Nada más impuro que comparar una obra cinematográfica con la literaria en la que se basa, en este caso una obra maestra del realismo francés. ¿Es una traición a la novela de Flaubert el introducir al propio autor como acusado-narrador en un extraño juicio que abre y cierra el film? Ese demiurgo omnipresente (bajo los rasgos de James Mason) se convierte en la voz que off que acompaña a la cámara tras los pasos, emociones y sentimientos de Emma Bovary-Jennifer Jones, que cuando la interpretó ya contaba con un oscar conseguido en 1943 por la canción de Bernadette de King Vidor.
Minnelli con este drama romántico abandona los musicales que lo habían encumbrado en Hollywood, tras El pirata de 1948, para realizar este film y las dos entregas de El padre de la novia y El padre es abuelo.
Diferencias con la novela hay muchísimas, empezando por hacer aparecer a Charles como soltero, cuando en la novela es un viudo que se casó con una viuda adinerada en un casamiento montado por la madre de Charles, seguida por el retraso con que aparece la fiesta en casa del marqués en la versión cinematográfica. El casting de actores está muy cuidado y se nota la mano del productor David O. Selznick, que ese mismo año se casó con su protagonista; Van Heflin borda su papel (que también había conseguido el oscar en 1942 por Senda prohibida de Mervyn LeRoy), quizás desentone la sobreactuación de Jourdan, pero sigue siendo una gran película con un blanco y negro impecable y una sutil banda sonora de Miklós Rósza. La protagonista inicialmente prevista fue Lana Turner, pero su embarazo hizo que recayera el protagonismo en Jones. Una de las grandes películas de Minnelli, que fue rodada íntegramente en los estudios de Estados Unidos. Destacaría como secundario el personaje de prestamista en Yonville, que se va haciendo cada vez más odioso mientras se desarrolla la acción. Al final, no resulta extraño que alguna lágrima caiga por la mejilla de los espectadores.

Otra obra maestra de uno de los grandes directores, esta vez del género negro. Hawks tocó casi todos los géneros cinematográficos y en cada uno de ellos dejó su impronta: en la comedia con "La fiera de mi niña", en el western con los diversos Ríos, en la histórica con "Tierra de faraones", también con William Faulkner como guionista, al igual que en esta y "Tener y no tener", aunque en la histórica parece ser que se limitó a emborracharse a diario (tal como recoge el "Barton Fink" de los hermanos Coen).
Esta película está considerada como una de las mejores de su género (junto con "Sed de mal" de O. Welles, "Retorno al pasado" de J. Tourneur y "Chinatown" de R. Polanski). Por segunda vez Hawks cuenta con su pareja protagonista (Bogart y Bacall), tras "Tener y no tener". En el guion se eliminó una de las características de la novela negra: la voz del personaje protagonista, que ejerce a su vez como narrador-demiurgo de la historia, y los flash-backs. El espectador debe serguir la línea argumental a través de cada una de las secuencias y siempre tras los pasos de Bogart-Philip Marlowe y la cámara a la altura de los ojos, en contraste con otra adaptación de Chandler ("La dama del lago", dirigida y protagonizada por Robert Montgomery), realizada integramente con cámara subjetiva, incluido el único plano del protagonista mirándose en un espejo.
Cuenta la historia que Hawks, tras el rodaje, tuvo que añadir nuevos planos, sobre todo de Lauren Bacall, porque Bogart destacaba demasiado con su famoso tic en la oreja, mientras que en el original literario se limitaba a llevarse las manos a los bolsillos del pantalón. Bogart y Bacall acababan de casarse, él con 45 años años, ella con 20.
En apariencia es un drama, pero en algunos momentos se rompe esta estructura, ya que a Hawks le interesaban más los personajes que pululaban por la escena que la acción e intriga de su desarrollo, todo ello filmado con un ritmo endiablado, unos diálogos vibrantes y llenos de connotaciones sexuales, de hecho es una de las películas con más citas entresacadas de sus diálogos (Bogart: "General, tenga cuidado con su hija. Ha intentado sentarse sobre mis rodillas cuando yo estaba de pie", L. Bacall: "Así que eres un detective privado. No sabía que existieran, excepto en los libros. O bien que eran pequeños hombrecillos grasientos que husmeaban en los pasillos de los hoteles. Dios, es usted un desastre, ¿no cree?". L. Bacall: " “Hablando de caballos, antes de apostar me gusta ver cómo arrancan, cómo corren y cómo van en la carrera” y sigue “me parece que a usted le gusta arrancar fuerte”. Bogart contesta “Por mi parte creo que tiene usted cierta clase pero no sé dónde puede llegar, ni cuánto puede correr”, L. Bacall: “Eso depende bastante del jinete”.).
El calor que se desprende en la escena inicial del invernadero entre el General y Bogart serviría a L. Kasdan para situar a los personajes protagonistas de su "Fuego en el cuerpo", que se pasan todo el film sudando y limpiándoselo con pañuelos.
En 1981 Michael Winner realizaría un remake con un Robert Mitchum con 61 años, cuando en la novela de Chandler marca 38 años, y un general interpretado por James Stewart.
“…Recuerdo que hace varios años, cuando Howard Hawks estaba rodando El sueño eterno, él y Bogart tuvieron una discusión acerca de si uno de los personajes había muerto asesinado o se había suicidado. Me enviaron un telegrama preguntándomelo, y que me cuelguen si lo sabía…” Raymond Chandler.
Una obra maestra.

El director Spike Lee es el director de este musical, que consiste en la grabación de la obra de teatro musical que David Byrne y un grupo de originales músicos (todos llevan sus instrumentos en las manos y en el cuerpo) hicieron en el Hudson Theatre de Broadway, en Nueva York, a finales de 2019 y principios de 2020. Spike y su equipo filma a veces de frente, como si las cámaras fueran un espectador más entre el patio de butacas, pero sobre todo desde el propio escenario, con travellings, picados, contrapicados, primeros planos de caras, instrumentos musicales, pies descalzos en movimiento, envolviendo al espectador en imágenes, música. Escenográficamente el color que prevalece es el gris (de hecho, todos los personajes-músicos que aparecen en escena, incluido el propio Byrne, van vestidos también con trajes grises) y un azul metalizado. Teatralmente hay poco mobiliario en escena, solo una mesa en el primer número musical (ese "Here" que inicia la obra y también el último disco de Byrne). Los músicos y la pareja coral también hacen coreografías de baile durante los diferentes números, con lo cual se consigue aunar música, teatro, danza y cine en un todo plástico y mágico.
Cada número-canción crea sensaciones envolventes en el espectador, sobre todo en algunos temas. Durante el musical, entre algunos números el propio maestro de ceremonias o jefe de pista circense es el mismo Byrne quien, de manera irónica pero persuasiva, llama a la gente para que voten, dando estadísticas sobre el bajo porcentaje de voto en Estados Unidos, un triste 20 %, y de paso criticar a Donald Trump.
Durante el concierto se oyen canciones del último disco de Byrne ("American utopia",) y versiones de canciones de su anterior y exitoso grupo, Talking Heads Emociona la versión del tema de Janelle Monáe "Hell You Talmbout", en el que se realiza un homenaje a las víctimas negras estadounidenses producida por la violencia policial, Byrne la presenta como "una canción sobre la posibilidad de cambio". Spike Lee consigue capturar la magia y la química de una actuación en directo.
No es "Stop making sense" (1984) de Jonathan Demme, que recogía un concierto de los Talking Heads de la época , pero es tan maravillosa y genial como aquella. La aconsejo sobre todo para los admiradores de Spike Lee, David Byrne y Talking Heads y de su música.

"Nightcrawler" es una de las grandes sorpresas cinematográficas de este año. A pesar de ser la primera película de su director, aunque sabemos que tras la producción se encuentra su hermano Tony (un avezado guionista de Hollywood y director de algunos buenos films de los últimos años, como "Michael Clayton" y algunas de la saga de Bourne) está muy bien rodada, sobre todo las impresionantes escenas de persecuciones automovilísticas y el gran trabajo de los diálogos (Un botón: "...También quiero acabar con estos regateos. Nos ahorrará tiempo. Y cuando digo que tal número es mi precio mínimo, ese número será mi precio mínimo. Y tú puedes estar segura de que cálculo este número con cuidado. Ahora, cuando digo... que quiero estas cosas... me refiero a que las quiero. Y no quiero tener que pedirlas de nuevo. Y la última cosa que quiero, Nina, es que hagas lo que te pida, cuando estemos solos en tu apartamento..." le espeta Lou a su jefa Nina).
El film retrata un Los Ángeles actual, desagradable, nocturno, en el que impera la ley de "el pez grande se come al chico", representada en esa cadena televisiva con índices de audiencia muy bajos y cuya directora quiere subirlos, aunque sea a costa de enseñar imágenes gore a las 7 de la mañana. El protagonista, Lou, es un joven fruto, y representante, de una sociedad amoral, corrompida y neoliberal, que da rienda suelta a su voyeurismo psicópata, grabando y cambiando incluso la puesta en escena de accidentes y asesinatos solo por conseguir imágenes que pueda vender al mejor postor, sin importarle cómo conseguir esas imágenes.
En resumen, un gran debut cinematográfico el de Dan Gilroy que no hay que perderse y que nos plantea hasta dónde es capaz de degradarse moralmente el periodismo, sobre todo en su vertiente amarilla, para conseguir elevar los índices de audiencia televisiva, un tema a debate en Norteamérica y en nuestro país.
A este gran trabajo de orfebrería en el guión y en la dirección, hay que añadir la interpretación de su protagonista, un Jake Gyllenhaal inmenso que llena toda la pantalla y nos transmite su carácter psicótico, la soledad en su casa y esa mirada fija y obsesiva que clava en sus interlocutores.

Una auténtica obra maestra del cine. Tras su presentación cinematográfica con "Enrique V", y su continuación con "Mucho ruido y pocas nueces" y con un gran despliegue de medios técnicos y artísticos apabullante, Branagh se mete en el papel del príncipe Hamlet y además asumiendo su papel como director, nos ofrece una maravilla del cine, ninguneada por los premios y por algunos críticos que no supieron apreciar la obra de arte que esta joya del séptimo arte-vicio encierra entre sus fotogramas (¿Cómo disculpar que no obtuviera ningún óscar?). Puntillosamente fiel al texto de Shakespeare en sus diálogos, aunque no en su situación cronológica, nos encontramos ahora en el siglo XIX en una Elsinore rodeada de un frío invernal, con una magistral dirección de actores, con algunos monólogos para ponerlos como ejemplo en escuelas de interpretación, sobre en Branagh, tanto en su "ser o no ser" como con la calavera de Yago y otro momentos antológicos, al igual ocurre con Jacobi, Heston, y un largo etcétera, que va desde los grandes actores shakesperianos ingleses, hasta su contrapunto con algunos franceses (un casi cameo de Depardieu) y algunos norteamericanos más instruidos en otras lides cómicas (Crystal, Williams...). Quizás de las mejores adaptaciones al cine del mejor guionista de Hollywood, Shakespeare, en su gran obra maestra, quizás a la misma altura de "Julio César" de Mankiewicz. Son 4 maravillosas horas que son preferibles oír en su versión original subtitulada con la perfecta dicción de algunos actores, envueltos en unos movimientos de cámara como si de un ballet se tratase por los pasillos y salones de una Elsinore blanquecina y una brillante partitura musical. Algunos planos secuencia magistrales elevan a este film a la categoría de clásico. Imperdonable perdérsela. Branagh se permite ciertos homenajes, como la de los espejos a "La dama de Shanghay" de O. Welles o un extraño zoom hacia atrás para finalizar la primera parte. Lo dicho: Magistral y ejemplificante.