Poco se puede añadir, respecto a los simbolismos en el argumento, las metáforas sobre las pugnas entre las mafias estadounidenses y las europeas, la contextualización en otra etapa de la historia cubana, también de dictadura, pero la del general Machado y no la de Batista. Poco también se puede añadir sobre la obviedad de que es una crítica abierta al imperialismo y al capitalismo. Crítica también a la falta de transparencia en los avances de los laboratorios, que son pasto de especulación, en lugar de ser ante todo lo que deberían ser esos avances, avances compartidos por la humanidad.

Como bien dice Mr_Miga es "Algo más que una película de vampiros animados"- Comparto plenamente lo que ahí escribe y especialmente su párrafo final. No tanto su puntuación, pues en mi caso la elevo hasta la excelencia, seguramente por motivos personales: Cazada en una emisión en la TVE y conservada en VHS, visioné varias veces la cinta, en los ochenta y en los noventa. A cada nueva sesión, despejaba más detalles curiosos e incógnitas sobre el guión, pues al reflejar a los personajes con sus acentos nacionales, era difícil pillar todos los matices y giros verbales a la primera.

Esta película me supuso un auténtico punto de no retorno en cuanto a mi percepción de la geopolítica y de la economía global. Toda la perspectiva del comunismo y del internacionalismo, está explicada con transparencia, como en verso, con la fórmula que al final canta por radio Pepito, frustrando el acuerdo mafioso paralelo de quienes pretendían hacer negocio a partir de la debilidad de los vampiros del mundo

Hay de todas formas un asunto que no he visto referido por nadie en las anteriores críticas, y eso me ha animado a añdir la mía: es el asunto del peso simbólico del mestizaje. Y en sus dos niveles: De un lado el mestizaje horizontal, digamos que nacional o étnico, de Pepe con Lola, de un trompetista originariamente hijo de alemanes con una mulata cubana. El nórdico se aclimató desde pequeño (cosa que no pudo hacer su abuelo) y aunque Pepe sea rubio, su tez no es rojiza ni pecosa. El sol real y el Vampisol ficcional funcionaron. Sus hijos con Lola nacerán mostrando antes los colmillos que los incisivos pues también serán fruto de otro mestizaje, digamos que vertical en cuanto a estratos de la narración, y mucho más simbólico por tanto, el mestizaje entre el mundo de las personas humanas y el de los vampiros.

La manera de protegerse del virus de la insolidaridad, ya sea esta xenófoba o neoliberal, es seguir mestizando conocimientos y avances culturales. El mestizaje mejora la especie. Eso es algo obvio para muchos a día de hoy, pero es algo que sigue siendo un tabú para quienes preferirían un mundo con castas por causas económicas y por tonos de color de piel.

Mestizos y mestizas de todo el mundo, uníos. Y ved esta peli si no la visteis aun. ¡Vampiros en la Habana! merece reediciones, con subtitulados a cien idiomas y comentarios en off. La edición especial con su secuela y con los cortometrajes Filminuto está bien, pero no llega a ser una edición internacional, y su asunto lo merece, por más que sea un film camino de sus 40 años.

Y Juan Padrón (1947-2020) merece nuestro agradecimiento eterno por poner en 69 minutos, con humor y con agudeza intelectual, un retrato de la triste realidad de nuestro mundo, aun dominado por clanes mafiosos. Y también una receta para cambiar a mejor, y no a peor, esa realidad.

Si este título no está por debajo de lo pasable es porque no deja de ser 'moralizante en el buen sentido' y porque la intriga se mantiene constante sin dejar de tensar lo tensionable. Pese a ello hay casi todos los giros son previsibles y en el tramo final de la película uno tiene la sensación de que se ve muy fácilmente lo que va a acabar pasando.

Narrativamente los dos momentos bomba + caballos están justamente en su sitio, cada uno de ellos, y eso equilibra bien el conjunto. Pero falta quizás un malvado con cara y ojos. Lo más que vemos son eso, abogados de los demonios y esbirros de los mismos abstractos demonios.

Lo que engarza toda la película son las caras de Clooney, si vale ese plural, pues Clooney pone siempre la misma cara, ya sea para vendernos café o para simular emociones. Desde el mismo título lo protagonista es el protagonista. Buena percha, sin duda, pero el traje me gustó mucho más en Abierto hasta el amanecer, Up in the air o The descendents, por poner ejemplos. No es que sea mal actor, es que está dibujado así.

Por otro lado, que la señora Swinton se llevara un Oscar a secundaria me parece mal, pues su papel es más bien cuaternario, pincha muy poco y en hueso, no lo hace mal, no, pero no se trata de nada que sea realmente memorable. Saoirse Ronan se lo merecía bastante más, ese año, me parece.

Todo lo que se retrata es la podredumbre del sistema, e irónicamente, lo bien que se perfuma este y lo fácil que le resulta eliminar a quienes desertan y quieren abrir la boca para denunciar sus monstruosidades.

Recuerdo que la primera vez que vi esta cinta me marcó de por vida. Es sin lugar a dudas una de mis películas favoritas. Cada vez que la revisito vuelvo a maravillarme. No le encuentro defecto ninguno. Está hecha a medida de los tres genios que se interrelacionan en ella. El coreógrafo y filósofo del espectáculo, Bob Fosse; el maestro revolucionario de los monólogos socio-políticos, Lenny Bruce; el pequeño gran actor que contagia la ficción de realidad, y viceversa, Dustin Hoffman.

La fotografía, más que en blanco y negro, es en luces y sombras. O quizás en focos y calabozos. En carcajadas explosivas y silenciadores martillazos de juez. La metáfora está servida: Lenny destapó una manera de pensar y sentir la comunicación a través del humor. Ese arma no violenta, el humor, la sátira incontestable e irreprimible, tan peligrosa para los garantes de privilegios.

Aunque Lenny Bruce fue constantemente víctima de la represión ejercida por la mojigatería wasp, y aunque incluso nos quede siempre la duda de si no fue asesinado, aun así su legado se conserva. Lo tremendo es que sus vinilos y sus grabaciones están ahí, pero es este film de 1974 el que marcó a fuego en la historia su personal e irrepetible huella.

Casualidad o no, hay un paralelismo durante los años setenta: Coppola entre sus dos primeras partes de El Padrino, filmó una extraordinaria 'La conversación'. Menos prolífico como director, entre Cabaret y All That Jazz encontramos esta simpar película de Bob Fosse. Eso me recuerda aquel dicho de que las mejores confituras van en los tarros pequeños. Queda en un plano el cine estelar y queda en otro el cine menos (re)conocido pero esencial.

Hace ya muchos años, tras ver este Lenny "de Fosse y Hoffman" pude entender mejor los sesenta, los setenta, los cincuenta...; lo de los judíos, lo de los puritanos, lo de los negros...; lo de la censura, lo de la pornografía, lo de la hipocresía...; lo de la enfermera, lo de la enfermedad, lo de las curas paliativas...; lo del éxito, lo del engaño, lo del fracaso... Pude entender mejor este perro mundo y cómo en él algunos maullidos tienen alcance universal. Caiga quien caiga, e incluso si cae quien no debería haber caído.

Es un diez. De guión, de montaje, de fondo, de forma, de mensaje, de actuaciones, de cinematografía... De todo. Un diez como una catedral, una obra de arte como hay pocas. Y ahí está, acercándose a su medio siglo. Y tan repleta de fuerza y de verdad como el mismo día de su estreno.

El desorden de los factores no altera el producto: dos y dos son cuatro.

Hay cuatro protagonistas, dos parejas desemparejándose, y algunos pocos personajes tangenciales,

También hay dos idiomas y el salto entre ellos lo hilvana la banda sonora de Theo Abazis, de un minimalismo que recuerda al de Wim Mertens. El sonido es pues parte del encanto, y ese paralelismo/bilingüismo una experiencia curiosa. Al fin y al cabo el tono es siempre, como el clima, el mediterráneo.

Aunque podría considerarse que se peca de esteticismos, el montaje, las imágenes, las fotos dentro de las imágenes, el vestido y los zapatos rojos, los globos, las luces de la noche y de los puertos, todo conforma un conjunto que, más allá del orden o desorden argumental, nos dejan la sensación de haber asistido a algo, sencillamente, bello.

El poster, con la foto del cielo de la plaça Molins, rincón mágico de la Ciutat Vella, fue lo que me despertó el interés por la película. Una vez vista, esa foto -repetida miles de veces en internet- es una buena metáfora del largometraje: planta octogonal con dos fachadas, una frente a otra, como las dos historias,..

Filmin ha ofrecido del 2 a 6 de diciembre el octavo Off-side, festival de cine documental de fútbol, incluyendo una retrospectiva Juanjo Giménez con sus cuatro cortos, de 1997, 2005, 2009 y 2020.

En 1997, "Libre indirecto" incluye la frase y la idea de que *El fútbol es así, como la vida*. Y lo hace con una sola escena enfocando la portería y casi sin mover la cámara.
En 2005, "Máxima pena" es un salto hacia adelante. Un corto que desde la ironía del título hasta el más pequeño de los detalles es un guión digno de premios, los recibiera o no. En este segundo ya aparecen movimientos laterales de la cámara como parte sustancial de la historia. Las tres generaciones de mujeres, los tres suplentes, y el protagonista y el cameo del portero titular en 1997, todo orquesta un cortometraje que considero ejemplar, incluso en sus títulos finales. Me entristece que su ficha en FA lo tenga por debajo de los cinco puntos, para mí es otro notable.
En 2009 Rodilla es una obra más compleja, con un guión más clásico, diferentes escenas que muestran distintos días, todo en una especie de homenaje a todo aquello que une el fútbol a la vida, a las nostalgias y a los cromos en tanto aquellas pequeñas cosas.

Ya había visto hace tiempo los tres y por tanto me faltaba ver este último: Ascenso.

Juanjo Gimenez vuelve en 2020 a lo esencial de sus dos primeros cortos. Cámara casi fija durante largo tiempo, unos diálogos potentes que son los que dibujan la historia y su ritmo, momentos tragicómicos como cuando Miki Esparbé dice aquello de "¿verdad, Lucas, que te has comprado un coche?" y el encadenamiento de la mano del capìtán votando con el traslado al otro lado de la pared del vestuario/escenario.

La cuestión es que el cortometraje consigue hacernos reflexionar. esta vez también, y tan bien como lo hacen las metáforas deportivas, que son las más fáciles de entender, cuestiones sobre la vida en general y las vanidades y las dignidades y las traiciones y sus causas. Todo con pases rasos y al pie.