Desde hace casi una década, la realizadora norteamericana Kathryn Bigelow está atravesando una excelente racha creativa. Tras hacerse un nombre en los 90 con el redescubierto clásico de acción Le llaman Bodhi y filmar un puñado de thrillers, enamoró a audiencia y crítica con la oscarizada e interesante película bélica En tierra hostil, y se superó a sí misma con la apasionante La noche más oscura, enfocada en la lucha contra el terrorismo islámico. Tras tres años de espera llega su nueva película, de nuevo a partir de un guión de Mark Boal: Detroit, basado en el incidente del Algiers Hotel durante las revueltas de la 12th Street de la ciudad homónima en 1963, del que ahora se cumplen 50 años. Las primeras críticas eran muy positivas, pero si bien acudí a los cines de Covent Garden con poco escepticismo, lo hice con moderado entusiasmo. Las dos obras previas habían sido netamente sobrevaloradas, y el oportunismo político que subyace bajo esta nueva hornada de cine racial no acaba de ser de mi agrado. Pero la épica e intensidad del filme que me iba a encontrar eran absolutamente impredecibles, y pese a no tener la mejor predisposición me sedujeron con voracidad durante el implacable visionado, trepidante y demoledor. Si bien sus perspectivas maniqueas, su desarrollo narrativo no ajeno a convencionalismos y su regodeo escabroso pueden desagradar a los más críticos, la veracidad con la que se recrean los hechos y la magnética intensidad con la que está filmada y montada transforman Detroit en uno de los filmes más impactantes del año.

Fue el turno de otra perla a las 12:00 en el mismo Victoria Eugenia: el drama independiente estadounidense The florida project, obra de Sean Baker que ya se pudo ver en Cannes, dónde fue una sensación crítica. En un verano caluroso en las inmediaciones del Walt Disney world Resort de Florida, viven en un motel de color púrpura y humildes instalaciones la niña Moonee y su madre soltera veinteañera Halley. Los infantes jugarán y se divertirán con ignorancia y explosividad en un divertido y vivo verano, mientras la precariedad laboral y la ruina económica asola a sus jóvenes madres, perturbando paulatinamente el bienestar de estas familias disfuncionales hasta límites incontrolables.

A continuación, sin cambiar las coordenadas geográficas, disfrutamos de una película incluida en San Sebastián por motivo del premio Donostia al maestro Kore-eda: la última Palma de oro Un asunto de famikia/Manbiki Kazoku. En el frío invierno japonés, Un padre y su hijo rescatan a una niña abandonada y la acogen en su casa como miembro más de una numerosa familia. Es un grupo humilde en un estado laboral precario, que recurre con frecuencia a hurtos pequeños en tiendas de alimentación. Pese a todo, se creará en esta comunidad un clima de felicidad y cariño, creando vínculos fuertes en una familia cuyos nexos pudieran no estar tan claros como creemos. Un filme puro Kore-eda, una iteración más de un estilo definido, y una muestra más un cine familiar y humanista que bien sirve de compendio de todos sus rasgos diferenciadores. Cine costumbrista entrañable y levemente cómico, de sensibilidad en la mirada, cuidados encuadres y adorables personajes. En segundo término volvemos a tener un entramado familiar turbio que se va desenredando, esta vez en una media hora final que cambia de tono y nos bombardea con una oleada de informaciones inesperadas que mutan nuestra percepción de lo sucedido previamente y elevan el filme a las alturas. Una de las grandes películas del año, y la mejor obra del festival. Sirva también de despedida a la fallecida Kirin Kiki.

El mostoleño Raúl Arévalo lleva años trabajando sin freno y demostrando que es uno de los mejores actores patrios de la actualidad. Y ahora, tras 8 años intentando llevarla a cabo, debuta como director, buscando la excelencia en ambas disciplinas. Y de momento, tras un estreno portentoso en Venecia, podemos afirmar que lo ha conseguido. Tarde para la ira es un violento y potente relato de rencillas, rencores, dolor y familias desestructuradas, interpretado con solvencia y filmado con garra, que se suma a una ya extensa lista de perlas del cine ibérico.

El séptimo arte está destinado a abordar el deseo sexual, pero no siempre logra reflexionar con la misma clarividencia sobre las consecuencias psicológicas y afectivas que puede tener sobre los implicados. Los avances sociales en lo que a tolerancia sobre orientaciones y prácticas sexuales se refiere ha permitido que nuevas perspectivas narrativas afloren en el cine, así como sensibilidades tan delicadas como la del cineasta cuya nueva película llega reluciente a nuestras pantallas. Una nueva coproducción europea de su director estadounidense que nos llega tras ser presentada en el Festival de Berlín y recolectar aplauso crítico, lo que ha permitido un óptimo recorrido comercial en América que esperemos tenga su reflejo en tierras españolas. Caramel estrena Passages (2023), drama romántico de Ira Sachs protagonizado por un triángulo protagonista tan poco habitual como rebosante de talento: Franz Rogowski, Adèle Exarchopoulos y Ben Wishaw, cada uno de ellos muy dispares tanto en carácter como en nacionalidad. Un trabajo sentido y elegante que representa una de las cimas cinematográficas del 2023 en lo que a sensibilidad humana se refiere, y una de las mas finas aproximaciones al deseo devastador que bien merece toda atención que pueda dedicarle público y prensa, afinando cada caracter de su caligrafía para retratar la intensidad del conflicto de un reducido mosaico humano en todos sus matices.

Triángulo de tres vértices de marcada personalidad, uno de los ejes mas importantes para el impacto de la propuesta de Sachs era el trabajo con el cuerpo. Tres individuos de fuerte magnetismo que se ven repelidos e imantados a necesitarse y compartirse en diversas combinaciones que nunca incluyen la sintonía del triunvirato, en el que los gestos y manierismos de cada uno marcan sus rasgos diferenciales. Tres artistas jóvenes tan carismáticos, seductores o seguros como frágiles y necesitados de afirmación, que entran y salen de las ondas gravitacionales del otro en una danza donde el capricho egoísta entra en permanente conflicto con el afecto solidario hacia el objeto de deseo. Los lenguajes corporales y el código de miradas de los tres es el elemento mas jugoso de esta conmovedora producción. Tres vértices alrededor de los cuales el deseo y el cariño crea y disuelve, tres entidades corporales y sintientes cargadas de ecos del mejor cine europeo reciente que hacen brillar al filme a partir de la estrategia de concentrarse en dejarles manifestarse, con sus energías y sus flaquezas. El filme son ellos, su discurrir es observarles y mostrar su complejidad con atención, planificando con criterio pero sin adornarse con soberbia. Y todos los instrumentos quedan afinados en la sinfonía.

En primer lugar, la histriónica efervescencia arrasadora de un Franz Rogowski cuyo fornido torso es una herramienta expresiva clave para marcar la potencia y cariz irrefrenable del director que interpreta en la ficción. Una mirada propia innegociable que aflora con furia desde esa excelente primera secuencia de dirección en rodaje que no es sino la coraza de un individuo trágicamente solo. En su ímpetu destructor simplemente ama sin reservas y busca unos brazos en los que sumirse en hondo abrazo, como prueba su mirada huidiza y aderezada de inocencia infantil. Adicción caprichosa y tóxica que, en su angustia, destruye todo a su paso.

En segundo lugar, tenemos la elegancia contenida del marido interpretado por Ben Wishaw, una despiadada contrapartida para las necesidades del volcánico realizador protagonista. Un hombre educado, sensible y de afable fragilidad, que sin embargo no muestra piedad alguna al mostrar desdén, y desespera a su pareja en su racionalidad constante en cada actividad que lleva a cabo, extremo opuesto del instinto animal de este. Sincero en el mas inapelable de los sentidos, y tan grácil en sus esbeltos movimientos como adusto en su rostro apesadumbrado, es el que acoge con la conexión más profunda y hermosa (es con él con quien Rogowski tiene la escena sexual mas bella e intensa del largometraje) pero el que menos consentirá el traspiés. La palabra es menor en el caso de este personaje, pero también la más precisa. El personaje de rol mas secundario, pero el capital para calmar las aguas.

Y por último, la indiferente jerarquía natural del personaje de Adèle Exarchopoulos. Solitaria, tímida pero de mirada penetrante y convicción innegociable, fuente de conexión sexual inmediata con el realizador alemán, con el que la carne arde pero la seguridad del mundo personal se preserva. La cercanía de los cuerpos nunca se escapa a su control, y pese a las características sociales y familiares de los mundos de su amante ella nunca perderá su comportamiento habitual. Tan sencilla y natural como impenetrable en su confianza propia. Aunque factor discordante en el seno del matrimonio, su deseo le pertenece a ella, y su relación con Rogowski nunca la llevará a ser instrumento al servicio de un capricho volátil. Pocas actrices mas dominadoras del potencial magnético de su cuerpo, capaz de transmitir tanta sensibilidad interior desde un carnoso labio abierto o, de nuevo, mediante una mirada pura y sostenida.