Luego de tres cortometrajes y tras 14 años realizándolo, el artista y animador autodidacta polaco Mariusz Wilczynski presenta su primer largometraje, con trazos toscos y hasta grotescos, el autor construye una obra cerebral alejada de cualquier convencionalismo narrativo, con un corte muy personal que se enfoca en el dolor, la pérdida, el anhelo y el recuerdo.

Una sombra onírica recorre todo el largometraje, donde varios personajes interactúan, estos deambulan por la mente del director -que bien se puede considerar como protagonista- como recuerdos de un pasado del cual busca aferrarse y no dejar escapar, esto es más que evidente en los últimos y más emotivos momentos del filme.

La película se aleja no solo de cualquier convencionalismo narrativo, sino su propia producción y realización dista de cualquier norma común, Wilczynski primero trabajó completamente solo, luego grabó algunas de las voces principales, luego se unió al proyecto un editor y un director de sonido, para posteriormente seguir con la animación y la grabación de más voces.

De hecho, en cuanto a las primeras grabaciones, estas resultan vitales para la conformación que la obra fue adquiriendo, ofreciendo un carácter imprescindible a cada personaje, y que para el pueblo polaco resulta un legado de algunas de las figuras de su cine que ya han fallecido, por ejemplo, el director Andrzej Wajda, la actriz Irena Kwiatkowska o el actor Gustaw Holoubek.

Una obra atípica y estimulante.

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Honggui (Honggui Yao) es una joven de unos 14 años que vive en una comunidad rural china, tiene varios años viviendo en ese lugar con unos tíos, el nexo con su madre es prácticamente nulo, no se siente cómoda en este lugar y, por si fuera poco, sufre acoso escolar y es abusada sexualmente, lo que dificulta aún más su diario vivir.

Huang Ji es la directora y guionista de este filme, que recoge algunas de sus vivencias personales para ofrecer un crudo, pero sutil retrato del abuso sexual, desde una mirada realista que no siente la necesidad de provocar lástima o exceder en conceptos sentimentalistas que poco aportarían a su visión personal.

Desde una mirada femenina, la realizadora aborda de forma abrumadora las sensaciones vivenciadas por esta adolescente, los cambios físicos y hormonales propios de la edad, pasando por el contexto del lugar en el que viven, incluso la parte religiosa, hasta la búsqueda de su “lugar en el mundo”.

Tiene la capacidad de mostrar mucho sin enseñarlo siempre en pantalla, por ejemplo, no muestra el abuso sexual de forma despiada, incluso por momentos es ambigua en quién lo comete, procura que el espectador intuya situaciones, por tanto, piense el filme, esto lo hace ganar y también lo podrá hacer perder espectadores.

Además, hay toda una especie de mito referente a los huevos, como fuente de vida y las piedras como elemento inerte, que empatan por completo con la vivencia de la protagonista, que a pesar de su juventud y de su condición frágil, se muestra de una u otra forma, como alguien fuerte.

Entre el documental y la ficción, la cineasta china Jiayin Liu filma en el hogar de una familia de clase media, que no es más que la suya, sus dos progenitores -sin experiencia actuando- y ella, interpretando a la hija. Tomando como único escenario el pequeño hogar de la familia y la cotidianeidad de sus vidas, que tienen como principal punto que el negocio del padre no está funcionando de la mejor manera.

Liu le da a la película un carácter completamente documental, pero lo más naturalista posible, bien podría pasar por el cinéma vérité, donde no hay mayor intervención del equipo de producción en lo que se desea mostrar. Sin embargo, se está ante una obra de ficción completamente ensayada, esta forma de filmación está pensada por la realizadora para darle un gran realismo.

Para lograr ese carácter, posiciona la cámara en un solo lugar inmóvil, en ocasiones el plano toma a toda la familia, en otros son planos detalle sobre algún objeto en particular, mientras los personajes interactúan entre ellos, con conversaciones comunes sobre temas particulares en el seno de la familia, donde pasan los minutos en largos planos fijos.

Desde el inicio la realizadora logra crear una atmósfera asfixiante, también porque se trata de una película visualmente oscura, porque en su mayoría se filma en escenas de noche, y la falta de luz natural y artificial en la casa es grande, esto también funciona para demostrar la parte socioeconómica de la familia, que es este el punto principal del largometraje.

A pesar de mostrar una cotidianeidad que pareciera no tener mayor importancia, Liu consigue sobre el final ir creciendo el nivel emocional respecto al negocio del padre, consiguiendo un resultado más que interesante.

Largometraje chino que se desarrolla casi por completo en el Beijing World Park, un parque de atracciones que replica distintas atracciones del mundo, como la torre Eiffel, las pirámides de Giza, la estatua de la Libertad, entre otras. Se centra en Tao (Tao Zhao) y Taisheng (Taishen Cheng), una pareja que trabaja en este lugar, ella en los distintos espectáculos que se realizan, él como guarda de seguridad.

El parque es vendido como una oportunidad única para los chinos de explorar el “mundo” sin salir de Beijing, lo cual por atractivo que parezca, a lo largo del filme Zhangke, director y guionista del filme, deja entrever una parte más oscura sobre esto, entendiéndose al parque como la única oportunidad para muchas personas de explorar el mundo.

Esto se muestra enfocándose en la relación de pareja entre los protagonistas, pero también en las interacciones que van teniendo con otros personajes, que también engloban temáticas como el amor, las migraciones y el trabajo, en general bajo un ambiente poco agraciado y hasta desolador, no en vano el trágico final que se asoma.

Al final estas maquetas -hasta escabrosas- de un mundo exterior y los espectáculos rutilantes llenos de energía y colores, no dejan de ser simples imaginarios porque a lo interno, el sentir de los protagonistas está más alejado de esa belleza y realidad que se quiere vender, existiendo más bien un anhelo real por salir de dicho contexto en el que apenas se puede sobrevivir.

Ese es Zhangke, ese es su cine, nostálgico ante una China -un mundo en realidad- que ciñe a sus ciudadanos, donde la efervescencia de la globalización no permite que cualquiera pueda adecuarse a los cambios, donde son más los que subsisten que los que triunfan, ese es el mundo en el que vivimos.

Película ambientada en el otoño de 1945, poco tiempo después del fin de la II Guerra Mundial, en una derruida Leningrado que intenta volver a la normalidad. En un hospital trabaja Iya (Viktoria Miroshnichenko), ella estuvo en el frente de batalla, pero tuvo que devolverse tras quedar traumada por algún hecho bélico, su principal secuela es
una parálisis total de su cuerpo que sufre cada cierto tiempo.

Iya cuida a Pashka (Timofey Glazkov), el pequeño hijo de su amiga Masha (Vasilisa Perelygina), que le encargó su crianza mientras se mantenía la guerra. Finalizado el conflicto, Masha vuelve para reencontrase con su hijo y amiga, sin embargo, el destino se ciñe sobre ambas mujeres en su anhelo por reconstruir sus vidas.

Segundo largometraje del realizador Kantemir Balagov, que también tiene en su haber un par de mediometrajes y un cortometraje, este cuenta con guion propio junto a Aleksandr Terekhov y fue estrenado en el Festival de Cannes en la sección Un Certain Regard, donde se llevaría el premio a Mejor director en dicha sección, convirtiéndose en el primer ruso en dejarse ese galardón.

En esta película Balagov bebe de las influencias de distintos cineastas provenientes de su país natal que han dejado huella en el cine mundial, pensando en una obra donde la imagen es la que tiene una gran fuerza y se convierte en la narradora principal del desenvolvimiento de la trama, más allá del dialogo, que más que guiar es un acompañante que refuerza lo que se observa.

Lo cierto es que el sonido se presenta como una fuerza constante a lo largo del filme, que resulta como un conector ineludible de la realidad percibida por los personajes, posteriores a un momento de caos y bullicio, que, aunque está fuera de pantalla se conoce por el contexto bélico en el que está inmersa la obra, además de que ese caos está igual en el presente de los personajes y dicha sociedad.

Balagov muestra bien esa sociedad de posguerra que apenas está en un proceso de recuperación que sin duda será muy engorroso, de hecho, los soldados con graves secuelas muestran eso, y dentro de todo ese desolador panorama se encuentran Iya y Masha buscando reconstruir sus vidas, el amor y la maternidad, donde estar juntas pareciera ser la única forma de sobrellevar esto como bien muestra el final del largometraje.

Dylda es una obra de carácter contemplativo que como no podía ser de otra forma está retratado de forma impecable, que también deja para el recuerdo varias imágenes por su forma e impacto, dura de ver e intensa a más no poder, el fin de la guerra por paradójico que parezca, es apenas el inicio.