Don Anselmo (Pepe Isbert), un jubilado madrileño, se obceca en la compra de un cochecito de paralíticos como los que tienen sus amigos para poder acompañarlos en sus tardes de divertimento. Para obtenerlo llevará al límite la convivencia con su propia familia.

“El cochecito” es la segunda colaboración entre el director italiano Marco Ferreri y el gran novelista/guionista Rafael Azcona, después de la también conocida “El pisito”.

Ferreri adapta el relato del mismo Azcona "El paralítico" de la obra "Pobre, Paralítico y Muerto" y nos muestran una comedia trágica, deudora del neorrealismo. Una radiografía del costumbrismo de la España del Franquismo.

La película nos transporta a la vida de Don Anselmo interpretado maravillosamente por Pepe Isbert, película con un sutil y cáustico humor negro, la cual tuvo un final censurado que hizo perder toda la fuerza que si tenía con el final original (mucho más negro y maquiavélico)

Toda la película descansa en Pepe Isbert, aunque es muy coral (hay muchos personajes), lo cual conlleva que a ratos las conversaciones cruzadas aturullen y resulten algo cargantes.

La interpretación de Pepe Isbert nos recordará perfectamente al carácter cabezón, egocéntrico e incluso egoísta de muchos de nuestros abuelos, llevando la tensión familiar hasta donde ellos consideran.

La película ganó el premio de la crítica en el Festival de Venecia de 1960. En la taquilla fue un sonoro fracaso, con los años se ha convertido en una película de culto.

-Texto realizado por 《 Grupo Salvaje 》 para Plano General

En una distópica sociedad mexicana florecen altercados a lo largo y ancho de la ciudad. Dichos tumultos afectan incluso a la boda de una familia adinerada que verá desfigurado su estilo de vida ante el advenimiento de un nuevo orden político y social.

Erigido por la crítica especializada europea, el director mexicano Michel Franco se ha convertido con unas pocas películas en el nuevo "enfant terrible" de los festivales de cine occidentales.

Con esta nueva propuesta, Franco, elabora un relato con el objetivo claro de impactar al espectador, para ello utiliza: una corta pero concisa duración del film, imágenes de gran dureza visual y un ritmo ágil y constante; muy en la línea de otros directores bien valorados en Europa como Gaspar Noé o Julia Ducournau.

En la película nos muestra una sociedad que degenera en un nuevo orden distópico en el que un gobierno tiránico utiliza el conflicto de clases ricos vs pobres para alzarse con un poder absoluto. Con el avanzar del film Franco consigue hacernos entender las dinámicas de poder a través de la traición y la corrupción sistemática de la clase dominante.

Como apunte negativo podríamos destacar que quizá este tipo de historia no funciona demasiado bien con el estilo que quiere plantear el director (película rápida e impactante) al necesitar una elaboración más profunda de las diferentes subtramas, quizás una serie corta hubiera funcionado mejor.

El mensaje de Franco es duro, directo y cruel, pero cuesta calar, sacude al espectador, pero no deja poso, falta reflexión sobre lo sucedido. Algunas situaciones son algo forzadas y el tercer acto es precipitado.

En la Eslovaquia ocupada por los nazis, Tono Brtko, un humilde carpintero, se ve “obligado” a colaborar con su cuñado en la tarea de arianizar la mercería de la vieja señora Lautmannová. El conflicto moral se cernirá sobre él con la llegada del pogromo.

Dos cineastas surgieron de la nueva ola del cine checoeslovaco durante la década de 1960: Ján Kadár y Elmar Klos. Trabajaron juntos en varias ocasiones, siendo esta su película de mayor notoriedad en sus carreras.

Los realizadores nos relatan una historia con gran contenido social. Una película de personajes de caracteres muy marcados y humanos: Un protagonista humilde e íntegro, una esposa superficial e interesada, una anciana tradicional y afable...

En la película apreciamos un tono que inicia con humor y que va evolucionando hacia lo trágico con el pasar de los minutos, una clara denuncia al nazismo y al holocausto.

Cabe destacar una banda sonora tétrica que se hace cada presente cada vez más a medida que avanza la historia. La desgarradora media hora final nos mete de lleno en la desesperación que sufrieron los judíos de ver como gente conocida de toda la vida se volvían en contra de ellos por interés o miedo (conflicto moral del protagonista)

Las curiosas escenas oníricas nos hablan de un mundo ideal donde uno y otra serían felices. Un mundo donde vivir en paz.

Como anotación final se echa de menos una mayor elaboración de las situaciones en la tienda o del grupo de judíos que se ayudan económicamente.

Un grupo de monjes cistercienses de la orden de la trapa viven en armonía en la zona montañosa del atlas argelino. Su pausada y devota vida es sacudida por la llegada de radicales islamistas que quieren instaurar su propia visión del mundo.

Xavier Beauvois cocina a fuego lento una historia basada en hechos reales ocurrida en el contexto de la guerra civil argelina de los 90. El realizador nos imbuye en la cotidianeidad de los monjes grabando al mismo ritmo que al de las sosegadas vidas de los monjes.

Otro elemento clave y profundo del film es la dicotomía moral en la que se ven envueltos nuestros protagonistas: ¿Se quedan para mantener intacto su destino y su deber moral o por otro lado huyen para salvar sus propias vidas y seguir haciendo aquello por lo que decidieron dejar su vida anterior: ayudar al prójimo?

La película llega a un clímax bellísimo. Una secuencia que parece retratar la última cena de Jesucristo. Con una emoción "in crescendo" realmente emotiva acompañada de la música del lago de los cisnes. Reflejan en su rostro mucho sin decir nada.

Los detalles técnicos más destacados de la película son los planos largos y amplios que nos enseñan las tareas diarias de los protagonistas dándole importancia suma a su día a día. Y, por otro lado, el director consigue mantener la dosis suficiente de intriga ante la incertidumbre de como acabarán los monjes.

Ganadora en 2010 del Gran premio del jurado en el festival de Cannes y de tres premios César.

-Texto realizado por 《 Grupo Salvaje 》
para Plano Genera

A la muerte de sus padres en Kenia, Tony, joven, rico y perteneciente a la aristocracia, adquiere una mansión. Aunque aparentemente sólida, la casa está semiabandonada. Tony contrata a un sirviente, Barrett, para que le ayude en los quehaceres diarios.

Inquietante y desconcertante película. El cineasta Joseph Losey, huyendo de las garras del Macartismo, se instaló en Inglaterra para continuar su carrera cinematográfica. Colaborando con el dramaturgo Harold Pinter, adaptaron la novela de Robin Maugham convirtiéndose al instante en una obra de culto.

Joseph Losey leyó la novela en 1956 e inmediatamente le ofreció el papel a Dirk Bogarde, pero tuvieron que esperar 6 años por la censura del momento para empezar a rodarla con un escuetísimo presupuesto.

El realizador disecciona la condición humana y las relaciones de poder, creando un drama psicológico muy al estilo del teatro de Bertolt Brecht. Una radical oposición a la forma de vida burguesa muy en línea de su pensamiento político.

A través de una cámara sugerente y un simbolismo presente en toda la película (como el espejo o la escalera), Losey consigue atraparnos en una historia de manipulación, dominación, subyugación y finalmente de anulación contra una persona.

En los papeles protagonistas, aparecen un por aquel entonces novato James Fox, también Sarah Miles que años más tarde protagonizaría "La hija de Ryan" de David Lean y Dick Bogarde que aquel año se llevó el BAFTA a mejor actor y otros reconocimientos más por encarnar al manipulador sirviente en un alarde impresionante de versatilidad en diferentes registros.