Es una de las películas con mayar dosis de realismo filmadas por Rossellini. De eso no hay duda. Alemania año Cero se constituye como un verdadero documento histórico de la posguerra alemana, constatando a todas luces la invalidez del orden establecido y las crudas consecuencias de un conflicto armado eterno. El compromiso vivo e inmortal de la cámara del director italiano no nos despega ni un instante de la tragedia colectiva de un país hecho pedazos y que quedaría marcado de por vida por los dolorosos estragos de la guerra.

Los escenarios reales son auténticamente dantescos. Es un infierno hirviente con mayúsculas. Los travellings de las ruinas requemadas de grandes edificios berlineses y las antaño preciosas avenidas de la ciudad ahora repletas de cráteres y montones de escombros te ponen los pelos de punta. Todo ello como telón de fondo de la miseria y la pobreza extrema de sus habitantes, que son ejemplos claros de los límites físicos y psíquicos del ser humano.

Edmund nos hace partícipes de lo irremediable con bofetadas de realidad. Un final inolvidable y durísimo que arranca lágrimas de las de verdad.

Lo cierto es que la película no está nada mal, la verdad, pero no alcanza ni de lejos el contenido del libro, ya que multitud de detalles que a mi juicio son imprescindibles para entender el comportamiento del protagonista, en la película son obviados. Aún así, Juan Diego Botto hace un buen papel acercando al espectador un modo de entender la vida que hoy día parece el único que puede dotar de sentido nuestra existencia. El actor es el reflejo de las frustraciones y de la falta de oportunidades que configuran su personaje, cuya cualidad más interesante es el deseo de eliminar los sentimientos de su vida pues los considera totalmente inválidos para seguir adelante.

Hay varias escenas muy buenas que reflejan el salvajismo del adolescente, repletas de fuerza y descontrol, algo a lo que sin duda contribuye el aporte de rabia y agresividad de Botto traducidos en su mirada fría y repleta de mala hostia hacia todo el mundo. Personalmente me parece un actor buenísimo, con un registro espectacular si se le sabe explotar, y unas dotes de interpretación que seguramente estén rozando lo magistral y que en Historias del Kronen se anuncian a gritos.

De todos modos, sigo diciendo lo mismo que dije al principio. Ni mucho menos es una película mala, pero el libro le da cien mil vueltas, especialmente si lo has leído varias veces y, del mismo modo, has visto la película unas cuántas veces. Todo lo que en su visionado parece tratado a pinceladas y se queda a medias, en el libro lo tenemos desmenuzado detalladamente pudiendo configurar un esbozo de la atractiva y peligrosa mentalidad del personaje principal: Carlos.

Sin duda alguna, Un Tranvía llamado Deseo es de las mejores películas que he tenido la gran suerte de ver en mi vida. Un film basado en la inmortal obra de Tennesee Williams que cuenta con todos los factores necesarios para haberse convertido en mito cinematográfico de primer orden. Bajo la narrativa dirección de ese gran maestro que fue y es Elia Kazan, y el escenario inimitable de la ciudad de Nueva Orléans, los actores bordaron unos papeles que les fueron como anillo al dedo para demostrar al mundo entero de qué casta están hechos los auténticos iconos del cine y el por qué su huella permanece y permanecerá imborrable en la gran pantalla a lo largo del tiempo.

Con su papel, sumado al de Scarlett O`Hara en Lo que el Viento se Llevó la grandísima Vivien Leigh se superó a sí misma dejando su indiscutible sello personal impreso a oro y fuego en los anales de la historia del cine de todos los tiempos, pues sin duda alguna, ejecutó con brillante maestría una de las más complicadas, perfectas y reales interpretaciones que ha dado el cine en toda su historia. Esa chulería escupida a la cara, esa lucha interna en la que trata de aferrarse a sus raíces y a su pasado, ese victimismo embustero y pedante, y la caida en el abismo de la locura encubriéndola por todos los medios con malas artes la hicieron bien merecedora de su segunda estatuilla convirtiéndola en mito imperecedero. Pero bien es cierto que esta maravilla de película no puede entenderse sin la aportación magistral de Marlon Brando en plena apoteosis de su belleza salvaje y adolescente, bordando un papel que requería esa fuerza casi bestial recubierta por su ego masculino tan sobresalientemente interpretado por este actor que comenzaba a forjar su leyenda de icono de masas y mito cinematográfico.

Una película imprescindible y básica para entender el significado del cine, donde podemos apreciar claramente una química mágica y casi celestial entre estos brillantes actores, que junto a su director, nos regalaron uno de los mejores dramas de todos los tiempos, imperecedero y perdurable en la memoria de los verdaderos amantes del séptimo arte.

Sin ninguna duda es la película que mejor muestra la crudeza de la muerte en una sociedad que decepciona y agoniza a cada minuto de reloj.

Kieslowski nos muestra al hombre ensayando su final social sin posibilidad de renovación. Y buenas pruebas de ello son el asesinato individual como el colectivo, cuya narración cinematográfica es ejecutada con brillantez a lo largo de la película. De ese modo, el acto de matar se acerca al espectador con un realismo impresionante, describiendo un momento que parece impensable poder vivir personalmente. Asimismo, la representación de la pena de muerte de ese modo tan frío y tan deslizado fuera del mundo en "No Matarás" es la mejor prueba de la devastación del individuo a nivel social.

Película imprescindible para comprender que el hombre, la mayoría de las veces, se constituye como un accidente del mundo imposible de subsanar.

Esta película debería haber sido un soliloquio de Marlon Brando. No se puede entender de otra manera. Los momentos en los que el actor aparece en la pantalla son mágicos porque nos traspasa su sentir individual para transformarlo en colectivo. Pocas veces he visto el sufrimiento humano mejor interpretado por un actor: la tristeza recorriendo cada rasgo de su rostro, el abatimiento reflejándose en cada paso que da, la aflicción llenando sus ojos, el pesar rompiendo su voz y su concepción de la realidad... Por eso cada vez que aparece el personaje femenino (exceptuando alguna ocasión), el espectador se revuelve incómodo porque no desea para nada su presencia, pues únicamente quiere dejarse entristecer por la potencia interpretativa de Brando.

Grabada en mi retina está esa imagen del esposo frente al cuerpo yacente de la esposa. Nunca antes había visto una carga de dolor tan intensa y profunda como esta. La tristeza elevada al máximo exponente, siendo casi metafísica y etérea, acuñando un concepto espiritual que traspasa cualquier límite establecido.

Y la contribución del aura melancólica de un París que parece derrumbarse paralelo al personaje es inmejorable. Los exteriores e interiores son dignos de alabanza. Pura poesía en la pantalla que nos aporta la desestructuración del individuo.

Pero para dar el toque puteante se añade la relación estúpida e insustancial de la actriz (Schneider) y el director de cine (Léaud). ¿Qué puede aportar una cosa así en una película que pretende ser demoledora? ¿Qué cabida tiene y qué podemos extraer de algo semejante? No le encuentro justificación desde ningún punto de vista.

Salvando ese obstáculo, nunca antes la tristeza fue tan bella.