Lujosa y soberbia adaptación de la novela de Anne Rice, que llegó en un momento en que las películas de vampiros parecían relegadas para siempre a la serie B y que relanzó (junto con el Drácula de Coppola), el género hasta el infinito y más allá. Desde entonces Hollywood se tomó en serio las pelis de vampiros…hasta que llegó “Crepúsculo”, claro.

Neil Jordan nos presenta una espectacular superproducción llena de estrellas en la que los vampiros no son sólo seres demoníacos que simplemente se dedican a chuparle la sangre a la gente como habíamos visto hasta entonces sino que tienen sus dudas filosóficas y no paran de preguntarse “¿quiénes somos y de dónde venimos?”. O sea, exactamente igual que los humanos pero sin envejecer, y siendo para siempre elegantes, refinados, atractivos y seductores. Así cualquiera tiene tiempo para ponerse a filosofar…

Todo el diseño de producción es simplemente magistral, la fotografía buenísima, la música perfecta para cada segundo del metraje, el vestuario te deja con la boca abierta en cada escena, y sobre todo, y por encima de todo, la cinta tiene los que posiblemente sean los mejores decorados de cine de los 90, de esos que ya no se hacen. En conjunto se crea una atmósfera genial que le va como un guante a la historia que nos quieren contar y la ambientación es perfecta en todas las épocas históricas por las que va pasando la película.

Brad Pitt y sobre todo Tom Cruise bordan sus papeles, pero es obligatorio resaltar la interpretación de una casi debutante Kristen Dunst (futura chica Spiderman, desde luego a esta muchacha le van los amores imposibles), que borda un dificilísimo papel de mujer condenada a vivir eternamente en un cuerpo de niña, en cada plano les roba protagonismo a sus compañeros adultos y se va haciendo un hueco como niña prodigio (y todo para que, una vez que se estrenó la peli, sus padres no le dejaran verla porque era muy violenta para su edad ja ja ja ja ja).

El guión da vueltas continuamente a las preocupaciones existenciales de unos vampiros snobs y decadentes, que se preguntan qué son, quién les ha hecho así y por qué. La naturaleza del vampiro y su origen están siempre sobrevolando todo el metraje de la película y acaban justificando su naturaleza asesina con frases como la que da título a esta crítica. Además el guión juega continuamente con un nada oculto rollito gay entre los protagonistas, el erotismo está siempre sobrevolando la historia y es ese deseo el motor de sus comportamientos.

(sigo sin spoilers en la zona spoiler)

El faro es la típica película en la que lo de menos es lo que te están contando sino que uno tiene que sentarse, abrir los sentidos y disfrutar de la atmósfera que se crea en la pantalla…vamos, que no me he enterado de nada, es tan onírica, tan metafórica y tan enrevesada, que lo único que pillas es que hay un par de tíos aislados en una isla para mantener un faro y que poco a poco se les va yendo la olla a los dos. Es lo que, en términos científicos, se denomina UNA PAJA MENTAL COMO UNA CATEDRAL.

Pero es que da igual, merece la pena tragarse esta locura sólo por gozar de la fotografía de un tal Jarin Blaschke, un señor que no tengo ni idea de quién es pero que desde hoy tiene toda mi atención. Seguramente es una barbaridad esto que voy a escribir pero creo que es la mejor fotografía en blanco y negro que se ha visto desde “La lista de Schindler”, un alarde de maestría, una verdadera obra de arte de la luz en B/N, con planos espectaculares donde todo está milimétricamente dispuesto en la pantalla para que casi cada fotograma sea digno de enmarcarlo y colgarlo en la pared.

Los dos actores están MAGISTRALES. De Willem Defoe ya lo esperábamos porque nos tiene acostumbrados pero me rindo a los pies de Robert Pattinson, quien está consiguiendo convencernos de que puede hacer mejores papeles que los de vampiro descolorido con cara de palo y que si sigue con esta trayectoria lleva camino de convertirse en el mejor actor de su generación.

Por lo que respecta al guion la historia (además de incomprensible), es desagradable y violenta hasta límites que pocas veces hemos visto, y es la mayor locura que hemos contemplado desde “Madre!” de Darren Aronofsky, otra paja mental digna de que le pongan una camisa de fuerzas al director la misma noche del estreno.

Pues eso, que sólo por la fotografía y por los actores merece la pena ver esta peli…vaya de lo que vaya el argumento…que sigo sin saberlo.

Película de culto, diferente, extraña, singular, insólita, no apta para todas las sensibilidades… vamos, lo que viene a ser UNA PELI RARA DE COJONES, de esas que dividen (no solo a los espectadores, sino también a los críticos), entre apasionados defensores y feroces detractores; o bien te parece una joya o la mayor mierda que has visto, no creo que haya nadie que se quede en un punto medio. Amor sin barreras u odio visceral, eso es “IRREVERSIBLE”. Yo me incluyo entre los primeros pero entiendo perfectamente a los segundos.

Y no es para menos, nos encontramos ante una cinta provocadora, original, sincera, intensa, experimental, transgresora y magnífica…pero también polémica, sucia, desagradable, dura (durísima), desquiciante y extremadamente violenta.

Ya desde los excelentes títulos de crédito uno se da cuenta de que no va a ver una película convencional ni de las que gustan a todo el mundo (el director tampoco lo intenta en ningún momento). Los primeros minutos sumen al espectador en el desconcierto más absoluto al ver esos movimientos de cámara, ese recorrido por un club gay sadomaso, esa música atronante y al no entender prácticamente nada de lo que está ocurriendo en la pantalla, pero poco a poco la historia te atrapa y ya no te suelta.

Dos escenas la hicieron famosa por su excesivo realismo: un asesinato y una violación. Lógicamente un escándalo como el que se montó en su estreno por esas dos escenas (pero especialmente por esos 9 minutos de violación brutalmente explícita a Mónica Belluci en un único plano secuencia en el que la cámara no se mueve), sirvió de publicidad gratuita para la película, pero sería injusto quedarse ahí, “Irreversible” es mucho más que esas dos escenas tan desagradables.

La fotografía es interesantísima, no sólo por cómo se mueve la cámara sino por esa luz tan oscura y sucia como la historia que nos están contando. Lo curioso es que Gaspar Noé no sólo escribe, monta y dirige, es que también es quien mueve la cámara, algo impensable en la mayoría de los directores. Y no se trata ya de cámara en mano, es que la imagen va dando vueltas hasta el punto de que cualquiera que haya tenido un episodio brutal de vértigo se reencuentra con su peor pesadilla (creedme, sé de lo que hablo). Conforme transcurre la narración, a medida que pasamos de una historia repulsiva a ver un relato casi intimista que nos muestra a una pareja enamorada en su desnudez más natural, la cámara se va quedando quieta y la luz va siendo más amable y agradable a la vista hasta finalizar con unos verdes brillantes.

El montaje inverso de las 13 escenas que componen la película desde luego es lo que más llama la atención, imposible no acordarse de la excelente “Memento”, el hecho de estar montada al revés no hace sino añadir un extra de desasosiego (y de interés), a todo lo que estás viendo. Al igual que en “Memento” uno tiene que volver a ver la película para enterarse de todas las cosas que se te escapan en un primer visionado, imposible entenderlo todo a la primera.

La música te pone de los nervios en esos primeros minutos en los que TODO te pone de los nervios, incluso se incluyeron sonidos de baja frecuencia para crear mayor sensación de malestar en el espectador (este efecto sólo se notaba en salas de cine, los que hemos tenido la mala suerte de verla en casa nos lo hemos perdido). Como todo en la película va evolucionando, desde el ruido de las primeras secuencias hasta ese final al son nada menos que de Beethoven.

Las interpretaciones no son lo más llamativo de la peli (joder, es que para llamar la atención por encima de todo lo anterior…), pero Vincent Cassel está soberbio. Siempre me ha parecido un actor con cara de palo pero en esta ocasión está que se sale, interpreta de manera magistral los dos estados de ánimo por los que pasa el personaje en apenas unas horas, la loca sed de venganza puesto hasta arriba de coca y alcohol de la primera parte de la película (es decir, el desenlace de la historia), y el juerguista absoluto perdidamente enamorado del final de la cinta.

Y por tener, la peli tiene hasta efectos visuales para darle mayor realismo, desde el pene del violador (que fue añadido digitalmente), hasta la cara machacada del asesinado al principio de la película, por lo visto el muñeco de goma que destrozaron a golpes de extintor no daba tanto asco como lo que se ve en el montaje definitivo.

En definitiva no es tan importante lo que nos están contando sino CÓMO nos lo están contando. La misma historia contada en el orden cronológico correcto, con una fotografía colorista, una música sinfónica continua y ahorrándonos escenas desagradables no tendría ni de lejos tanto interés. Y lo más atrayente es cómo la película va evolucionando, cómo la forma se rebela más importante que el fondo a cada paso, es alucinante ver cómo se llega a ese final, con la cámara quieta, la luz brillante y la música de Beethoven desde ese principio vertiginoso, feo e hiperviolento. Inicio y fin irreconciliables y a años luz, como metáfora de esos actos que vemos que provocan consecuencias para las que ya no hay vuelta atrás, consecuencias IRREVERSIBLES.

Una peli no apta para todos los estómagos, que no deja indiferente a nadie y que hay que ver sí o sí (hasta el final, por favor), aunque sea para decir que no vale un pimiento, cintas tan diferentes como esta no hay que perdérselas.

Nueva maravilla de Icíar Bollaín, sin duda una de las directoras con más talento de nuestro cine, que esta vez nos regala una auténtico espectáculo para los sentidos, una especie de Billy Elliot negro pero al revés, en el que el niño odia bailar y es el padre el que se empeña en que dedique su vida al ballet (aunque en el fondo los padres de ambas películas buscan lo mismo: que su hijo salga de la pobreza en la que se criará si no aprovecha su talento natural).

Con una música fantástica (Alberto Iglesias nunca falla), un guión excelente aunque bastante predecible de Paul Laverty (ídem), y una fotografía que hipnotiza, la película se beneficia de unas interpretaciones auténticamente magistrales en las que destacan sin duda Santiago Alfonso en el papel de padre y Laura de la Uz como profesora de baile.

Lo que lastra en mi opinión el interés de la cinta son los muchos números de ballet; ¿se puede hacer una película de un bailarín sin incluir números de baile? Evidentemente no, pero el excesivo número de minutos de metraje dedicados a las coreografías (bellísimas y fantásticamente rodadas, eso sí), limita el público al que la película puede interesar.

Sin duda alguna “Yuli” mereció una mejor carrera en taquilla y premios, pero especialmente llama la atención que una de las pocas nominaciones a los Goya fuera la inexplicable nominación como actor revelación para Carlos Acosta que no hace absolutamente NADA en la película, mientras el resto del reparto se iba de vacío.

Elegante, hermosa y triste. No hay que perdérsela.

No es que yo sea un gran fan de Shrek pero por lo menos aquella película tenía su gracia, esta se presenta como la nueva creación de los mismos productores pero no tiene ninguna.

Personajes sin gracia, guión sin pies ni cabeza, ritmo inexistente, canciones soporíferas, aburrida y sin el más mínimo interés.

Ni siquiera las coñas sobre los clásicos de Disney animal el triste espectáculo.

Un tostón.