En el santoral cristiano abundan, como beneficiarios del privilegio de la santidad, multitud de personas que se retiraron de la sociedad buscando refugio en la naturaleza. Rezaban por el resto de seres humanos víctimas de la codicia, instigadores de violencia o ignorantes del amor de Dios. Dentro de este colectivo de ermitaños habría de todo: orates, holgazanes y, por supuesto, verdaderos buscadores de la perfección espiritual. Éstos últimos, convencidos de que su oración y retiro ayudaban a mejorar el mundo, serían personas sensibles a la belleza de la naturaleza y la perfección de sus mecanismos. En todo ello sentirían el amor de aquel que pudo fabricarlo.
Chris Mc Candeless con 22 años en 1991, recién licenciado en la universidad, decide abandonar su cómoda vida, un futuro prometedor y exitoso, para buscar en la naturaleza las razones de su infelicidad y sentirse libre. Para ello recorre parte de EE.UU con la obsesión de llegar a Alaska.
Si este chico era tal como nos lo muestra Sean Penn en “Hacia rutas salvajes”, no fue un loco ni un vago, sino un ser excepcionalmente maduro para su edad, precozmente asqueado de su, aparentemente, privilegiado entorno y, a la vez, esperanzado por encontrar la felicidad. Fue un asceta contemporáneo laico.
La película es bellísima. En todos los aspectos. Panoramas espectaculares de campos inmensos, desiertos, frondosos bosques y montañas inalcanzables. Si viéramos esta obra con los oídos tapados también comprenderíamos su sentido, pero el guión es tan preciso que cada frase está llena de trascendencia. Nada sobra y todo merece ser escuchado. El conjunto de texto, imagen, música, interpretaciones y arriesgado montaje está impregnado de una hermosura que acongoja.
El espectador, como nuestro protagonista, debería entrar a la sala de proyección abandonando, al menos mentalmente, la pequeñas o grandes ataduras cotidianas. Si además su edad ronda los veinte años, al día siguiente querrá echarse la mochila a la espalda. Eso sí tomando ciertas precauciones…
Como en toda road movie, existe el encuentro con otros viajeros. El contacto con ciertos arquetipos humanos (hippies añosos, veteranos de guerra, individuos violentos, seres urbanos marginales) describen parte del pasado y el presente de EE.UU.
La historia se estructura en cuatro capítulos, Adolescencia, Edad adulta, Familia y Obtención de la sabiduría. Una gradación de aprendizaje que a la mayoría nos lleva toda la vida y sin la garantía de alcanzar el último capítulo. Sin embargo, Alexander Supertramp hizo el master en dos años. Le salió caro.
El primer pensamiento que se lee en la pantalla pertenece a un texto de Lord Byron: ”no amo menos al hombre, sino más a la naturaleza”. Cuando Supertramp ha alcanzado la sabiduría escribe: “la felicidad sólo es real cuando se comparte”.

Si queremos recuperar la inocencia como espectadores, y sentarnos delante de una pantalla con el ánimo dispuesto a dejarse llevar y deslumbrar por la belleza de un sencillo cuento, donde hay buenos y malos, La antena nos brinda la oportunidad perfecta. Nos sentiremos en la piel de aquellos primeros testigos del cine, de mirada intacta e ingenua. Nada que ver con lo que nos hemos convertido: cinéfilos cubiertos de escamas escépticas entre las que rara vez se cuelan el asombro o la admiración hacia una nueva historia, y que aspiramos, al menos, a no mirar el reloj hasta que salimos de la sala. Por eso, si pasados los primeros minutos de proyección, no hemos conseguido desprendernos de nuestras escamas, asistiremos solamente a una simple y obvia alegoría sobre la falta de libertad de expresión que imponen, paradójicamente, los dueños de los medios de comunicación que silencian la voz de la sociedad y anulan el pensamiento individual y crítico. Merece la pena, por tanto, disfrutarla, además, como ejercicio de poesía visual que recoge, entre otras, influencias del cine expresionista de Murnau o guiños y homenajes a la magia de Méliès. Es un filme en blanco y negro, prácticamente mudo. Como el cine antiguo, también es mudo para los ruidos; todo el sonido está “pegado” a la película, de manera que se realza ese tono naif. La falta de voz de los personajes se compensa con la gestualidad, la caracterización, el maquillaje, textos que interactúan dentro de la imagen y una hermosa y elocuente banda sonora. Pero no se trata sólo de reproducir una estética reconocible sino que también sorprende, continuamente la original puesta en escena que desborda creatividad y ternura.
Detrás de este regalo cinematográfico está el director argentino Esteban Sapir, que ha dedicado muchos años para hacer real un sueño. Previamente al rodaje, toda la película estaba dibujada, plano a plano, en un impresionante story board de 4.000 dibujos hechos por él mismo. Aunque hay una sofisticada labor de postproducción digital, siempre que pudo utilizó maquetas y efectos ópticos para parecerse más al cine primigenio.
En cuanto a los actores, esta es una película donde han tenido que ser muy generosos. Sus papeles parecerían fáciles, por esquemáticos, pero. acostumbrados a ser intérpretes con voz, el tener que trabajar suprimiendo su instrumento fundamental, suponía actuar bajo un cierto síndrome de mutilado, aceptando ser un engranaje del espectáculo; no los protagonistas.

Aunque La antena se presentó en Festival de San Sebastián de 2007, en la sección “Horizontes latinos”, tal vez no fuera vista por los críticos de cine o éstos la verían con las escamas puestas… Después de su estreno comercial en mayo de 2008 sólo pasaron por taquilla 5.500 espectadores. Este es el drama de la pequeñas distribuidoras que arriesgan para ofrecernos joyas y no nos enteramos.

El director de La soledad, Jaime Rosales, no soporta el contacto físico. Notar el roce de alguien en su piel le produce asco. Paradójicamente, el espectador de esta película saldrá de la sala con la piel de la emoción desgarrada.
Para este cineasta “el cine tiene que ser herramienta de conciencia y de conocimiento” y, para ello, apuesta por un estilo radical, sin ninguna concesión a lo fácil o lo vistoso. Él, que no vive de hacer cine -trabaja en el sector inmobiliario-, dice de sí mismo: “soy un señor que tiene su trabajo serio, que se ocupa de su familia y se integra en la sociedad sin resaltar”. Sin embargo, en su actividad fílmica utiliza un lenguaje arriesgado e innovador, sin efectismos huecos. Precisamente con su gramática visual la sinceridad del relato se vuelve más potente.
En La soledad, Adela, una joven separada con un hijo, y Antonia, una mujer con tres hijas ya adultas e independizadas, son las protagonistas. No se conocen, sus vidas tienen solamente un fino hilo común. Asistimos al discurrir cotidiano de sus existencias que son como las nuestras o las de alguien que podamos conocer. Tienen su familia, sus amigos, su trabajo. Las vemos planchando, a la hora de comer. Escuchamos conversaciones llenas de frases que todos hemos oído o pronunciado. Pero Rosales nos hace ver en todo esto algo más y de otra manera. La pantalla se divide en varias ocasiones en dos imágenes, lo que da una perspectiva emocional diferente según veamos al personaje de frente o de perfil. La cámara no se mueve jamás. Son los sujetos quienes entran o salen de plano. La música, inexistente.
Mientras la vida sigue avanzando en la película, la amenaza de la muerte se presenta. ¿Cómo reaccionar ante su inminencia o su irrupción violenta? Esa es la soledad a la que, yo creo, se refiere el título. Cuando la muerte o su posibilidad se abaten sobre un ser querido, enfrentarse a esa nueva circunstancia es conocer también una nueva soledad. Pero el resto de los acontecimientos vitales sigue su curso: hay que seguir trabajando; seguir alimentándose; el precio de los pisos continúa subiendo y en el cesto de plancha la ropa se acumula.
Aunque la morosidad imprime toda esta aparente rutina, Adela, Antonia, sus familias y amigos son tan cercanos, tan reconocibles que les seguimos, sin parpadear, en cada movimiento, en cada lugar común que habita en los diálogos. Aprendemos a quererles incluso cuando no estamos de acuerdo con sus actitudes. Pero es que son como la gente que conocemos, con su virtudes y sus mezquindades. Es como si viéramos a nuestros vecinos en una película y a través de ellos tomáramos conciencia y descubriéramos aspectos de nuestra propia vida. Soy la primera sorprendida de que una narración tan austera atrape y emocione de tal manera. Me pregunto: ¿será una obra maestra?

Creo que hay una epidemia de series que en realidad son largometrajes en porciones. ¿Dónde están aquellas series que te enganchaban desde el primer episodio? Cada capítulo era una historia cuyo desenlace abría otra para el siguiente. Ahora, si llegado al tercer episodio no ha conseguido interesarme, no sigo perdiendo mi tiempo., En el cine estrenan películas cuya duración da para una miniserie y las plataformas hacen series que son largometrajes troceados. No entiendo nada.
Upright es otra más del montón pandémico: bien producidas, bien interpretadas pero un coñazo.

Decepcionante. Esta película me ha parecido un episodio malo de “Cuéntame”.Las interpretaciones, excepto las de CarolinaYuste y Pablo Verdarguer, flojas y descuidadas ( ¿fallo del director?). La escritura de los personajes, plana y superficial. El doblaje sin sincronizar en muchos momentos. ¿ Por qué se han doblado o da esa sensación? Es un guión facilón. Lo mejor: Las canciones y CAROLINA YUSTE ( No se la pierdan en El cover).