Hasta ahora sigo sin entender porque no nominaron a First man y a Isla de perros a mejor película en los oscares que son mejores que La Favorita y Roma

En su primera mitad maneja con elegancia la narración siendo el punto de vista crucial en su estructura hasta que se revela el secreto de narrador siendo este en lugar de fortalecer el relato lo vuelve farragoso, como toda la secuencia de México pasando a ser un mero ejercicio de virtuosismo. Siendo predecible esos últimos veinte minutos de epílogo. También es de extrañar el uso de la parte sonora siendo los efectos de una extrañeza que interrumpen la cadencia del relato.

Tampoco el que escribe es entusiasta de ponerla en los altares de la animación europea reciente, quizá por el arribo reciente de dos obras maestras de la animación gala pero si es una recomendación bastante apreciable debido al riesgo asumido especialmente en su primera parte donde el dibujo es el arte de la memoria.

Emparentada temáticamente como profesionalmente con The Killing Fields, obra maestra de Roland Joffé, ya que ambas tratan sobre el tema del genocidio Camboya por parte de los comunistas y ambas son óperas primas de sus directores, el francés opta por unas formas más clásicas que recuerdan al Spielberg de la también magistral Empire of the Sun y en los usos del plano general recuerda mucho a Lean por su expresividad, también del británico rescata ciertas ideas conceptuales de Doctor Zhivago, ya que lo totalitario nunca podrá matar al amor y la belleza.

Es el amor el mayor eje temático de la obra, el amor por la familia, por la pareja y por la progenie perdida. Lo primero es manifestado desde los momentos iniciales, reunidos todos en la cena ante una paz manifestada tanto en lo externo, en esas calles llenas de vida y pequeños corriendo como en lo interno, esos espacios familiares como aquel encuadre donde se presenta a ese microcosmos con la mirada perdida hacia esa paz exterior, posteriormente en las escenas del obligado escape esta se reúne, conversa, manifiesta esa unión, pero con una desesperación por el futuro incierto, recuerda mucho a las formas de Polanski en The Pianist, sobretodo en su inicio.

La historia de la relación marital es la de mayor carácter expresivo, convirtiendo a los pequeños gestos, las acciones contenidas en muestras de la más alta poesía, una escena en particular cobra un significado que se manifestará a lo largo de la obra ese plano corto con sus personajes de perfil donde el esposo sopla moviendo los delicados cabellos de su esposa con el viento, a través de este gesto tan simple pero narrativamente importante se nos irá marcando el tono de la historia y como esto irá repercutiendo en sus protagonistas, como en la secuencia final. El amor filial es otra de las máximas expresiones artísticas de la película, los personajes miran hacia arriba como esperando una esperanza de reencuentro, la lluvia condensa la agonía de la tristeza, con close up llenos de potencia visual, en el reencuentro es el encuadre quien habla, dejando que los movimientos de los personajes creen la emoción verdadera, por ejemplo.

Sovanh en su odisea por sobrevivir busca la belleza de la vida también manifestada en la banda sonora de Thi­bault Agyeman donde acordes más agradables lo hacen resistir el horror que presencia, busca la compañía de una lagartija o unos patos en un riachuelo, esto es lo que más la hermana con la obra de Spielberg, pero también la compañía humana como de aquella niña que junto a él intenta sobrevivir como en esa categórica escena donde este le da una flor y está es rota por el golpe del bastón del uno de los guardias y en aquella donde su sacrificio se muestra fuera del plano dando una de las escenas más tristes de la animación reciente, reflejada en los ojos de Sovanh.

La otra temática central de la película es el horror, siendo este sugestivo, se manifiesta en la expresividad de los rostros de las víctimas, en los sonidos de los fusiles, en los brillos de la pólvora al estallar, siendo estos elementos visuales y sonoros potentes al igual que poderosos en las formas cinematográficas, también se manifiesta el horror interno, siendo esta en el horror a perder toda esperanza cuando una de las integrantes opta por el suicidio después de ser abusada, ese horror también se manifiesta en la madre de esta muchacha al ver los pies de su hija colgando de la rama de un árbol y el horror ante lo incierto del futuro, como cuando tiene que cruzar aquel rio lleno de minas al inicio o cuando la lluvia condensa el temor a subirse al bote que los aleje de su hijo.

Una esperanza contenida abraza el final del film con ese plano general que luego la cámara hace un traveling hacia la distancia inmensa que les queda para llegar a Tailandia simbolizado aquel camino inmenso que tuvo que pasar el pueblo camboyano para sobrevivir al horror y que nosotros no debemos olvidar jamás.

Alguien entendió el final para mi es una realidad alternativa donde Norimichi y Nazuna se van a Tokio

La dirección de Shinkai es notable y como siempre enfatizando en la relación entre personajes especialmente los momentos de intimidad cuando los sentimientos se manifiestan pero no resultando empalagoso sino muy humanos además de manifestar muy bien el silencio este es usado cuando nuestros protagonistas caminan por la noche en una Tokio colmado primero por la lluvia y luego por la nieve cuando el clima ha enloquecido por una causa de la que hablaré más adelante y se termina de formar el vínculo emocional entre los dos protagonistas, otra escena que es de una gran carga emocional es la confesión de amor ya que al ser de un tono inocente es más pasional por la edad de sus protagonistas donde las reacciones emocionales son más intensas y con las promesas clásicas de amor eterno pero que aquí no se vuelve algo cargante sino que sabe mantener la elegancia de ese momento.

Mucho se habló del guión, en algunas críticas se manifestó que los personajes eran egoístas por la decisión final, no lo vería de esa manera ya que al final es el devenir una cuestión natural de las cosas y el hombre quería alterar ese devenir con un sacrificio como manifiesta uno de los personajes.Hina y Hodaka cumplen una función interesante en la historia especialmente la abnegada Hina que tiene que ser el soporte de su familia que ha quedado la deriva tras el fallecimiento de la madre ejemplificando el tema principal de la película el sacrifico tanto en un aspecto positivo por la actitud de Hina para con su hermano como negativa con el tema del uso de las personas del servicio de la Chica del Clima y como ella acepta ser el sacrificio final para que la humanidad rompa ese devenir natural llevado al final a su personaje a aceptarse y valiendo por sí misma cuando decide ser rescatada por Hodaka, hablando de nuestro protagonista es un joven entusiasta cansado de la rutina de su pequeña isla y que literal decide escapar hacia la luz del futuro que se manifiesta en Hina, el aprende a valorarla no solo como un interés amoroso sino como persona cuando él se arrepiente de ponerla en tan difícil situación y aquí viene uno de los puntos más interesantes del film, que existe un claro homenaje a Sleeping Beauty de Disney, que este film es una reafirmación de la fantasía clásica, especialmente en el tercer acto donde Hodaka como Philip emprende la misión de liberar a su princesa del castillo en este caso de nubes asediado por sus perseguidores luego de escapar de la prisión y como tres personajes van a ayudarlo como hicieron las hadas para que Philip despierte a Aurora siendo estos también importantes para la trama. Los secundarios tienen arcos importantes como el de Suga y la relación con su hija y los sacrificios que tuvo que hacer cuando su esposa murió, también está el hermano de Hina que cumple una función cómica con ese arco de casanova con sus dos parejas.

El montaje es frenético y le da dinamismo a la historia, crea microtramas y las cierra como cuando suena el tema “Celebration” o el collage de Hina cuando Hodoka la recuerda en su caminata en las vías del tren y en la secuencia de persecución que está bien montada brindando una tensión ejecutada limpiamente que si se hubiera alargado un poco más hubiera habido una elegante referencia a The French Connection.

En conclusión un extraordinario trabajo de artesanía compuesto con una animación magistral, dirección sobresaliente y una buena historia pero que se queda por debajo de la maestría absoluta de Shinkai que manifestó en 5 Centimeters per Second y Your Name aunque supera con creces el resto de su filmografía y en concreto genera una empatía con el espectador por sus personajes que intentan moverse por un mundo que le es adverso y los separa tanto físicamente como en el plano personal como los sacrificios que deben hacer para que la pasión amorosa no desaparezca.

Reseña escrita para Oasis del Cine - Facebook