Capaces de aterrorizar en 3 minutos mucho más que películas en 90, los hermanos Muschietti captaron la atención de Guillermo del Toro con este estremecedor cortometraje (ver aquí) que ha dado pie a uno de los filmes de terror mainstream más notables de los últimos años (junto a Sinister o La mujer de negro). Con ecos a la japonesa Dark Water (2002), Mamá es un claro ejemplo de cómo jugar con las convenciones del género sin caer en el simple cliché. En este caso, los recursos típicos del cine de terror están al servicio de la historia y no al revés, consiguiendo sobrecoger con las potentes imágenes y ambientación a la vez que se nos narra un arduo drama social con tintes trágicos.

Estáte atento a: al magistral plano que nos muestra al mismo tiempo el pasillo y a una de las hermanas jugando dentro de la habitación y la tremebunda interpretación de la actriz que encarna a la hermana pequeña, Lilly.


Adrián Peña (@thebigkahuna3)
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Que el título y el argumento de la película no os confunda. Las ventajas de ser un marginado no es otro filme indie más sobre las bobadas de la adolescencia. Es sorprendente la madurez y sensibilidad con la que aborda temas mil veces tratados de formas banales o en clave de comedia absurda norteamericana como son el primer amor o las correrías de instituto, sin resultar ridícula. Stephen Chbosky adapta y dirige su propia novela homónima sobre la iniciación en las experiencias de la pubertad de un quinceañero que esconde un oscuro suceso en su vida que poco a poco se nos irá revelando hasta culminar en un clímax final tremendamente inquietante, a la vez que emotivo.

Estáte atento a: el uso de la música diegética como canalizador de los sentimientos de los protagonistas y la interpretación del futuro talento Ezra Miller.


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Un chico con trastornos bipolares conoce a una chica con ciertos problemas de comportamiento mientras ambos intentan estabilizar sus vidas. La historia, por mucho que David O. Russel intente convencernos de lo contrario con los excéntricos perfiles de sus protagonistas, es de lo más convencional del mundo (sin que ello implique que sea mala). Una comedia romántica agradable de chico conoce a chica, con los actores jóvenes de moda (Bradley Cooper y Jennifer Lawrence), que consigue transmitir hilaridad y emotividad en sus momentos más psicóticos gracias a unas excelentes interpretaciones de los protagonistas y del elenco de secundarios capitaneados por el gran Robert De Niro. Película que seguramente dé la campanada en los próximos Oscar.

Estáte atento a: los momentos que Cooper y Lawrence comparten minutos y el momento "baile" final.

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Takashi Miike, un cineasta siempre dado al exceso, parece haber encontrado en Harakiri (Seppuku) de Masaki Kobayashi la continuación del camino que ya inició con 13 asesinos hacia un cine más contenido y formalmente más clásico. Ello nos demuestra que el autor de Dead or alive (1999) es capaz de canalizar todo ese derroche de visual y encauzarlo hacia un lirismo tendente a la moderación.

En este remake del filme de Kobayashi de 1962, se trata la violencia de una manera implícita. No vemos las características secuencias impetuosas a las que nos tiene acostumbrados Miike, sino que la belleza de las imágenes que contemplamos contrasta con el terrible dramatismo y la tremenda violencia que esas mismas imágenes contienen. Se podría decir que Hara-Kiri: Muerte de un samurái es una epopeya intimista con tintes de tragedia griega.

“Menos es más”, parece haber querido transmitir Miike a los espectadores contándonos una historia con una gran carga emocional y simbólica que trasciende más allá de su sencillo planteamiento. En el siglo XVII, Hanshiro, un samurái pobre, solicita llevar a cabo el suicidio ritual conocido popularmente como el Harakiri en la residencia del clan Li con el fin de morir dignamente.

Este punto de partida desgrana un relato donde el amor, la traición, la venganza, el honor, la civilización japonesa de la época y los códigos samuráis tienen lugar, pero, a pesar de centrarse en unas costumbres específicas de un período histórico concreto y de un grupo social —los samuráis— propio de una cultura diferente a la occidental, el mensaje que Miike transmite es universal.

El sufrimiento humano que los personajes padecen en el filme trasciende épocas, países y culturas. En esencia, lo que el cineasta nipón nos está expresando es el rechazo a la imposición a raja tabla de una serie de normas o leyes por parte de un poder superior incapaz de sentir compasión por los problemas ajenos. De ahí que las dos secuencias más representativas del filme sean las únicas en las que Miike nos muestra la violencia de una manera más explícita. La recreación en el harakiri con la espada de bambú refleja la cruel intolerancia del poder (por su férrea creencia en las normas de conducta samurái) hacia la piedad y, la increíble batalla final, no es otra cosa que la representación de la lucha de los valores humanos y solidarios (personificados en Hanshiro y su sed de venganza) contra la tiranía y la intransigencia (personificadas en los guerreros del clan Li y, sobre todo, en la armadura roja dentro de la residencia) del autoritarismo.

El ritmo y la fuerza con la que inicia la película decaen en cierta medida hacia la mitad de la misma. Si el uso de flashbacks para narrar la historia genera interés en el espectador, la excesiva recreación de Miike en los hechos que llevan a Hanshiro a tomar la decisión de practicarse el harakiri, sobrecargan a la cinta de escenas que redunda en una idea que podría haber sido contada con menos minutos de metraje.

A pesar de ello, Harakiri: Muerte de un samurái se presenta como una obra de una impecable factura técnica, que desprende ternura en sus momentos más humanos y una imponente vehemencia en sus momentos más intensos, en la que la narración fluye, como si de una poesía se tratase, hacia el final trágico al que, inevitablemente, está predestinada.


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Cuando hay calidad se nota. Ya sea en una superproducción (véase Origen con Christopher Nolan) o en pequeñas producciones como esta película. Qué grande es Danny Boyle, que, de una historia que no se puede sacar mucho jugo, con su enorme creatividad y talento consigue sacar petróleo, ayudado de un James Franco que sorprende con una actuación muy realista (equiparada a la de Ryan Reynolds en Buried).

Parecida en su planteamiento a la española Buried (en lo referente a la lucha por la supervivencia de un hombre en una situación totalmente adversa), cada director resuelve la situación de dos maneras totalmente diferentes (y ambas con un resultado muy bueno). Mientras Boyle hace referencia al pasado y pensamientos del protagonista mediante flashbacks y otros recursos (el sueño de la tormenta), Rodrigo Cortés se centra sólo en el presente, en la lucha a contrarreloj que su protagonista ha de llevar a cabo para salir de la situación en la que se encuentra, sin "darle" un segundo de respiro para centrarse en sus imaginaciones o recuerdos (93 minutos íntegros de Ryan Reynolds).

Supongo que a Boyle se le criticará de un montaje demasiado visual y "videoclipero" que no deja identificarte con el personaje y sentir lo que él siente, que se centra más en la estética que en la historia, pero yo realmente me emocioné con el tramo final del film. Precisamente es esa manera de rodar la que me hace sentir la frustración, la locura, la soledad y los deseos que el personaje tiene a lo largo de la película. Los recursos que utiliza Boyle (primeros planos, batería de escenas que le dan un colorido espectacular, banda sonora emocionante...) son los que hacen de esta película una película emocionante, entretenida y hacen que desprenda una energía, un positivismo y unas ganas de vivir sorprendentes. Una pequeña joya!

Realmente admiro la capacidad de este director de crear la atmósfera adecuada para cada una de sus películas (28 días después y Trainspotting son claros ejemplos) que hace que me meta de lleno en la historia que me está contando.