'Ghost world' -la adaptación de un comic indie del mismo nombre- puede llevar a engaño. En los primeros 30 minutos, la película, a pesar de mostrar una demoledora crítica hacia el sistema americano y de sus púberes, parece naufragar en la narración de la vida de dos adolescentes, Rebecca y Enid, que parecen ser dos niñas malcriadas, superficiales a pesar de su postura contestataria y cargantes.

Ahora bien, dicho esbozo de frivolidad se esfuma según avanza el metraje y, sobre todo, cuando aparece el personaje de Seymour, un hombre inadaptado y verdaderamente raro -un freak que borda Steve Buscemi, aquí muy alejado de sus tradicionales papeles- que esconde su repudio hacia una sociedad superficial y frívola que le rechaza en su vieja colección de discos de blues. La adolescente y Enid inician asi una relación en la que se pasa de la mofa al cariño y a los intentos mutuos de ambos por insertar al contrario en un mundo lleno de apariencias y tiburones.

'Ghost world' es una cinta emocionante que trata temas como el paso a la madurez, la comunicación entre las personas y sentimientos como el respeto, la ternura y el cariño. Mención aparte merece un estupendo score musical de David Kitay y una fotografía bastante llamativa.
Quizá no sea recomendable para aquellos no acostumbrados al cine independiente, pero lo que es innegable es que 'Ghost world' es una película valiente y necesaria por tratar un mensaje tan bello como el derecho de cada uno a reivindicar su identidad en una sociedad donde todo, cada vez, está más diluido.

Película de tono realista que narra de forma compleja y con muy poco presupuesto la vida de un asesino en serie. Henry es un monstruo contemporáneo que mata sin motivaciones. Cumple con la clásica figura del 'serial killer': elige a sus víctimas de forma aleatoria, es un ser frío e inteligente, tal como demuestra en -quizá de lo mñas interesante de la cinta- su conversación con el coprotagonista sobre cómo matar sin dejar rastro.
Hábil alternación en toda la cinta de muertes violentas, narradas de forma muy explícita, con otras sugeridas a través de cadáveres u objetos; lo que ayuda a relativizar los actos del asesino o a familiarizarse de forma asombrosa con ellos. También es muy inteligente, como he leído en otra crítica, el presentar primero a las víctimas y luego al monstruo, que hasta la mitad del metraje parece, incluso y aunque sepamos de sus actos, el bueno de los dos amigos. Tal sensación también se recrea en su relación filial/amorosa con la hermana del coprotagonista. Son tretas para humanizar al monstruo. Por otro lado, la actuación de Michael Rooker me parece soberbia, tanto reflejando su ¿placer? por la violencia en cada crimen, como su encerramiento en sí mismo o esa mirada turbia...
A todo ello sumamos una gran elección de escenarios. Moteles, carreteras secundarias, gasolineras... parajes sórdidos que contribuyen a dotar de más realismo a la película. Dicha sordidez se traslada también muy bien al coprotagonista: un pobre diablo, un tipo despreciable, casi deficiente y con pinta de 'redneck' descerebrado...
Creo también muy interesante la relación del 'killer' con la 'chica de la película'. Primero es la única persona con la que demuestra algo de empatía, pero cuando ella le lleva a sus brazos él se queda frío, bloqueado emocionalmente y no sabe cómo reaccionar.
En resumen, muy buena historia y muy buen guión, que lleva a pensar lo podrida que está la sociedad contemporánea, aunque el recurso del 'serial killer' haya sido explotado en multitud de cintas de diversas épocas. Excelente también el final que, por supuesto, no revelaré para los que no hayan visto la cinta...

En su debut como director, Jonás Trueba intenta dárselas de perro viejo, cuando su condición de novel, su corta edad (29 años) y el género en que se mueve su primera película -la comedia romántica- pida precisamente una condición de la que esta carece: frescura.

El vástago de Trueba demuestra que a su corta edad ha visto cine (continuas referencias a la 'nouvelle vague', a 'Manhattan' de Woody Allen -incluso en el cartel de la cinta-, encuadres cuidados...), que ha leído (referencias más o menos impostadas a Borges, Pessoa...) y que ha escuchado música (como demuestra esa BSO trufada de pedigrí indie -Aroah, Christina Rosenvinge-, algún clásico jazz...) sin embargo detrás de este celofán, de esa maleta de referencias, el director parece lastrado por la inexperiencia -quizá inmadurez, es difícil y pretencioso por mi parte afirmarlo, casi comparto edad con él- en terrenos más mundanos de la vida.

Y eso se nota en unos personajes vacíos, sin vida, que no arrojan ni un sólo atisbo de emoción, fríos; y con los que, pese a los esfuerzos de los actores y las buenas intenciones, la película se va por el sumidero.

Y ese el mayor problema de "Todas las canciones...", todo en ella tiene un aire intelectual algo impostado y suena a viejo, como esa declaración de amor a los libros impresos tan bonita como insólita en unos chavales de la generación iPad; o el lastre que supone la voz en off para introducir al espectador en determinados aspectos de la historia. Otro punto flaco reside en la paradoja de armar una comedia a la que cuesta encontrar sentido del humor.

Pero lo gran pega de este debut es que apenas se aprecia una evolución en la pareja que sustenta la cinta cuando ese es el mensaje que pretende transmitir el film, y son algunos secundarios -como la camarera argentina o el amigo moñas- los que parecen mejor dibujados. Y es por eso por lo que la escena final incluso sorprende: el espectador no entiende ese especie de resumen vital del personaje interpretado por Oriol Vila, porque no se le han dado durante el metraje las claves, los puntos de fuga sobre el que construirlo. ¿Por dónde hemos llegado hasta aquí?.

Lo mejor de la cinta, por el contrario, es la fotografía y el ambiente nocturno del Madrid de los Austrias -con el que, por cierto, sí puede conectar o empatizar el espectador, especialmente si es joven y reside en el villorio madrileño- y algunos encuadres que destilan una educada cultura de la imagen.

Al ver la cinta me vienen a la cabeza comedias españolas de los 90 -'Amo tu cama rica', 'Los mejores años de nuestra vida'...- con las que la cinta parece compartir códigos, y quizá por eso parezca tan prematuramente envejecida; de otro tiempo. Tampoco puedo evitar pensar en otro debut de juventud y amoríos madrileños, la estupenda ''Ópera prima'' (Fernando Trueba, 1980), que no hace sino acrecentar las diferencias y los defectos de este bienintencionada y aun con todo, en algunos puntos, interesante película.

La cinta narra la vida de tres hermanas durante tres días en Londres. Con esta escueta premisa Winterbottom hila un relato de gran hondura basado en las relaciones sociales en la gran urbe. Creo que esta es la típica película que con poco dice mucho. Con un formato cercano al cine dogma, el director inglés prima la descripción de los personajes -inolvidable el papel de Gina McKee como la insegura treintañera Debbie- sobre su entorno, un Londres desfigurado y cosmopolita que, en el fondo, es el verdadero eje de la historia. Otro punto fuerte de la cinta es la ambientación lograda, a lo que contribuye una gran visión del Londres nocturno gracias a la película de baja sensibilidad. Así, la ciudad aparece reflejada en toda su plenitud, como un lugar donde todo fluye con rapidez -ya lo insinua en la gran escena a doble velocidad que abre la película- y donde se mezclan personas y culturas distintas. Wonderland es un relato hondo y sensible sobre las distintas identidades, sobre las almas perdidas y alienadas que conviven en las grandes metrópolis contemporáneas. También es la mejor película, a mi juicio, de Michael Winterbottom y, quizá, mi película favorita.