La señora Kurowski (Brigitte Mira), una sexagenaria de origen alemán, se resguarda en un bar durante un día muy lluvioso. En este bar conocerá a Ali (El Hedi ben Salem m'Barek Mohammed Mustafa) un joven marroquí que le invitará a bailar para posteriormente iniciar una relación sentimental con ella en una Alemania donde el racismo estaba a la orden del día.

Reiner Werner Fassbinder, el director de esta película fue uno de los máximos exponentes del nuevo cine alemán surgido en la década de los 60. Fue una mente brillante, pero con una personalidad autodestructiva. Murió joven, a los 37 años, por mezclar cocaína y somníferos. No sin antes dejar grandes obras y un estilo muy personal.

Nos encontramos ante un Fassbinder inconmensurable en el movimiento de la cámara y junto a un guion tal vez inspirado en “Solo el cielo lo sabe” de Douglas Sirk o “Harold y Maude” de Hal Hashby obtenemos un cóctel de imágenes para el recuerdo.

Azotado por la realidad de su época, el realizador utiliza la historia de amor de dos personajes de mundos completamente diferentes para hacer una crítica feroz al racismo y frialdad imperante en la Alemania de la postguerra y del atentado de Múnich 1972.

Nos encontramos ante un film con un encuadre y una escenografía casi perfecta pero despojado de todo sentimentalismo o dramatismo. Estamos ante una película extremadamente intelectualizada, fría, distante e incluso en algunos momentos interpretaciones cuasi robotizadas. Estamos ante el Universo Fassbinder al que no todo el mundo tiene acceso.

La película ganó en el festival de Cannes de 1974 dos premios. Premio del jurado ecuménico y premio FIPRESCI. Fassbinder utiliza como siempre a su propio séquito de actores y ayudantes de dirección. El actor que hace de Ali mantuvo una relación sentimental con el propio Fassbinder teniendo una vida incluso más tumultuosa que el propio personaje de Ali.

El tranquilo y anodino señor Trelkovsky alquila un apartamento de una mujer que acaba de intentar suicidarse arrojándose por el balcón. Al poco tiempo la mujer muere y los propietarios del piso, que viven en el mismo bloque, deciden aceptar a Trelkovsky como inquilino. Las quejas del vecindario hacia él irán in crescendo en una vorágine impetuosa.

Roman Polanski se alejó de Estados Unidos y volvió a su amada París, antes de convertirse en un prófugo de la justicia como todos bien sabemos. Es aquí donde decide rodar la película que hoy nos atañe, y así finalizar lo que muchos llamaron la trilogía de los apartamentos o llamada por nosotros la trilogía de la psique.

Junto a "Repulsión" del año 65 y "La semilla del diablo" del año 68, Polanski termina una trilogía en la que ahonda con gran inteligencia en la lenta y paranoica destrucción de la mente de sus personajes.

Con un brillante inicio, tan brillante como desconcertante, el cineasta franco-polaco nos mete en la tesitura de que vamos a ver una película intrigante. De ritmo algo descompensado pero muy personal, el realizador nos envuelve a medida que desarrolla el personaje que él mismo dio vida.

Convierte París en un escenario onírico y macabro de donde pueden surgir los demonios internos más terroríficos del ser humano.

Basandose libremente en la novela de Roland Topor, logra una extraña mezcolanza entre terror y humor negro. Polanski demostró una vez más que es un genio creando climas de tensión y angustia.

Una película que fue repudiada en su estreno en el festival de Cannes de 1976 y que el tiempo ha puesto en su lugar, reivindicándose como una de las propuestas más personales, inquietantes y surrealistas de la larga trayectoria del director.

Wade Hunnicutt: “Hay que ser un hombre de una clase especial para dirigir todo esto. De los que pueden ir por ahí sin nada en los bolsillos, sin documentación porque todo el mundo sabe quién es. Sin dinero porque cualquiera del pueblo le prestará gustoso todo lo que necesite. Sin llaves porque no ha de poner cerraduras en lo que posee y sin reloj porque el tiempo le espera a él.”

El rico y mujeriego Wade Hunnicutt tomará las riendas de la educación de su hijo cuando ambos vean que la inocencia del adolescente no le llevará a ningún lado. A lo largo de los meses el joven descubrirá el pasado de su padre y pondrá patas arriba el ya de por si mermado núcleo familiar.

La mano maestra de Vincente Minnelli dota e inyecta de gran ritmo a este melodrama de época al estilo de los de Douglas Sirk, alejándose así de los musicales que tan buena fama le otorgaron.

La película es una adaptación de la novela de William Humphrey que a través de un excelente guion elaborado por Irving Ravetch y Harriet Frank Jr., un famoso matrimonio guionista, ensalza a la perfección la comprensión narrativa de la película.

Pese a ser una película de frases solemnes y grandilocuentes, y de un estilismo encorsetadamente clásico, muestra a su vez un retrato sublime de la idiosincrasia estadounidense de los años 50, tratando con gran profundidad temas como: la infidelidad, las relaciones paternofiliales, la soberbia y el miedo al futuro.

Gracias a la gran interpretación de los actores, en especial de un Robert Mitchum en su cima interpretativa, el film otorga al espectador un esbozo claro de los roles que tenían los padres, los hijos y las mujeres en la sociedad norteamericana de la época.

Ferdinando Cefalú (Marcello Mastroianni) un noble siciliano de familia venida a menos está perdidamente enamorado de Ángela, su prima adolescente. Intentará por todos los medios que su mujer Rosalía le ponga los cuernos para utilizar en su favor un código penal italiano que le daría razón en unas determinadas circunstancias a la hora de poder casarse con Ángela.

Pietro Germi elabora una comedia dramática para hacer una dura crítica a la hipocresía de la sociedad retrógrada/machista y a las leyes italianas de aquella época.

La crítica se focalizaba en la inexistencia del divorcio y los problemas que provocaba. También sobre el código penal italiano de aquellos tiempos que establece una importante reducción de penas en los casos de "delito de honor" (asesinato de la mujer cuando el marido la encuentra en flagrante adulterio).

Divorcio a la italiana se trata de una de las películas clave de lo que se denominó Commedia all'italiana. Este género, muy vinculado a la cultura popular de Italia, nació como contraposición al neorrealismo italiano que imperó la cinematografía italiana de mediados de los 40 a finales de los 50.

Los dos elementos más destacados de la película son: la galopante banda sonora que acompaña los 104 minutos de película a la desbordante interpretación Marcello Mastroianni.

Mastroianni está memorable con su sempiterno cigarro con boquilla, su mueca burlona y su estampa de hacerse “el tonto” en una de las comedias más negras de la historia.

El elegante y afable Roger Willoughby (Rock Hudson) es trabajador de la sección de pesca de los almacenes Abercrombie & Fitch. Su trabajo es muy bien valorado por sus clientes al considerarle ducho en la materia. Pero nada más lejos de la realidad ya que utiliza los consejos de unos clientes para dárselos a los otros. Su farsa se empieza a tambalear cuando su jefe insiste en que debería representar a la empresa en un campeonato de pesca en el lago Wakapoogee. La relaciones públicas del evento (Paula Prentiss) y la hija del organizador descubren su mentira e intentarán por todos los medios ayudarle para que nadie lo descubra.

El director Howard Hawks de 68 años quería hacer con esta película su propio homenaje a su gran comedia Screwball: “la fiera de mi niña” de 1938. Los actores originales (Hepburn y Grant) no quisieron participar, pero consiguió que los actores Rock Hudson y Paula Prentiss hicieran igualmente un trabajo extraordinario.
El personaje de Willoughby avanza la historia aprendiendo a pescar y a tratar a las mujeres. Este segundo juego, el de conquistar a las mujeres, es la respuesta a la pregunta del título original de la película: Man's Favorite Sport?

El film cuenta con un guion ágil, rápido y libre de prejuicios con unos diálogos divertidos y con el siempre buen pulso narrativo de Hawks que apuesta por mostrarnos que los polos opuestos se atraen.
El realizador minimiza el componente romántico y sirve con, imágenes de archivo de dos trenes chocando, una metáfora visual del amor como algo que surge a través de los roces y de los choques constantes entre dos grandes fuerzas.

Como curiosidad estamos ante la última comedia de Hawks que finalizaría su carrera con los archiconocidos westerns crepusculares “El dorado” y “Rio Lobo” también homenajes de películas suyas. Por lo tanto, podemos decir que Hawks terminó su carrera autohomenajeándose y creando, por si la podríamos llamar así, esta “comedia crepuscular”

Henry Mancini resalta los gags y el tono humorístico con su banda sonora más que correcta y acompaña a un technicolor que hizo uso continuado Hawks en sus últimas obras.