Como toda buena americanada utópica, The DUFF no podía ser una película imprevisible más. Con una protagonista fea y gorda con amigas de cine y el vecino guapo desesperado que necesita ayuda en los estudios, los institutos americanos vuelven a sorprendernos con su ajetreada actividad.

A parte de su increíble originalidad, cabe destacar el magnífico escenario que se reparte ingeniosamente entre la tremenda habitación de la protagonista y el peculiar instituto.

La película intenta, sin embargo, abordar un tema actual que se gana mi respeto: el autoestima en la adolescencia. Desgraciadamente, se les queda escaso en cuanto a profundidad y seriedad.

Que no se me malinterprete, no estoy diciendo que la película sea una pérdida de tiempo, de hecho es genial para pasar el rato y la recomiendo para practicar tus habilidades clarividentes haciendo apuestas sobre el gran e inesperado final con tus amigos.

“Her” es una película que parte del tópico tema del amor y el desamor para llegar a adentrarse en temas mucho más complejos como puede llegar a ser la capacidad sensorial del ser humano, el distópico tema de la Inteligencia Artificial o lo que podría ocasionar la interacción y convivencia entre ambos. La película es, en última instancia, un test de Turing al espectador. ¿Podríamos nosotros reconocer que la voz ficticia de Samantha (el sistema operativo) proviene de una máquina? ¿Seríamos capaces de asumir que Samantha es un producto creado por otro ser humano, con la única función de servir al cliente? ¿O también caeríamos engañados por su encanto?

Spike Jonze parte de un sentimiento tan puro como el amor para llegar a “incomodar” al espectador. ¿Puede un humano enamorarse de un SO? La película nos muestra que “querer” es una idea que está en la mente, en los recuerdos, sentimientos y sensaciones que van brotando en nosotros; “querer” es recordar todas esas sensaciones que nos provoca alguien, o algo en este caso. Y, queda visto, que no hace falta un cuerpo para transmitir y recibir esas sensaciones. Ocurre lo mismo cuando una persona muere. ¿Se deja de querer a esa persona? Por supuesto que no, y no hay cuerpo. Pero la seguimos queriendo por esos recuerdos y sensaciones que nos ha dejado esa persona.

Pero por el contrario, ¿puede una máquina enamorarse de un humano? En la película no queda claro si el SO realmente sentía algo por el protagonista o simplemente estaba programado para satisfacer las necesidades de Theodore, que en ese momento se encontraba en pleno trámite de un divorcio. Al final del largometraje se puede ver, no obstante, cómo Theodore mantiene una conversación con Samantha en la que esta reconoce estar hablando con miles de usuarios más.

Otro debate presente en la película es el vínculo entre la tecnología y la soledad: ¿la fomenta o ayuda a superarla? Es curiosa la primera pregunta que le hace el SO al protagonista: ¿Eres social o anti-social? Del mismo modo, podemos ver reflejado otro de los síntomas del uso de la IA (la pérdida de creatividad) en el trabajo de Theodore, empleado en una empresa que se dedica a escribir la correspondencia entre parejas.

Ante todo, “Her” es una metáfora de lo que es real y no real. ¿Qué es real? Algo es real si te hace “sentir”. Con este trasfondo, la actuación de Scarlett Johansson adquiere una relevancia inusual, pues ha demostrado que no es necesario que un actor salga en pantalla para hacer un buen papel. Su voz sugerente, atractiva y emotiva hace que nos la imaginemos a cada momento. Alcanza una idónea conexión con su personaje.

“Her” es, en todos los aspectos, una producción llena de vida, de todo lo que conoce Samantha a través de Theodore, de cómo se encuentra a sí misma entre “ese espacio infinito entre las palabras” y de “cómo a veces piensa que ha sentido todo lo que va a sentir”. Es un reflejo de las inquietudes que un ser humano se plantea a lo largo de su vida, de sentimientos y pensamientos que nos atormentan frecuentemente. Es un reflejo humano, recogido en forma de Inteligencia Artificial.

En la primera escena de la película Billy Wilder nos presenta la puerta de Brandenburgo como principal foco de la escena, seguido de primeros planos de huelgas en el Berlín comunista y bandas publicitarias de Coca Cola. Con esto, nos situamos en el ojo del ciclón, del que emerge la trama de la película.

Así conocemos a un empresario excéntrico que dirige la sucursal de Coca cola en Berlín occidental y que, para congraciarse el favor de su jefe, acepta alojar a su díscola hija de 17 años durante las semanas que estará de visita. Pero estas dos semanas se convierten en meses y comienzan los problemas para MacNamara, que deberá aprender a lidiar con las manías de la joven para satisfacer a su padre y conseguir su ansiado traslado a Londres.

De esta forma “Uno, dos, tres” se convierte en una sátira contemporánea que, ambientada en la Guerra Fría, está cargada de un sarcasmo subliminal que no deja impune a ninguno: nazismo, comunismo, capitalismo… Una comedia rápida y arrolladora que no permite margen para pestañear. Es una obra repleta de guiños, en un pulso frenético, a una Alemania que intenta sanar, al servilismo, travestismo, espionaje, falsificación de identidad y, por supuesto, la disputa entre capitalismo y comunismo. No podemos olvidar que este film rebate la sociedad de la época, y como tal refleja la visión más radical del mundo capitalista que quedó reforzado tras la victoria en la Guerra Fría. Así, utiliza a una de las principales empresas del mundo actual, Coca Cola, para ilustrar el ansia de poder y control de las entidades capitalistas, que soñaban incluso con franquear las fronteras del comunismo para el crecimiento de su negocio. Como tal la película expone, como su principal tesis, la egolatría del capitalismo.

La sublime obra de Billy Wilder deja sin embargo espacio para una joya más, porque la actuación de James Cagney no podía ser calificada de otra forma. Con chocantes y vertiginosos diálogos, la aparición de Cagney en la película augura las mejores escenas. Aunque tampoco podemos obviar la actuación de Pamela Tiffin.

En cuanto al personaje de James Cagney, el empresario McNamara, nos enseña tres lecciones vitales como hombre de negocios. La primera es la necesidad de adaptarse rápidamente a las circunstancias, siendo una persona resolutiva. Además, no pierde la ambición a pesar de haber fracasado y siempre tiene un plan para conseguir llegar a donde quiere. McNamara sabe adaptarse a cualquier situación y, si hace falta, dar un giro de 180º grados para que las circunstancias sirvan a sus objetivos. Sin embargo, este ladino empresario también tiene sus debilidades. No sabe compaginar la vida familiar con el trabajo. Engaña a su esposa e ignora a sus hijos y sólo parece preocuparse por sus negocios.

Para más inri, la película ha sido rodada en exteriores de Berlín y Munich y en los platós de Bavaria Studios (Alemania), lo cual ofrece imágenes verídicas de las condiciones de vida en el Berlín este. Por tanto, teniendo en cuenta que la grabación se ejecutó en plena construcción del muro de Berlín, no debió suponer una tarea fácil para el equipo.

Esta película de Wilder es, en definitiva, una sarta de los estereotipos capitalista y comunista, que juega con personajes muy caracterizados buscando denunciar los puntos débiles de la familia americana, el afán de riqueza y ascenso social, y ridiculizar la aristocracia. Además, no olvida citas cultas a Shakespeare o cinéfilas (“Lo que el viento se llevó”, “Espartaco”). Concluyendo, una obra de arte que se mueve al frenético compás de la “Danza del Sable” o El vuelo del abejorro.

Una película que arrastra las atrocidades del ser humano, con una historia real que revela de forma espeluznante lo que puede llegar a hacer el poder en la raza humana.

La película, basada en el experimento dirigido por Philip Zimbardo en 1971, prueba cómo unos chicos comunes y corrientes pueden llegar a transformarse en verdaderos monstruos en la recreación de unos papeles que se les han asignado lanzando una moneda. Por otro lado, el experimento disecciona la sumisión del otro grupo de jóvenes, los reclusos, ante unos uniformes y gafas de sol. Estando en salas de la universidad de Stanford, llegaron a creer que vivían en una prisión real, tanto los guardias como los prisioneros, y olvidaron su individualidad para convertirse en el papel que estaban jugando.

Como Zimbardo explica en su libro "El efecto Lucifer", los jóvenes adoptan una serie de conductas en el transcurso del experimento, siendo estas acciones banales en la vida cotidiana que adquieren otro sentido en el ambiente en cuestión: hacer preguntas, dar órdenes, dar información, amenazar, ayudar a otros, ofrecer resistencia... Como se puede apreciar en la película, los carceleros acuñan la hostilidad y agresividad inherente a la superioridad, mientras que los presos asumen la pasividad como mecanismo de supervivencia. De este modo, podemos observar en la historia una reacción idéntica en lo que respecta a la vida de los judíos en los campos de concentración, donde los guardias de las SS tenían como objetivo primordial humillar y desindividuar a los reclusos, con el único pretexto de unos uniformes que los distinguían de los harapos de los prisioneros.

Pese a que el experimento fue cancelado antes de lo previsto, Zimbardo llegó a extraer las conclusiones deseadas. Con este proyecto pretendía analizar el comportamiento y la actuación del poder en el humano, y tratar de explicar así la reacción de los procesados en el Juicio de Nuremberg, acontecimiento que inspiró la idea del experimento.

Esta película, ante todo, se muestra fiel al experimento, con un guion leal y pulcro y actuaciones intensas por parte de un reparto joven y de cierto renombre entre los millenials, lo cual acerca al público juvenil a esta gran producción. Aunque lenta en algunas partes, consigue recrear un ambiente tanto específico como creíble, con una laboriosa maestría. Es una buena película que sin duda recomiendo para los amantes de la psicología.

Otro de los grandes de Scorsese. Un increíble thriller psicológico con una pulida trama de giros. El trabajo del equipo se redondea con la protagonización de un Leonardo DiCaprio brillante.

Lo que empieza en una investigación, con escenario en una misteriosa isla que funciona como hospital psiquiátrico, se acaba convirtiendo en una trampa que engaña en un puro juego psicológico. El planteamiento de los hechos juega con tu mente hasta el punto de llegar a creerte un paciente más del centro.
No se puede obviar la fotografía de la película, siendo uno de los cuatro pilares fundamentales, junto con la actuación, la dirección y el reparto. Todo en esta película es belleza.

“Shutter Island” es una "masterpiece" en todo su esplendor, perteneciente a ese peculiar género que te deja descolocada y confusa, con la cabeza ardiendo en una bruma mientras buscas respuesta a mil preguntas que no la tienen. De ese tipo de películas que, sin importar cuantas veces la veas, te darán una cosa nueva en cada visionado. Definitivamente, es una película que marca un antes y un después.

Y para más inri la trama está cargada de guiños a la filosofía, sellada por una fuerte influencia del mito de la caverna de Platón. Y no digo más, porque estas pelis hay que verlas sin conocer siquiera el tráiler pues, como obra de arte que es, debes verla con tus propios ojos.