Creo que el principal problema de esta serie son sus guiones que se parecen a los capítulos malos de Los Simpsons. En la serie amarilla los guiones son unos tremendos engranajes de relojería y por eso la gran mayoría resisten uno y otro visionado. En Family Guy todo es más anárquico y te da igual el tema del capítulo pero, eso sí, muchos de sus gags-chistes-reflexiones son geniales.

La crítica que me precede creo que lo ve todo con excesivo rasero político. A pesar de mi casi total desacuerdo con lo dicho en esa crítica coincido en que south Park es una serie más "honesta" aún siendo igual de humillante. Family Guy sí que seria más zafia.

¿Cómo retratar algunas de las horribles historias de secuestradores que tenían encerradas durante años a mujeres con las que hasta llegaban a tener hijos/as?

La habitación es una gran muestra de como explicar parte de esa historia ya que adapta el homónimo libro de Emma Donoghue basado en los múltiples casos de escabrosos secuestros acontecidos en los últimos años.

La película es magnífica. Lo que la hace especialmente admirable es el juego con los tonos y las contención de la que hace muesta durante toda la película. Pocas veces se juega de manera tan habilidosa con dos equilibrios tan distinto en un mismo relato y que tenga total coherencia. Dos horas que cuentan dos películas diferentes pero que muestran de manera certera una misma historia.

La primera hora es fascinante, angustiosa, vibrante. Repleta de planos cortos, de juego con los objetos y de una imagenería visual que, tal y como le sucede a Jack, hace multiplicar la habitación en la que están encerrados en un espacio infinito. Toda la segunda parte está llena de secuencias más largas, de conversas sosegadas y, al fin y al cabo, de drama familiar.

La estructura de la película es su mayor baza. El final de la primera mitad podría ser perfectamente el final de la película, de una película que hubiera comenzado con la adolescente feliz que es secuestrada, maltratada y violada por un demente. En cambio, La habitación indaga en el minuto después, en que hay más allá de la épica de la liberación. Y también nos asusta cuando muestra el vacío existencial de la mayoría de personajes. ¿No debían estar radiantes, no deberían dar a gracias al mundo por tener lo que tienen? Claro, es evidente que lo hacen. Pero la felicidad absoluta es algo pasajero, algo simbolizado en el abrazo en el coche de policía entre madre e hijo. Luego llegan al hospital, comen, duermen, discuten, afrontan la vida. Unas rutinas normales en una vida anormal. El extásis no dura para siempre y la caída puede ser muy dura. La película refleja perfectamente el equilibrio entre felicidad, secuelas, esperanza y relaciones humanas. Llegando de un sendero de vidas destrozadas lo único que adquiere sentido es la capacidad de desaprender de Jack, él puede construir desde cero, los niños no tienen memoria. Contraponiendo su alegría por comenzar a descubrir se muestra la incapacidad de su abuelo para olvidar. Para el segundo reponerse y ser verdaderamente feliz quizás sea algo imposible. Hay conversas maravillosas entre madre e hijo, huyendo del melodrama y acercándose a la emoción pura, una de las grandes virtudes que la película muestra.

Brie Larson ganó recientemente el Óscar por su excelente interpretación pero la película es sin duda del andrógino niño Jacob Tremblay que está soberbio, superlativo, llegando a lugares donde las interpretaciones infantiles no suelen llegar y regalando múltiples matices desde su voz a sus cambios en la manera de mirar y moverse en el mundo.

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¿Por qué se hacen secuelas? A parte de la obvia respuesta capitalista en muchas ocasiones no sé muy bien el porqué. En esencia, toda obra nace con un propósito detrás, nace de una necesidad de contar algo. Una vez contado, si de nuevo abres la historia es para encontrar algo dentro. Siendo sintético: no encuentro ese "algo" dentro de Buscando a Dory.

La película funciona, no nos engañemos, es Pixar, es una maquinaria bestial de ideas y perfecta ejecución animada. Ponen el piloto automático y a correr. Hay grandes secundarios, hallazgos de guión, riesgo y sentido. Pero la sombra de Buscando a Nemo es alargada y es imposible no darse cuenta que mucho de lo mejor de Dory ya estaba en Nemo. Vive de ciertas rentas.

El protagonista no le sienta demasiado bien a Dory. Personaje secundario perfecto en la primera el exceso de presencia no acaba de funcionar. Como su memoria la película tiene un punto de reiterativa y circular que le hace ser poco fluida. Da la sensación que ensamblar todo lo que tenían pensado y lo que ya existía en Nemo es algo forzado. Noto ese esfuerzo permanentemente y hasta me canso un poco yo también. Va desfalleciendo a ratos y a ratos crece de nuevo para otra vez caer en corrientes circulares.

Siendo una buena película, mi pregunta sería...¿si toda esa creatividad, esfuerzo, ideas, técnica, etc. se hubieran utilizado en una película nueva-nueva de Pixar el resultado sería mejor que Buscando a Dory? Mi respuesta es rotunda: SÍ. O al menos a mí me habría gustado más.

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Hay películas, que al visionarlas, necesitan poco para convertirse en obras de culto. The wicker man es una de esas obras. Desde las dos canciones que enlazan con sus créditos iniciales y el aeroplano que sobrevuela alguna isla británica perdida ya se intuye algo diferente.

La película empieza con un tono ceremonioso, un ambiente de liturgia que impregna la pantalla. Poco después, vemos como el sargento Howie llega en aeroplano a una pequeña isla donde debe investigar la desaparición de una adolescente. A partir de aquí, todo lo que descubre son personajes que parecen ocultar información, extraños comportamientos y sucesos y tradiciones inexplicables.

La película apuesta por un ritmo pausado que se funde con la incredulidad de lo que ves en pantalla. Desde las habas turquesas, a la canción que todo el bar dedica a la hija de la posadera tildándola de puta (y su alegría por ello), a las orgías masivas, las cucarachas en los pupitres o el cordón umbilical en los árboles frutales. Frente a toda esta espiral de locura por lo que ve (por lo que vemos) Howie se muestra con una impasibilidad horrorizada.

¿Puede una película de terror estar también llena de luz? The wicker man tiene un tono pesadillesco pero sin seguir prácticamente en ningún momento los códigos del género. Desde la luz, la tranquilidad, el apaciguamiento, la felicidad de sus habitantes la película construye un tono demoledor, ya que combina esa paz con la extrañeza de los comportamientos de sus habitantes. Esta luz en la imagen combina con otra gran película de terror de los años 70, la española ¿Quién puede matar a un niño? de Chicho Ibáñez Serrador. En ese caso era la costa alicantina que recibía a una pareja de extranjeros de turismo. Sol, niños, descanso vacacional. ¿Qué puede ir mal? También sin abandonar la luz en ningún momento todo se transforma en pesadilla. Otra cinta de culto.

La otra lectura evidente de la película es la confrontación entre etnocentrismo/animismo/religiones alternativas/reencarnación y cristianismo. Por un lado desde el punto de vista de la autoridad que llega a un sitio protegido y preservado de su mirada inquisitoria. La película juega muy bien con todo esto. Por un lado es obvia nuestra perplejidad como espectadores ante el desconcertante modo de vida de sus habitantes, así que rápidamente nos alineamos con el punto de vista del extraño que no entiende nada. Luego, sin embargo, se abre de manera sutil un momento de duda: ¿por qué la rectitud moral del protagonista es la mejor manera de interpretar la realidad? ¿Qué mal están haciendo en su isla este particular grupo de personas? La película abre la duda y es imposible no pensar en las hordas cristianas que masacraron e impusieron su manera de ver el mundo en África o Sudamérica, a esos supuestos salvajes. Hay una frase demoledora del protagonista: "Solo me interesa la ley y vosotros sois súbditos de un país cristiano". ¿Quién es el loco? ¿La moral exacerbada o el libertinaje? ¿La ley o la naturaleza pura? Se abre la sospecha... Todo esto se expone magníficamente en las conversas y el antagonismo amigable de Howie y Lord Summerise, protagonizado por un Christopher Lee brillante.

Hay escenas sublimes en la película como el intento de danza de seducción y atracción de la hija de la posadera a través de las paredes, el lirismo del desfile final, las canciones que se oyen en el bar y en la ofrenda a la fertilidad de los niños o como todo el propio tramo final con sus bellas imágenes. Solo una muestra, hay decenas de escenas, imágenes, ideas que salpican toda la obra de extrañeza e incomodidad.

The wicker man, puro cine de culto.

https://incertidumbreycine.wordpress.com/2016/05/08/el-hombre-de-mimbre-the-wicker-man-robin-hardy-1973/

Calle Cloverfield 10 es una película efervescente. Pero muy efervescente. Películas que sigues con adicción pero que, al fin y al cabo, dejan poco poso. Aquí, el envoltorio del aparato es magnético, claustrofóbico y muy atractivo.

Es difícil hablar de Calle Cloverfield 10 y no destrozar la película. Conectada de alguna manera con Monstruoso, otra adictiva obra dirigida por Matt Reeves en 2008, la película se mueve entre varios géneros, mutando y transformándose constantemente. A veces arriesga pero siempre cae de pie. Estas películas deben de tener un relato sólido, consistente, porque juegan a diferentes juegos según el momento y es muy importante que el deliberado cambio de tono no deje perplejo al espectador y, sobre todo, que no lo desconecte irremediablemente

A partir de aquí habrá algún spoiler así que seguid a riesgo y ventura vuestros.

https://incertidumbreycine.wordpress.com/2016/04/17/calle-cloverfield-10-10-cloverfield-lane-dan-trachtenberg-2016/