Manny y Ellie, están ahora felices esperando una cría. Diego y Sid, por su parte, comienzan a sentir que ya es hora de disolver a su grupo, así que ambos se alejan. Al encontrar tres gigantescos huevos en una cueva, Sid decide cuidarlos a todo riesgo y darles calor… y cuando las criaturas nacen resultan ser tres dinosaurios que van a ver al oso perezoso como si fuera su padre. Cuando aparece la madre de las crías, al ver “en peligro” a su gran amigo, Diego decide regresar y el grupo vuelve a unirse para rescatar a Sid.

A ellos, se sumará un nuevo personaje llamado Buck, una comadreja que rememorará sensiblemente al capitán Ahab -protagonista de la clásica novela, “Moby Dick” (Herman Melville, 1851)- con varios elementos: Ambos son cazadores y portan un cuchillo fabricado con diente de animal; tanto a Buck -un dinosaurio blanco llamado, Rudy-, como al capitán Ahab -una ballena blanca, a la que él llama, Moby Dick-, les sacó un ojo y les cercenó una pierna. Como Ahab, también Buck, anda un tanto desquiciado y quiere cobrar venganza a como dé lugar. Mientras llega el gran momento, ambos tienen que enfrentarse a otros animales… y entre otras cosas, el primer oficial del Pequod se llama, ‘Starbuck’, y seguramente de aquí salió, Buck, quien también hará las veces de capitán o guía del grupo de amigos. ¡Ah! y en ambas historias está la referencia a, Jonás, el personaje bíblico.

La otra referencia es a la novela, “El Infierno” de Dante Alighieri, la cual se da cuando Buck exclama: “Abandonen toda esperanza los que entran allí”… y esto sin contar las referencias cinematográficas y musicales que, ustedes mejor que yo, seguramente encontrarán.

Con todo esto, y partiendo de un guion escrito por Michael Berg, Peter Ackerman y Mike Reiss, los directores, Carlos Saldanha y Michael Thurmeier, vuelven a dar en el clavo logrando otra admirable película que, en grandes dosis, entremezcla la aventura con regocijantes toques de comedia, fuerte suspenso…. y una serie de valores: amistad, lealtad, colaboración, generosidad… que, combinados con fortaleza, perseverancia y audacia, dan como resultado un grupo de personajes que nos aseguran un ejemplo de vida absolutamente apreciable.

La película se maneja con una gran dinámica; la ambientación es envolvente por donde se la mire; las situaciones de aventura desbordan creatividad a borbotones… y hasta la nueva experiencia de Scrat, con la pareja que también él encuentra, resulta encantadora… porque, claro, también aquí, el Amor -con sus bemoles- tiene su lugar.

Con una recaudación a nivel mundial de, ¡886 millones de dólares!, hasta el año 2010, fue ésta la película más exitosa de, La Era de Hielo, lo que significa que, el respaldo, ha venido creciendo.

En la magnífica historia de, <<ICE AGE 3: El Origen de los Dinosaurios>>, vuelve a tener aplicación la atinada frase de, Sid, en la entrega anterior: “A donde vas, lo tuyo es hacer amigos”. ¡Qué grata sensación la que uno tiene cuando ve a éste maravilloso grupo entregado, en cuerpo y alma, para defender sus vidas y luchar por un objetivo común! ¿Vieron lo fácil que, en momentos así, desaparecen todas las diferencias?

Ser humano es el más grande de los honores… pero es un honor que hay que merecerlo.

Título para Latinoamérica: <<LA ERA DE HIELO 3>>

Desde comienzos del siglo XV, hasta finales del siglo XVIII, cuando se produjo la memorable Revolución Francesa (1789-1799) que significó el fin del feudalismo y el absolutismo, el país galo estuvo bajo el dominio de una monarquía clasista y colmada de privilegios, al tiempo que explotaba, reprimía y preservaba en la miseria a las grandes masas, a las que se cobraba insostenibles impuestos. Por fortuna, durante la revolución se socavaron fuertemente los pilares de la Monarquía y el antiguo régimen aristocrático que se sostenía en estrecha connivencia con el clero, comenzó a resquebrajarse tras una severa transformación de las bases administrativas.

Louis XI –llamado El Prudente como, luego, también se conocería a Felipe II de España- fue rey entre 1461 y 1483, y parece que no fue tan prudente, puesto que dedicó su estancia en el poder a procurarse enemigos y detractores entre la nobleza, dados sus afanes de consolidar una monarquía centralista y autoritaria... y quizás, fue por esto que, en busca de nuevos aliados, optó por favorecer a la burguesía, pero, el pueblo solo pasaba por su mente cuando se trataba de incrementar los impuestos para resolver la presión fiscal.

Conocedor al dedillo de la historia de Francia, en 1831, el celebrado escritor, Victor Hugo, publicó su novela, “Notre Dame de París”, y la historia la ambientó en 1482, a finales del reinado de Louis XI y 10 años antes de la llegada de Colón a las Américas. Alrededor de una compleja historia de amor que combina la presencia de una joven y bella gitana llamada, Esmeralda, con la conmovedora presencia de un jorobado bautizado por su padre adoptivo como Quasimodo, por aquello de ser un ser incompleto, el también autor de “Los Miserables”, se propone hacer una precisa descripción de las desigualdades sociales que imperaban en aquellos tiempos… y todo esto queda registrado también en las versiones cinematográficas que se han hecho de la novela.

Aunque otras adaptaciones se habían realizado previamente, es cuando en 1923, Wallace Worsley dirige, <<EL JOROBADO DE NOTRE DAME>>, que por fin, ésta magnífica historia, cobra el reconocimiento que se merece. El guion que escribieran, Edward T. Lowe Jr. y Perley Poore Sheehan, aunque se toma algunas libertades es bastante fiel a la novela y, en lo personal, apruebo las modificaciones y sustracciones realizadas, pues, entiendo perfectamente que Worsley quisiera darle su toque particular (algunos apuntes en los diálogos son estupendos y la escena del poeta, Gringoire, tratando de comer al lado de Phoebus, es muy divertida). Por supuesto, sigo creyendo que ninguna adaptación hasta ahora, supera las obras de ese grandioso escritor que fuera, Victor Hugo.

Lo logrado por el newyorquino Worsley, es, no obstante, de la más alta calidad, y al verla ahora perfectamente restaurada con copia monocromática de diferentes tonos, me gusta mucho más que cuando la vi hace… ya no sé cuántos años. La puesta en escena me sigue resultando magnífica con ese perfecto contraste entre la opulencia impúdica y la miseria absoluta… y ni qué decir que la reconstrucción en Estudio de la Catedral de Notre Dame, es espectacular. Para la época, tuvo el exorbitante costo de 1.5 millones de dólares. La fotografía en blanco y negro da un exacto toque documental a las escenas exteriores (muchos de los extras eran auténticos habitantes de calle) y, en contraste, un perfecto halo de misterio, tragedia y romanticismo, brilla en las interiores.

Y si hablamos de las actuaciones, lo logrado por el actor, Lon Chaney, convirtiendo a Quasimodo en una suerte de deforme hombre-lobo (él mismo diseñó su maquillaje) es altamente efectista y conmovedor, y para enaltecer su actuación, la enriquece con unas acrobacias admirables y con una expresividad que supera cualquier palabra. Ernest Torrence, también luce magnífico como Clopin, el líder de La Corte de los Milagros; y si sabemos ubicarnos en la época, Patsy Ruth Miller, podría ser la más auténtica Esmeralda, pues, es natural como las mujeres humildes del siglo XV, y con sus 18 años en el momento del rodaje y su figura menuda, se ha acercado más que ninguna a la gitana de, Victor Hugo, la cual contaba 16 años.

En la localidad de Trézignan, nadie olvida que, hace ya unas cuantas décadas, el fabricante de vinos, Édouard Saint-Forget, tuvo quintillizos. En plan de atraer turistas a la fiesta del pueblo, a algunos miembros del Concejo Municipal, se les ocurre reunir a los hijos de Saint-Forget, ahora que son mayores… pero no cuentan con que el padre no siente ningún afecto por sus vástagos y hasta mantiene cargada un arma por si alguno se aparece en su casa. ¡Édoaurd, siempre soñó con tener una hija!… pero solo llegaron hombres de la A a la E: Alain, Bernard, Charles, Desiré y Etienne.

Contra la voluntad del vinicultor, al doctor Bollène se le encarga localizar a los hijos y traerlos para celebrar el cumpleaños número 40 de su padre (¿o será el número 80?)… y éste diligentemente viaja para asumir la tarea.

Así comienza la historia que escribieran, Albert Valentin, René Barjavel y Henri Verneuil, con la cual se pretende hacer una recreación de costumbres de la época (años 50 del siglo XX), a la que se suma una denuncia del patriarcado y el machismo sucedáneo, aprobado, entonces, hasta por las mismas mujeres que, en buena manera lo patrocinaban. El director, Henri Verneuil, añade unas buenas dosis de picardía, sarcasmo y buen humor, de tal manera que veamos con consideración -que no aprobación- la suerte de improcedencias que tan comunes eran entonces… ¿entonces?

Fernandel, el celebrado intérprete de, “Don Camilo” (Julien Duvivier,1952), película sobre la que aquí se hará alusión sin mencionarla, tiene ésta vez la valiosa ocasión de representar a seis personajes (a Édouard el padre y a sus cinco hijos) y con la picardía, la recursividad y la astucia de éstos, vamos a pasar un rato delicioso con otra comedia de aire pueblerino, de esas que los franceses saben hacer con sumo encanto.

El ingenio abunda en, <<LA OVEJA TIENE CINCO PATAS>>, como en la historia de Desiré y el curioso contrato que firma con Pilate, el co-propietario de las Pompas Fúnebres, que luego lo inspirará para seguir promoviendo otros. Resulta también muy simpática y novedosa, la aventura del capitán Étienne, apostando lo último que le queda (¡que es bastante!) en el curioso juego de la mosca… y, queda decir que es muy edificante, la actitud de Bernard, el editor, cuando tiene que convertirse en el mensajero de la muerte de Roland Brissard, y entonces conoce a la bella y atribulada joven, Marianne.

Para resaltar, la grata música compuesta por Georges Van Parys, y el reparto que incluye a gente valiosa como, Françoise Arnoul (la joven Marianne); Louis de Funès, como el avivato co-propietario de la casa funeraria; Georges Chamarat, el enfermo padre de Marianne; y Édouard Delmont (el diligente, Dr. Bollène).

La película se hizo merecedora al premio a Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Locarno y fue nominada a Mejor Filme en el Festival de San Sebastián.

Título para Latinoamérica: <<EL CARNERO CON CINCO PATAS>>

Ubicado en la Colonia Guerrero, calle de Pensador Mexicano, #16, el Salón México abrió sus puertas al público el día 20 de abril de 1920. Era parte de una zona de tolerancia que iba desde Arcos de Belén a la Calle de Violeta y desde la carrera 5 de Febrero a Bucareli. La zona de baile contaba con tres pistas asignadas a las diferentes capas sociales, hecho que le daba un marcado tinte clasista.

Al salón asistían grandes bailarines de los más populares ritmos de la época (foxtrot, tango, danzón, pasodoble…) y solo en estos momentos sus presentaciones hacían que gente de todas las clases se entremezclaran para ver sus espectáculos. También se presentaban allí las mejores orquestas, mariachis, tríos, duetos, cantantes populares… y en su lujosa decoración de estilo colonial, había retratos y murales de grandes artistas… pero todo esto acabaría en el año 1960, cuando el Salón México cerró sus puertas por orden del “regente de hierro”, Ernesto Uruchurtu.

Algunas de las cosas que allí ocurrían, vamos a verlas en la película que, con el mismo nombre, <<SALÓN MÉXICO>>, y utilizando ese espacio como locación, rodó el director, Emilio Fernández, siendo una de sus escasas incursiones en los temas urbanos, y también en el melodrama, género al que no tenía en demasiada estima. Contra todo, el resultado es bastante satisfactorio, pues, la historia -escrita por Mauricio Magdaleno y el propio Fernández- registra con suma eficacia las problemáticas más comunes del México de aquella época (prostitución, machismo, niños en las calles, violencia contra la mujer…), al tiempo que resalta los valores (solidaridad, sensibilidad, talento artístico, camaradería…) de aquella suerte de gente que enaltece siempre a la sociedad y la hace digna de una grata memoria.

Durante la visita que hiciera a la tierra de Juárez, en 1932, viaje que incluyó la tentadora estadía en el famoso Salón México atraído por los temas populares, Aaron Copland, el famoso compositor estadounidense, se inspiró allí para componer su famosa suite, ‘Salón México’, pieza sinfónica en la que incorporó tonadas de, La Jesusita, El Mosco, El Palo Verde y El Malacate. Al oír ésta calificada pieza musical, y quizás recordando sus personales tiempos como bailarín, fue que nació en, Emilio Fernández, la idea de hacer reconocimiento a aquel famoso recinto… pero lo que muchos esperarían que fuese una fiesta o una exaltación, sirve, sobre todo, para contar el doloroso drama que sufre una preciosa muchacha llamada, Mercedes Gómez, la cual se enrola en labores non gratas con el propósito de sacar adelante a su hermana menor, Beatriz, que ha quedado a su cargo y ahora la tiene estudiando en un internado para señoritas.

Paco, un proxeneta que abusa de ella, y un policía honrado, Lupe López, que se solidariza con la sufrida muchacha, serán el demonio y el ángel entre los que, Mercedes, vivirá sus próximos días mientras se sigue esmerando para cumplir son su hermana.

Como suele ocurrir, la fotografía de, Gabriel Figueroa, es de un acierto total, y en cada plano resalta la belleza de las mujeres mexicanas y también la sombría existencia que transcurre en las humildes barriadas. De, Marga López, actriz que ganara el premio Ariel por su sentida actuación, consigue extraer planos de gran belleza y, quizás, fue ésta la película que la convirtiera en una actriz de renombre. Por su parte, el director logra también muy buenas actuaciones de Miguel Inclán (Lupe) y de Rodolfo Acosta (Paco)… y en definitiva, se siente complacencia al ver una obra cinematográfica que, con aires de tragedia, va a dar cuenta de que, aunque a veces se lucha desde lo más bajo pretendiendo llegar a lo más alto, ésto seguramente lo reconoce el cielo, pero, en su impertinencia, la humanidad lo torpedea cuanto puede, y con frecuencia, lo torna imposible.

¿Cómo se conocieron Sulley y Mike, los grandes amigos de “Monsters Inc.”? ¿Qué experiencias tuvieron antes de ser empleados de Monsters Inc.? ¿Dónde vivían cuando eran chicos? ¿Alguna vez fueron a la universidad? ¿Cómo conocieron a Randall? ¿Quiénes fueron sus mejores amigos?... Estas y otras preguntas comenzaron a ocurrírseles a los creativos de Pixar Animation Studios, después de que, “Monsters Inc.”, recaudara la sorprendente cifra de ¡563 millones de dólares!

Cuando el resultado es tan asombroso, es inevitable que las productoras comiencen a pensar enseguida en continuar explotando el filón, pues, el acervo de espectadores que ya dejaron cautivo es una cantidad enorme. Hasta el momento, se había pensado en secuelas (donde las historias siguen un hilo presente-futuro de lo que ocurrió en la primera película)… pero, pensando en preguntas como aquellas, a alguien se le ocurrió que aquí cabría una precuela (lo que ocurrió antes de la historia inicialmente contada -pasado- para conocer mejor a los protagonistas) y así surge, <<MONSTRUOS UNIVERSITY>>, otro afortunado éxito que sobrepasaría los resultados de la primera, alcanzando una cifra de recaudación de ¡744 millones de dólares!

El haber sido subestimado y rechazado en sus tiempos de colegio se convierte para el especial, Mike Wazowski, en una suerte de aliciente que lo anima a querer demostrar que no es inferior a nadie, y anhelando ser otro gran asustador como tantos otros habitantes de Monstropolis, consigue acceder a la Monsters University (MU) donde conocerá a, James P. Sullivan, otro asustador ¡que tampoco cree en él! y a quien tendrá que demostrar que vale mucho más de lo que nadie imagina aunque como asustador… bueno, ya ustedes lo verán.

Mike es de esa clase de seres que tienen que ganarse a pulso su lugar en la vida… pues, la decana de la facultad de sustos, la temible y muy dura “señora” Hardscrabble (una suerte de escolopendra grandota), tampoco cree en él y mucho menos en el equipo que conforma cuando decide participar en los Scare Games (Olimpiadas del susto), pero, poseedor de una voluntad de hierro, todo esto alienta a Mike para proseguir adelante en su propósito.

Lo que se aviene traerá temores, frustraciones, grandes retos, competencias con sus propios amigos y con sus detractores… y con todo esto, la historia (escrita por Dan Scanlon, Daniel Gerson y Robert L. Baird) se va convirtiendo en una valiosa lección de vida en la que el propósito es encontrar Quien Eres Realmente.

El director, Dan Scanlon, contando con esos grandes creadores de Pixar, logra otra película muy dinámica, perfectamente ambientada, con un gran colorido, con referencias a ciertas películas, y con un grueso equipo de personajes, de muy variadas e inimaginadas formas que desbordan belleza en su aparente fealdad.

Mientras me divertía de lo lindo, pero también trataba de comprender el mensaje de esta historia, no pude evitar entrar en el paralelo que surge entre la ficticia, Universidad de Monstruos, y lo que ocurre en la vida real donde tantos estudiantes, después de un esfuerzo de estudios de 5 y más años… al final se gradúan para convertirse en “monstruos” que se degradan a sí mismos y a la sociedad… ¡y así no debe ser!

Título para Latinoamérica: <<MONSTERS UNIVERSITY>>