ese cine, que se presenta como núcleo en ebullición de la propia vida. Ninguna otra película conseguirá jamás reunir de una forma más bella todos los besos de la historia del cine.

La obra cuenta, además, con la intensa y siempre emocionante partitura de Ennio Morricone y la preciosa luz de Italia captada por la visión de Blasco Giurato. Mención especial también deben recibir los ojos risueños y el desparpajo del debutante Salvatore Cascio, que encarna al Salvatore niño, el pequeño Totó, y la bondad y cariño que sabe transmitir como nadie Philippe Noiret en su interpretación de Alfredo.

La ternura y nostalgia que producen en el espectador bordean el tono melodramático, sin perderse en él. Y no se pierde en él precisamente porque consigue conectar con el público, porque todos hemos crecido con películas que han marcado nuestro recuerdo, que nos han hecho madurar, que ya sólo podemos recordar ligadas a una época de nuestra vida.

‘Cinema Paradiso’ es una cinta para todos aquellos que adoren las pequeñas cosas íntimas, los placeres sencillos, los detalles cotidianos, esos que tan bien sabe reunir la magia del cine.

El director de la aclamada 'Once', especialmente en la escena independiente, regresa a la pantalla grande con ¡Volver a empezar', una historia sobre la amistad, el amor y el poder vital de la música. Sin embargo el inicio, y la propia sinopsis del film, pronostican una película bastante convencional. La perspectiva da un giro de 360º cuando Gretta (interpretada por una Keira Knightley dulce pero con las ideas claras) conoce a Dan, un productor con dos Emmys pero que vuela en horas bajas, inmerso en una vida cada vez más caótica. Mark Ruffalo encarna a este personaje con una innegable complicidad con la actriz inglesa. Y es en este momento, cuando John Carney muestra su audacia y estilo propio, al combinar la melodía de 'A step you can't take back' con una inteligente e innovadora escena, en la que Dan deja volar su imaginación de productor musical.

El cineasta irlandés repite la fórmula de la ya mencionada 'Once' convirtiendo a la música en el verdadero motor que vértebra la película, que podría ser narrada perfectamente a través de las letras de las canciones de su cuidada y elegante banda sonora. Pese a ello, 'Begin Again' pierde algo de la autenticidad de la primera en favor de la búsqueda de un público más amplio. Lo que no la hace menos interesante, ni menos entretenida, simplemente menos espontánea puesto que todo parece estar perfectamente "colocado" en ella, eso sí con un gusto exquisito y natural al mismo tiempo.

Como telón de fondo, no sólo Nueva York y su sonido, escenario de grandes películas musicales, sino también la propia industria musical, a la que precisamente John Carney crítica por hacer perder el alma a sus intérpretes en busca de una falsa autenticidad, que no deja de ser una pose.

El filme cuenta, además, con un elenco de secundarios de lujo: Adam Levine, líder de la banda Maroon 5, es el ex novio de Gretta, cantante también que ha alcanzado el éxito que nunca habían pretendido; Catherine Keener ('El último concierto', 'Hacia rutas salvajes') da vida a una divertida y correcta ex mujer de Dan; mientras la joven Hailee Steinfield, que sin embargo ya se puso bajo la dirección de los hermanos Cohen en 'Valor de ley', interpreta a la hija adolescente de Dan con la que éste no sabe comunicarse.

El esperanzador final, que desprende una enorme vitalidad pese a cierto tono agridulce, pone el broche final a una película que encantará a algunos y difícilmente desagradará al público en general.

'Begin Again' transmite la importancia de las segundas oportunidades, la fuerza de las personas para resurgir tras sus peores momentos y, sobre todo, la trascendencia de distinguir qué trenes debemos dejar pasar, y a cuáles debemos saltar sin pensarlo.