Hace poco ví una noticia en la cual se hablaba que unos críticos internacionales estaban elaborando la lista de los mejores directores de la historia; lógicamente, Stanley Kubrick estaba el primero , rodeado de directores de la talla de Orson Welles, Billy Wilder o Spielberg.
Kubrick no ha sido el mejor director de la historia por casualidad, en este documental te das cuenta, con los testimonios de la gente de su alrededor, la gente de su equipo, el relato de los actores que trabajaron con él o anécdotas como repetir escenas 50 veces o tardar 15 meses en terminar un rodaje... Todo era para buscar la perfección

Tengo amigos y novia que seguro estaran hartos ya de que tenga tanto a Kubrick en la boca y esté siempre " esto de Kubrick por aquí... Esta anécdota por allá..." Pero todos los que quieran sentirse como yo, deberian verse este documental y haber visto más del 70 por ciento de su filmografía, solo así seran capaz de entenderme.
De Kubrick solo me queda por ver Lolita, Barry Lyndon y Teléfono Rojo, puede que después de ver estas 3 joyas, quede ya totalmente enamorado de Stanley Kubrick.
Frases de Scorsese como " Un film de Kubrick equivale a 10 de otro" o la admiración profunda de directores(que algo de cine sabrán) de la talla de Woddy Allen o Spielberg por Él, lo dicen todo...
Es un documental magnífico, con videos de Kubrick en su infancia, testimonios de su mujer, madre , hijas... De sus asistentes, sus cámaras , sus actores...
Sydney Pollack dijo que lo más cerca, sino lo era ya, de haber visto la perfección, era Kubrick.
Solo Kubrick podía rodar peliculas con lentes de la NASA o solo él podía retirar películas de los cines, fue el más grande , y siempre los documentales de gente grande, son increibles e interesantes.
Según la esposa de Kubrick, a éste le hubiera encantado hacer mas películas, pero su incontrolable perfeccionismo, siempre en la búsqueda de el filme perfecto, de una película que no quedara en el olvido, le retrasó considerablemente la filmografia, pero es mejor así, es preferible tener 13 joyas absolutas, que tener 5 buenas, 4 malas, y 20 patéticas, como le puede ocurrir a muchos. Es imposible que algún filme de Kubrick te deje indiferente... Atraco Perfecto, La Naranja Mecánica, Senderos de Gloria, La Chaqueta Metálica, Eyes Wide Shut, 2001... solo de escribirlo, se te ponen los pelos de punta...
Kubrick cambió la manera de realizar la música en el cine, hay un antes y un después.

Tom Cruise dijo entre lágrimas tras la muerte de Kubrick " Nunca más un estreno de Kubrick levantará expectacion, se ha ido, nunca habrá otro igual..."
Menos mal que se fue dejándonos 13 películas que son, como dijo Scorsese, 10 de cualquier otro.
Un documental de 10 para el Mejor Director de la Historia, ¿dudan? pongansé tranquilos en un sofá , en silencio, y vean este documental

Película plagada de filosofía oriental y bastante simbolismo cristiano, podemos observar dos partes bastante diferenciadas, la primera centrada en la incesante búsqueda de los cuatro maestros por El Topo, ruta plagada de surrealismo, extraños acontecimientos y personajes.
La fusión complementaria entre el hombre sin piernas y el hombre sin manos en la entrada de la torre del primer maestro es para enmarcar, impresionante.
Sucesivamente se bate en duelo con los maestros del revolver hasta que llega al último y lo sorprende gratamente. Hasta este acontecimiento podemos acotar la primera parte, una primera parte con alguna que otra metafora al Antiguo y Nuevo Testamento.

La segunda parte, años después, se centra en los deformes de una cueva subterránea, los cuales no pueden salir al exterior, un claro guiño a la Alegoría de la Cueva de Platón de su obra La República.
En definitiva un filme que obviamente despertará una controversia justificada, ya que este tipo de películas no gustan por igual.
Para mí es una obra de arte, coincidiendo con John Lennon que la catalogó como una obra maestra.
Mucho se ha hablado de una secuela con Johnny Depp y Marilyn Manson, Jodorowsky reconoció que abandonó el proyecto por falta de inversionistas, y es que no todo el mundo cree en este gran tipo de cine.
Varios medios afirman que el cine de Jodorowsky está en pleno siglo XXI viviendo una fase de revalorización, y es que el cine de Jodorowsky manifiesta un universo creativo propio, influyendo en el ámbito de la música a John Lennon, en su tiempo o a Marilyn Manson, actualmente, y a directores tan grandes como David Lynch, Darren Aronofsky o incluso Federico Fellini en su Satyricon, muestra influencia de Alejandro Jodorowsky.

Concluir con que es una película que se deberia ver obligatoriamente, ya que este tipo de películas son irrepetibles, y no me imagino en estos tiempos algo similar, una pena; pero siempre nos quedará a los amantes del surrealismo tipos como Jodorowsky, Buñuel o Terry Gilliam.

Tengo '2046' muy reciente en la memoria lo que me anima a escribir sobre ella y sobre su magnífico director.
Considero a Wong Kar Wai un incesante perseguidor de la perfección estilistica (siento devoción por este tipo de autores). Su constante trabajo con el color, su trabajo con la luz en donde apreciamos esos contrastes extremos o sus juegos de sombras. Su exquisito aprecio por el vestuario de los protagonistas, impolutos y galantes. Las maravillosas texturas de los papeles pintados en las paredes, todo cuidado con mimo.
Todo esto alcanzó una plenitud en 'In the Mood for Love' que, a mi juicio, es difícil de superar. En '2046', el director sigue esos patrones tan caracteristicos suyos aunque, en el mejor de los casos, iguala a 'In the Mood for Love' sin poder superarlos.
Wong Kar Wai se siente cómodo retratando los años sesenta de Hong Kong aparte de las incursiones futuristas de '2046'. Esa comodidad radica en su calidez y el juego que dá ésta década para fotografiar escenas pulidas, galantes y exquisitas.
Otro aspecto importante de '2046' y de la filmografía de Wong Kar Wai es la presencia inamovible de la música. Como es de esperar perfectamente cuidada y elegida para conjugar música e imagen que creen sensaciones fuertes al espectador. Para '2046' escoge el mismo estilo usado años atrás para 'In the Mood for Love'. Aparecen melodías chinas o canciones latinoamericanas con letra en español, haciendo patente la conexión entre ambas obras.

En el ámbito narrativo de las películas de Wong Kar Wai parece primar la representación de un momento concreto, se nos muestra una relación humana entre desconocidos y en donde el director lo que parece intentar trasmitirnos es una serie de sentimientos.

La historia es magistral, aquel Chow que quedó herido por Su Lizhen años atrás, ahora es un hombre libre, que mantiene relaciones sexuales sin ningún significado sentimental (como si lo hubo con ella). Hasta que aparece una nueva Su Lizhen con la misma herida que él. Todas las historias se van cerrando y guardando en el lugar de los secretos. Magistral.
No hay distinción entre In the Mood for Love y 2046. Recomiendo verlas en orden para captar bien todo.

Personalmente no llega a la perfección de In the Mood for Love pero confirma que Wong Kar Wai es una joya del cine actual y una figura destacada del cine mundial de las últimas décadas.

La primera vez que me armé de valor y me enfrenté a este mastodonte cinematográfico, sentí estar observando algo verdaderamente diferente. Andrei Rublev es el típico estilo de película que todo amante del cine tiene pendiente pero siempre pospone su visión. Ya sea por la propia consciencia previa de a lo que se va a enfrentar o por la simple superficialidad al ver que dura alrededor de 200 minutos. Una vez que, definitivamente, te pones a ver esta joya de Tarkovski; comprendes que el cine es algo más.

El cine de Tarkovski es un cine estético, plagado de belleza, que pide al espectador presencia y silencio. No es un cine de masas y el soviético era lo último que pretendía. En Andrei Rublev es primordial el silencio para concentrarnos, despejar la mente y conectar con lo que nos muestra Tarkovski. El director nos permite entrar en las escenas y reflexionar sobre ellas; alcanzar ese grado de empatía emocional es lo que nos hará disfrutar de esta obra maestra del cine.

Que Andrei Rublev tenga sentido biográfico es la excusa perfecta de Tarkovski para mostrarnos el recorrido vital a través de la pantalla. Durante la proyección, la envidia, el dolor, la miseria, la guerra, la vida o la muerte están presentes para no hacernos olvidar que es una obra vital. Se presenta el hilo conductor de la vida del pintor de iconos Andrei Rublev, cómo ese contexto tan duro en el que estaba sumido le permitía crear. El director soviético le hace un guiño constante al arte. Presenta al artista atormentado por su entorno, por la época en la que le toca vivir; todo eso le permite desarrollar su obra. Entrelaza una reflexión sobre el arte y la figura del hombre-artista y del hombre religioso. Tarkovski lo expresaba así:
“quería que aquella película narrara cómo en la época del fratricidio y del yugo tártaro nacía un deseo nacional de fraternidad del que surgía la genial Trinidad de Andrei Rublev, el ideal de hermandad, de amor y de fe reconciliadora”

Durante el camino del artista a lo largo de la película se asaltan constantes dudas sobre de qué sirve su arte en semejante entorno de guerra y dolor. Reflexiona sobre el sentido de crear o qué valor tiene lo que hace. Ese existencialismo está presente en cada uno de nosotros a lo largo de nuestra vida, lo que nos hace comprender y empatizar con Andrei Rublev. Si el fin es el mismo para todos; cada uno encuentra sus propias características para desarrollar su propia vida. El artista decide que serán sus obras de arte lo que quede de él. "La belleza radica en la verdad de la vida, cuando ésta es recogida de nuevo por el artista y configurada con sinceridad plena." Palabra de Tarkovski.

Puede resultar atrevido decir que Andrei Rublev es una película para encontrarse así mismo. De ahí que no sea una película fácil de ver. Requiere todos los sentidos, silencio interior y conectar esos sentidos a lo que vemos en la pantalla. Tarkovski se mueve de manera magistral por los silencios, ya sea en los del espectador como en los de sus protagonistas. El soviético afirmaba que es bueno estar solos para crecer interiormente.

Posiblemente sea la película más bella sobre la condición humana. Enmarcada en el pasado pero con vigencia en el presente.
La capacidad para crear, construir tu vida en tiempos difíciles. Tarkovski nos da una pista con esta obra de lo que es la vida. Todo el filme está desarrollado en blanco y negro, en sombras y silencios; al final, la imagen toma color rodeada de música. Alegoría de la esperanza. Tarkovski quiere dejarnos claro que, a través del arte, la naturaleza, el amor y la capacidad de crear; se ve la luz. Como su secuencia final.

Donde la mayoría de películas del estilo fallan, Andrei Rublev se maneja a la perfección. Analizar tan complejamente el pensamiento humano y presentarlo de tal manera para que el espectador reflexione por igual. Acertar en las escenas metafóricas a la vez que en los diálogos. Dotar de un precioso carácter lírico, rozando lo poético a la obra. Todo eso queda maravillosamente presentado en Andrei Rublev.


Terminaré con un párrafo que Ingmar Bergman dedicó a Andrei Tarkovski:
“Cuando el cine no es documento, es sueño. Por eso Tarkovski es el más grande de todos. Se mueve con una naturalidad absoluta en el espacio de los sueños; él no explica y además ¿qué iba a explicar? Es un visionario que ha conseguido poner en escena sus visiones en el más pesado, pero también en el más solicitado de todos los medios. Yo me he pasado la vida golpeando a la puerta de ese espacio donde él se mueve como pez en el agua.”

Tras su brillante trilogía de los animales y cinco años después de su obra maestra 'Rojo Oscuro', Dario Argento regresó al territorio, para él confortable, del giallo.
El romano aplicó unas gotas magistrales de controversia (surrealismo) al encorsetado género. Esto propició que Tenebre resultara pura atracción y nos hiciera a los seguidores del director replantearnos si éste estaba perdiendo fuelle o si por el contrario estabamos ante una nueva obra maestra.
Muchas veces he pensado que Dario Argento es un primo lejano de David Lynch. El que quiera tener un pensamiento similar al mio, que se ponga Tenebre.
Es el giallo soñado, donde todo el capricho de Argento puede ocurrir. Es un director con estilo, personalidad, excesivo y libre. Tiene muchos detractores que le apuñalan con el cuchillo de la incoherencia, le tildan de ilógico.. Pero lo que esa gente nunca podrá negar es que el bueno de Dario, en cada una de sus películas, nos deleita con un momento, plano o escena que rompe estética o narrativamente con todo lo visto antes. Tan sólo hay que mirar su filmografía para darse cuenta.
En Tenebre, como no, esos planos existen. Particularmente un plano-secuencia que es de lo mejor que he visto nunca. Es LA escena maestra de Tenebre y de la filmografía de Argento junto al primer asesinato de Suspiria.
Es mejor no entrar en el análisis de LA escena y así dejar con las ganas de contemplarla a los insensatos que aún no hayan visto este giallo.

Tenebre es una de esas películas que crean su propio universo, ajeno a nosotros y en un mundo irreal. La vida es ilusión y trampa viene a decirnos. En Argentolandia, la evidencia tal vez no sea tal, las víctimas pueden ser asesinos o los refugios sean trampas.

"A veces pienso que todos los directores estamos locos" Maestro, aunque le pese a muchos.