La película en cuestión es THE TOWN (2010) - acá también se estreno con el feo título de " atracción fatal" o algo así- protagonizada y dirigida por Ben Affleck . La película nos sitúa en Boston donde los títulos le informan al espectador que esa región produjo la mayor cantidad de criminales dedicados al asalto de blindados y al robo de bancos . Los robos se convirtieron en un oficio transmitido de familia en familia. Y a eso se dedica el protagonista donde la banda que integra está conformada por sus amigos de la infancia .
Recuperado de su adicción al alcohol , con un padre tras las rejas cuya condena es de varias décadas y con la aflicción por la desaparición de su madre cuando era pequeño , el protagonista se está hastiando de su vida como ladrón y avizora un nuevo horizonte en otro lugar . Ha vivido siempre en el mismo lugar y quiere largarse de él porque , entre otras cosas , no quiere terminar como su padre . Pero irse de ahí no será nada fácil . Su mejor amigo y el organizador de los atracos le dicen que tiene compromisos y no los puede romper . Su mejor amigo le recuerda su compromiso hacia él y hacia su familia , el florista que planea los robos le recuerda su atadura al equipo ; sus vínculos y el crimen son escollos para su deseo de empezar otra vida en otro lugar.

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Leía de manera apasionada la revista de crítica cinematográfica EL AMANTE CINE.Una de las secciones que más me gustaba de la revista era aquella donde había dos críticas si una película generaba divergencias en la redacción: se publicaba una crítica a favor y una crítica en contra.

Esta película recibió 4 críticas : dos favorables y dos negativas. Se trata de "la habitación del hijo" protagonizada y dirigida por el italiano Nanni Moretti. La película toca un tema fuerte:la muerte de un hijo y las dificultades de lidiar con su pérdida , ese dolor inconsolable ante un acontecimiento de estas características. Un antes y un después frente ante esta clase de situaciones.

Las dos críticas negativas despertaron mi atención porque más que criticar a la película criticaban a Moretti. O su viraje hacia un drama , alejado de sus obras anteriores , más livianas, más personales . No vi las producciones anteriores de Moretti pero los críticos señalaban ( o reprochaban) el cambio de tono en este film con respecto a los anteriores.Aquellos eran más festivos , mostraban un director idiosincrásico , un director que decía cosas a través de un personaje iracundo,irreverente y apasionado con la vida.En esta película , en cambio , es un padre de familia serio , intelectual ; El tema de la muerte, y su tratamiento solemne chocaba con la ligereza y alegría de sus otros films. O más bien les chocaba a esos críticos por el viraje de 180 grados realizado por Moretti , en comparación con su filmografía previa.

De mi parte debo decir que esta película me conmovió profundamente. La inesperada muerte del hijo trastoca la idílica vida familiar . Una pérdida que cae como un mazazo en el resto de los personajes . El desarrollo de la película mostrará el intento,por parte de la familia, de lidiar con esta tragedia ; los últimos recuerdos del ser amado , la inconsolable incomprensión provocada por un hecho imposible de asimilar y la irrupción del sinsentido serán las cargas que los personajes tendrán que afrontar.

Ciertas clases de películas adquieren un estatus especial. Rodeadas por un aura de prestigio, se las cataloga como “películas de culto”. Este calificativo puede considerarse un tanto vago por la ausencia de un criterio definido que permita señalar si una obra pertenece o no a ese rango. Pero tampoco es una pura arbitrariedad porque hay razones para justificar ese calificativo. La singularidad dentro de su género, la originalidad con la que presenta y trata un tema o un modo innovador para estructurar la narración son algunos de los argumentos para que una obra sea considerada de culto.

Un preludio innecesario para una reseña ya que, si me pidieran argumentos, no podría responder qué es una película de culto, pero sí podría poner un ejemplo de una. Porque si escuchara la frase “película de culto”, el film “Terciopelo Azul” (Blue velvet, 1986), dirigido por David Lynch, acudiría a mi mente como prototipo de esa clase borrosa. Una obra singular de un director singular. Muy poco puedo aportar sobre la película y sobre la filmografía de Lynch, un director poseedor de un estilo único que ha logrado imprimirle a su filmografía un sello distintivo. Los estudios y análisis de sus filmes son abundantes, y Blue Velvet es una de sus obras más emblemáticas.
Terciopelo azul comienza con la canción homónima mientras vemos distintos planos de esos barrios suburbiales típicos de las películas americanas. Los planos, acompañados por la canción, nos muestran rosas, jardines, un bombero que pasa saludando, una mujer en su casa y un hombre regando su jardín. Esta ambientación, que retrata un barrio idílico, se ve bruscamente interrumpida por la descompensación del hombre que regaba su jardín. Mientras el hombre se retuerce en el suelo, la apacible canción se sustituye por una serie de sonidos perturbadores, que van aumentando a medida que la cámara se va introduciendo en el césped, y culmina en un plano cerrado de insectos amontonados entre sí. La introducción nos anuncia que detrás de la superficie se esconde una realidad ominosa.

Unas escenas después vemos al protagonista, Jeffrey, que se dirige al hospital para visitar a su padre, el hombre que tuvo el ataque en la primera secuencia. Tras salir apenado del hospital, Jeffrey encuentra una oreja cercenada cubierta por hormigas. Acude a un detective del lugar, que es vecino suyo, y conocerá a la hija de éste: Sandy. Ante la curiosidad del protagonista sobre la oreja, Sandy, la encarnación de la “inocencia” en el mundo de Jeffrey, le dice que el nombre de una misteriosa cantante es el más mencionado en la investigación.

La oreja será para Jeffrey un pasaporte, una madriguera hacia una dimensión perturbadora que, como los insectos y la oreja, yace bajo la superficie de ese pueblo idílico, en apariencia. Esa dimensión se materializa en la relación enfermiza entre Dorothy Vallens y Frank Booth, o mejor dicho, donde Frank mantiene cautiva a Dorothy, la cual queda reducida a un objeto sexual que le permite a Frank realizar sus fantasías sexuales; el fetichismo grotesco, el sadismo y el masoquismo son las prácticas sexuales de las que Jeffrey será voyeur, al comienzo, para luego ir sumergiéndose cada vez más hasta quedar envuelto en un peligroso triángulo.


Lo onírico está presente en la atmósfera del film, donde se contrastan fuertemente el día y la noche, como si fueran dos realidades opuestas. La realidad diurna muestra una cotidianeidad cándida. La realidad nocturna muestra un espacio de pesadilla que les permite a los personajes realizar y vivir sus fantasías más perversas. La inocencia se presenta en un escenario de aparente dulzura con un telón azul de fondo, y Lynch lo abre para mostrar una obra retorcida escondida entre los bastidores.

STATE OF GRACE ( estrenada con el feo título local de " el clan de los irlandeses ) nos muestra al protagonista volviendo al barrio donde creció ( y del que se fue ) como un agente policial encubierto.Su encuentro con su amigo de la infancia - Gary Oldman - lo pone al día sobre la decadencia del lugar.Los grandes edificios reemplazan a las pequeñas casas , los negocios cierran y el lugar perdió los rostros familiares que antaño lo poblaban.El barrio ya no es lo que era.El personaje de Sean Penn intenta ingresar a la mafia irlandesa que tiene como jefe al personaje interpretado por Ed Harris , hermano de Gary Oldman. Pero su banda criminal también está erosionada como el barrio y para seguir existiendo tienen que aliarse a la mafia italiana. Además de la relación con los dos hermanos,el protagonista se reencuentra con la hermana de aquellos,quien fue su primer amor.El personaje femenino lo interpreta Robin Gayle Wright y ambos reviven su pasado con una aventura amorosa .
La identidad secreta del protagonista se ira tambaleando entre su deber como agente encubierto y los sentimientos revividos por su reencuentro con sus amigos y amores del pasado.

El Hijo (Le Fils, 2002) es una película de Bélgica dirigida por los hermanos Jean -Pierre y Luc Dardenne. Sus películas siempre se caracterizan por un marcado tono social. Y ésta no es la excepción .Pero " el hijo" no sólo se apuntala en una problemática social sino que introduce cuestiones que, lejos de ser una comodidad verbal, pueden considerarse espirituales. Un film que trata cuestiones como el homicidio y la punición relacionadas a la culpa, el perdón y la redención.

Olivier el protagonista - interpretado magistralmente por Olivier Gourmet - es un carpintero que se dedica a enseñar su oficio a jóvenes en un reformatorio. Su carácter solitario, parco y taciturno obedece a un acontecimiento traumático que no ha podido superar. El desarrollo del relato nos informa que ha estado casado y que ha tenido un hijo. Ha vivido una tragedia: su hijo ha sido asesinado y ese acontecimiento desgarrador puso fin a su matrimonio

El desarrollo también nos muestra las distintas actitudes con las que ambos afrontaron ese hecho. La ex- esposa de Olivier, pese a todo, pudo seguir adelante: tiene una nueva pareja y está embarazada. Olivier no. Ha permanecido congelado en el tiempo. Su escasa vida social se reduce a su estancia en el reformatorio y a una enigmática relación con un joven del lugar. Olivier lo sigue: está pendiente de sus movimientos y de lo que hace. Pero no se detiene en el acecho: lo escoge como ayudante y pasa todo el tiempo que pueda con él, ya sea trabajando o invitándolo a comer.

Los directores no hacen de la obcecación de Olivier hacia este joven ningún secreto para el espectador. Ese joven asesinó al hijo de Olivier. Y la relación entre ambos resulta enigmática porque enigmático es el comportamiento del protagonista. No sabemos los motivos de Olivier para relacionarse con el joven que asesinó a su hijo, ni siquiera el protagonista lo sabe. Una perplejidad explícita mostrada en una escena donde su ex-mujer, contrariada al descubrir la relación, le pregunta por qué lo hace. "No sé", responde.

Los Dardenne filman sin darle pistas al espectador porque la cámara está pegada a la mirada del protagonista. Una cámara al hombro que hace de Olivier el eje del relato: se mueve con él, registra sus actos. En ningún momento subrayan , enfatizan o pretenden dar un mensaje. La forma del registro sólo adopta la perspectiva del protagonista , desde el comienzo hasta el final del relato . Olivier marca el ritmo de la historia .