'Fingernails’, de Christos Nikou, se pesentó a competición en la Sección Oficial, de la 71 edición de Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

El director griego Christos Nikou debuta en lengua inglesa con una fábula sobre nuestra necesidad de certeza y la invasión de la tecnologia en nuestra vida cotidiana. Para dar forma a su propuesta cuenta con una magnífica Jessie Buckley, a la que da réplica con naturalidad Riz Ahmed y Jeremy Allen White. Los tres actores con veracidad nos ayudarán a adentrarnos en esta innovadora exploraración sobre un tema universal: el amor.

La propuesta es un viaje interesante, que parte de una situación distópica, y presenta un Instituto del Amor, que logra medir de forma científica el grado de enamoramiento entre dos seres humanos. Con la inteligencia artificial, ya casi presente en nuestras vidas, y con el conocimiento del amor como una reacción neurobiológica en el cerebro causada por una combinación de hormonas, sensación de recompensa y neurotransmisores, se hace interesante contemplar una ficción sobre uno de los misterios todavía no desvelados: las claves del enamoramiento. Cómo cuantificar algo que creemos intangible. Dominados por la parte cognitiva desde Descartes, “pienso luego existo”, todavía hay un dèficit en entender nuestras emociones, por lo que se hace inquietante dejar a la ciencia tomar el mando, para aumentar la desconexión de nosotros mismos ¿Se puede cuantificar una mirada de amor? ¿Podemos medir el deseo ? Su valor es un acto de presencia, de conciencia.

Lo que sí es cierto, que podamos o no aproximarnos a medirlo, el amor duele. Vincularte con alguien es abrir una puerta a la emoción pura. Al gozo, la alegría, pero también al dolor o la decepción. Nadie nos puede asegurar cruzar o no esa puerta. Aunque pobre del que no se atreva a cruzarla, a arriesgarse a sentirse vulnerable. Estará quizás más seguro, pero habrá renunciado a una de las fuentes que más nos conecta con ser humanos y con sentirnos vivos.

Con Magical Girl, el director madrileño Carlos Vermut lograba la codiciada Concha de Oro a la mejor película, en la 62 edición del Festival de Cine de San Sebastián. La cinta le valió también su reconocimiento como autor, al sumar al máximo galardón la Concha de Plata al mejor director.

En un año con grandes rivales, su consagración como mejor película cuenta con un gran logro: el de saber recrear un universo propio, único y reconocible. Todo ello a partir de un buen conocimiento del oficio, visible en la construcción precisa de cada plano y donde destaca por encima de todo una sobresaliente creación de personajes.

La propuesta del director deviene sorprendente, subversiva, perturbadora e intrigante. Al espectador se le confiere el papel de entrar en juego y participar en la tarea de reconstruir las piezas de este sugestivo puzzle. Es él quien retoma el papel protagonista de dar valor y significado, con sus propias vivencias y referencias, a los interrogantes planteados por el director. Echadas las cartas todo es posible. No hay límites en esta historia de deseos, dominio y sumisión. Las imágenes son un espejo, una excusa para interrogarnos y construir a unos seres reales, complejos y ambiguos, que en la interacción con el espectador cobran su verdadero sentido.

La propuesta no puede menos que resultar inquietante y renovadora.

David Trueba presenta su nueva propuesta en el marco de la sección oficial de San Sebastián. La película, con un sugerente título, Vivir es fácil con los ojos cerrados, toma como referencia un verso de la canción, Strawberry Fiels Forever, de los Beatles. En ella el autor nos propone un delicioso viaje, partiendo de una anécdota real: la estancia de John Lennon en Almería en 1966, durante el rodaje de una película a las órdenes de Richard Lester, y el empeño de un profesor de Albacete, Antonio, para conocerlo.

En la oscura, gris e inmovilista España de los años 60 tres personajes, con momentos vitales muy diversos, se encuentran en un breve recorrido, y deciden dar rienda suelta a sus sueños. La figura de Lennon, encarna para ellos una revolución no sólo en la música, sino una transformación de valores. Es un símbolo que les mueve a cuestionarse lo establecido y atisbar un horizonte nuevo, donde el individuo puede hacerse dueño de su destino. Durante el viaje, el verborreico maestro, encarnado por un tierno y conmovedor Javier Cámara, les inspira el reto: no dejarse llevar por la inercia y tomar las riendas de sus vidas, haciendo de ellas algo de lo que puedan sentirse orgullosos.

Es grato subirse a ese viejo coche, cuestionarse la autoridad y vivir “sin miedo”, plenamente, defendiendo el derecho de ser libre para disfrutar de aquello que la vida pueda ofrecerte. Resulta conmovedor el empeño de un personaje que se atreve a cambiar el sistema, en su pequeña parcela, y en un momento oscuro contagiar de optimismo a sus alumnos y hacerles sentirse importantes, únicos, y capaces de creer en sí mismo y transformar el futuro.

Hermoso y estimulante viaje. Su reto es todavía vigente.

Periplo vital de un grupo de jóvenes que tratan de acoplar sus vidas sin renunciar a la alegría y el derecho de ser amados.

Como el pequeño que entrará de súbito en sus vidas todos experimentamos un tiempo de ajuste hasta encontrar aquello que anhelamos. El secreto quizás radica en no conformarse con menos de lo que merecemos. Las relaciones que establecen los personajes en HappyThankYouMorePlease les ayudarán a no cejar en su empeño, en no rebajar el listón y en saber que a veces basta con enfocar, cerrar los ojos y volver abrirlos y voilà: ahí estás lo que deseabas. Sólo restará seguir dando las gracias por haberlo conseguido.

‘Blonde’ es la película sorpresa de la 70 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Se trata de un retrato de Marilyn Monroe a partir de la novela homónima de Joyce Carol Oates, que dirige Andrew Dominik y da vida de forma notable Ana de Armas.

La cámara se acerca de forma íntima a la vida no ya del mito, sino de Norma Jeane, el verdadero nombre de Monroe, y lo hace de forma casi impúdica, logrando centrarse en su imagen tantas veces recreada, para penetrar en un mundo de sensaciones, que transmiten más que cuentan, y logran adentrase en lo más íntimo: el trauma infantil, su ascensión al éxito y la fragilidad ante sus famosos idilios.

Asistimos a una nueva recreación de las imágenes icónicas del mito, que Ana de Armas clava, pero con la ventaja que esta vez podemos bucear en su interior, y ver tras la escena la visión de la persona, su reacción ante la cosificación de su imagen, y compartir la vulnerabilidad de sentirse expuesta, desnuda, sujeta a los deseos de una sociedad que eleva al mito, sin atender a las necesidades emocionales de la niña traumatizada, la adulta que busca con desesperación sentirse amada. Nada más simple y más complejo, una aspiración legítima y universal.

Perturbador retrato de la persona detrás del mito, al que se llega a través de múltiples cambios de formatos, transmitiendo un mundo de sensaciones, de las que no logras desprenderte una vez bajado el telón. El dolor, la vulnerabilidad, la fragilidad, penetra de forma vívida, ganando terreno sobre la imagen icónica, que se difumina para ganar en una imagen que es próxima, cercana, dotada de humanidad.