La frase: La amiga que Webber ha conocido en la barra del bar: ¿Es justo que a los 40 las mujeres nos marchitemos mientras que los hombres se vuelven más interesantes?... barman: No, no es justo.

La escena: George (Doodley Moore) tiene la boca dormida por la anestesia del dentista, se ha tomado un par de coñacs y trata de hablar por teléfono con Samantha que se asusta y llama a la policía que lo encuentra soltando un galimatías.

El momentazo: Webber y su vecino tienen telescopios para espiarse mutuamente en sus por demás espectaculares mansiones de Beverly Hills, en una escena Samantha, novia de Webber se asoma y lo ve a él en la piscina del vecino con 3 mujeres desnudas encima.

La actuación: Además de Doodley Moore destacan Julie Andrews, Robert Webber, Brian Dennehy (el eficiente barman que sabe escuchar), Don Calfa (el divertido y loco vecino que organiza orgias).

Una comedia que lo tiene todo para pasar un buen rato, filmada en California, EEUU (Beverly Hills para ser exactos) y Manzanillo (México), cuenta con una espléndida dirección, un guion original y muy fluido, escenarios muy bellos, se filma por completo al aire libre como se hacían las películas en los 70s y 80s y lo mejor de todo la actuación soberbia de Doodley Moore, actor bajito inglés que irrumpió en escena riéndose de si mismo y demostrando que bajito, maduro y alejado de los estereotipos masculinos era capaz de ganarse a las damas y al público (No perderse “Infielmente tuya” 1984, remake de la película de Rex Harrison en los 40 o "Foul Play" de los 80s donde también borda a su personaje).

La música del maestro Mancini no decepciona, es hermosa y melancólica, los lugares en California y Manzanillo espectaculares, las historias entremezcladas humanas y entrañables (los novios, la chica del bar, el barman, el amigo gay de Webber en su también hermosa casa de Malibú, el cura que quiere ser compositor, la bella pero fría Jenny, Bo Derek), todo ello en un ambiente muy dinámico con “sketches” divertidísimos.

A shot in the dark (El nuevo caso del inspector Clouseau)

Secuela de la exitosísima “Pink Panther” de apenas un año antes, no solo la iguala sino que le añade elementos que la mejoran. Se mantiene el trio Edwards-Mancini-Sellers.

La frase: “Fracois…¿si comisario?....llame a una ambulancia, acabo de cortarme el pulgar” o “Denme 10 hombres como Clouseau y yo destruiré al mundo” (mismo Dreyfuss que ya premonitoriamente vislumbraba destruir al mundo por culpa de su odio a Clouseau, ver La Pantera Rosa ataca de nuevo, 1976).

La actuación: Sellers manteniendo el tipo mientras los asesinos quieren matarlo, es imperturbable.

La escena: El juego de billar mas torpe de la historia.

El momentazo: La escena donde se apaga la luz, todos acusan a todos, todos son culpables, parece que Clouseau puede acertar ¡una vez más!.

Es verdad que no tenemos aquí la extravagante elegancia de la primera película con escenas en Cortina de Ampezzo, con la elegantísima Claudia Cardinale disfrutando de acogedoras chimeneas y abrigos de piel, con una Fran Jeffries cantando cadenciosamente “Meglio stasera”, con la nieve, el champan y todo eso pero a cambio tenemos cosas nuevas muy importantes tales como un Inspector jefe que como alter ego de Clouseau está poco menos que genial, una Elke Sommer tan inocente como seductora, un Sellers aun mas imaginativo en sus geniales torpezas y una introducción que, al ritmo de una preciosa canción de Nino Oliviero (el mismo del tema “Mas” de “Perro Mundo”) nos proporciona la trama completa de la película en un minuto de introducción, pero con tal sutileza y elegancia que el espectador no se da cuenta.

Hay un asesinato y Clouseau tiene que resolverlo pero al hacerlo queda prendado de la despampanante María (Elke Sommer, recordémosla con Paul Newman en “The Price” o aun jovencísima en “Men and Noble men” compartiendo escena con Vitorio de Sica o la entonces también joven y guapa mexicana Silvia Pinal, a su vez la Viridiana de Buñuel). Con todas las evidencias en contra de María, Clouseau está convencido de que ella no es la culpable. La película recorre gendarmerías, campos nudistas y todo tipo de situaciones que serían grotescas a no ser por el genio de Sellers que nos regala con algunos de los mejores gags de la saga.

Muy importante aquí es la incorporación de tres actores que serán claves en las siguientes secuelas: El jefe de Clouseau (Robert Loom), el ayudante de Clouseau (Graham Stark que uno juraría es más francés que la barra de pan pero que nació en Inglaterra, recordémoslo en papeles secundarios memorables en “Victor Victoria” o “El prisionero de Zenda”) y el inefable Cato (Kurt Kwouk).

La película tiene todo para ser entretenida, hermosa música, actuaciones memorables, escenas divertidísimas y un guion espectacularmente complejo que sin embargo parece que podría resolverse al estilo Clouseau: 1. ¿Tendrá razón?, 2. ¿La chica guapa se enamorará de él?, 3. ¿Lo ascenderán de puesto?, 4. ¿Su jefe acabará en el manicomio?, 5. Lo único seguro es que sobreviene el desastre y que nos reiremos mucho, la mejor medicina en esta vida...

La frase: Barman: “Los que nos aman nos aman, los que no nos aman no nos aman, pidamos a Dios que a quienes no nos aman los inspire para que nos amen, y si no lo consigue pidámosle que les tuerza los pies para que los reconozcamos…”

La actuación: Stiller y Norton aun jóvenes actúan a la par y no compiten sino que hacen un buen equipo.

La escena: Un niño grandote y desagradable tiene a los dos amigos cogidos del cuello cuando se presenta la chica y con una patada en estratégico lugar tumba al gordo y los tres salen corriendo…ahí se marca el futuro carácter de los tres.

El momentazo: Barman: “he oído ya muchas historias de triángulos amorosos… entonces Brian (Edward Norton) se abre la camisa y muestra el alzacuellos de cura…el barman va por una silla y una botella.

Comedia romántica y trio amoroso complicado por el hecho de que quienes compiten por la chica son muy amigos y además son un cura católico y un rabino. La película es ligera y tiene sus partes de buena comicidad, dos niños más bien debiluchos con una amiga resultona y con carácter forman un trio juvenil que se rompe cuando los padres de ella se la llevan a otra ciudad, ah pero regresa convertida en una ejecutiva guapota y atractiva y ahí empieza el lio, el cura tiene voto de celibato y el rabino tiene que casarse con una buena mujer judía.

La dirección de Norton (su primera película como director) es correcta y las actuaciones fáciles y naturales resultan muy reforzadas por actores secundarios de reparto muy experimentados Anne Bancroft (“El hombre elefante”, “el milagro de Ana Sullivan” por el que obtuvo el Oscar y sobre todo por la icónica “El graduado”), Elli Walach (“El bueno, el malo y el feo”, “El Padrino” y mucho mas en 60 años de carrera, a sus 95 años recibió el Oscar honorífico), Milos Forman (Versátil checoslovaco que filmó en muchos países y que obtuvo 4 premios Oscar) y muchos más, todos ellos dan peso a la película y completan muy bien a los tres jóvenes protagonistas (los 3 rondaban la treintena en el año 2000)

En resumen una comedia agradable y bien hecha.

La frase: Un juez no hace las leyes de su país, hace que se cumplan

La escena: Maximilian Shell:
¿Es consciente de que la esterilización no fue inventada por el nazismo?, le leo… “…para evitar que nos veamos sumergidos en la incompetencia, es mejor para todo el mundo, si en lugar de ejecutar a los hijos de los degenerados por un crimen la sociedad puede impedir su propagación por medios médicos, tres generaciones de imbéciles es suficiente” (dictamen del tribunal supremo del estado de Virginia que respalda la esterilización, escrito por Oliver Wendell Holmes)

El momentazo: La defensa de Maximillian Schell cuando extiende la culpabilidad de los crímenes cometidos a muchos países y personajes y lo hace con maestría y elocuencia
La actuación: La de Maximillian Schell y la de Burt Lancaster y el contraste entre un abogado enérgico y vehemente y un acusado tranquilo, que tras estar callado toda la película cando habla es para poner los puntos sobre las “íes” y terminar con el asunto.

Una obra maestra de Stanley Kramer lograda principalmente por el espléndido y trabajadísimo guion y por una verdadera competencia de actuaciones de varios de los grandes, un Burt Lancaster que se despoja de todo su “americanismo” y se ve más alemán que los alemanes, que al principio no habla pero cuando empieza a hacerlo impone una autoridad que se palpa en el ambiente, su honradez descomunal desarma hasta a su brillantísimo abogado; un Richard Widmark cuya vehemencia como fiscal es la de un potro salvaje pero que además aporta ideas brillantes; un Spencer Tracy encarnando el dificilísimo papel de un juez sencillo y provinciano que desea ante todo hacer justicia en un momento claramente marcado por el interés por restañar las heridas del conflicto, su papel es hasta cierto punto trágico; que decir de un Montgomery Clift cuyo personaje conlleva el retraso mental; una Judy Garland que nos desgarra el alma o una Marlene Dietrich en ese papel ambiguo que tal bien interpretó siempre de victima-villana y, hay que decirlo, por encima de todos los monstruos un Maximillian Shell que aun joven se regala con una actuación que con total justicia le deparó el Oscar, su papel es el del abogado que debe defender con inteligencia, argumentos y hasta juicios morales a personajes que son claramente culpables de las acusaciones, su actuación es una clase maestra de lo que debería ser un abogado, vehemente pero respetuoso, brillante y elocuente a mas no poder, su disertación sobre quienes fueron los culpables compartidos del horror de la guerra es de una fuerza épica. Son más de tres horas que pasan volando y aunque el tema por necesidad es duro y hasta desagradable la película es agradable de ver además de conmovedora, emotiva y reflexiva, nos crea todo un cúmulo de dudas sobre temas de los que creíamos estar muy seguros. En un siglo en el que el mundo parece regresar al triste modelo países buenos-países malos, gente buena-gente mala, amigos-o-enemigos, ideología antes que razonamiento y linchamiento y guerra antes siquiera de hablar, ésta es una película que nos regresa un poco a la cordura y la sensatez.

Preciosa película, llena de matices y colores, viva, intensa que nos habla del amor, amor a la pareja, a los hijos, a los padres, a la familia, a los amigos, a la vida. Una historia que nos dice a los espectadores latinos que los ingleses no son tan fríos y flemáticos como el estereotipo quiere aparentar, que también pueden amar, reír y llorar.

La frase: El día que tu padre dijo que yo era uno de sus tres hombres mas queridos fue el mejor de mi vida, así que supongo que éste es el peor… (tio Desmond).

La actuación: Gran duelo de actores de reparto entre Nighy, Duncan, Hollander, Vanessa Kirby, Lydia Wilson, Joshua McGuire, etc., que hacen que los dos protagonistas estén siempre arropados.

La escena: Muy bien lograda es la escena en que la banda de Jon Boden, Sam Sweeney & Ben Coleman canta “How Long Will I Love You” en la estación del metro, el sonido es el mismo pero la escena cambia muchas veces para mostrarnos el desarrollo de la relación entre Tim y Mary, es una escena mágica y una canción perfecta para el momento y el lugar.

El momentazo: En la cultura anglosajona existe la costumbre de que el novio nombra a su “best man” (mejor hombre, traducido literalmente), se trata de alguien de confianza encargado de dar un pequeño discurso sobre el novio, en la película Tim prueba con varios y todos son desastrosos hasta que toca el turno al padre quien (al segundo intento) dice algo muy emotivo. Esta costumbre curiosamente también se usa en los funerales, algo completamente desconocido en el mundo latino.

La película nos es narrada por su protagonista, un chaval inglés (en realidad Glesson es irlandés) tan deseoso como torpe de relacionarse con las mujeres, los hombres de su familia tienen el don de viajar por el tiempo pero pronto aprende que eso puede crear problemas y lo va afinando con los años hasta llegar al final en el que aprende una enorme lección de vida, quizás tan grande como la de aquella maravillosa película de 1946 con Jimmy Stewart “Que bello es vivir”.

Muchas cosas me han gustado como:

- La película ensalza los grandes valores humanos y nos dice que no hace falta ser exitoso, inteligente, hábil para ser amado, tres ejemplos deslumbrantes son: La hermana KitKat que maneja muy mal su vida y se mete en grandes líos pero lo compensa con Amor, el tío Desmond, de limitadísimo intelecto que lo compensa con Bondad y el compañero “Rory” que es tan poquita cosa que la gente ni siquiera recuerda su nombre, no tiene presencia, no tiene personalidad ni habilidad pero lo compensa con Fidelidad.

- Los padres, siempre relajados y confiados, muy bien interpretados por el gran Bill Nighy (recordemos su saga de espias “Pagina Ocho” y secuelas, sus apariciones en Harry Potter y en Piratas del Caribe y una larguísima carrera) y Lindsay Duncan (también de larga carrera en series, películas y TV).
- El personaje de Tom Hollander es un poema, trata de hacerse odioso durante toda la película y acaba regalándonos risas y hasta ternura.

- Por supuesto un Domhnall Gleeson que pasa de ser el “general Armitage Hux en Star Wars” o de “Bill Weasley en Harry Potter” o de “Andrew Henry” en la película de Alejandro Iñárritu “El Renacido” (todos papeles hoscos, rudos) a este muchacho torpón que nos introduce en su hermosa familia y nos hace descubrir o recordar unas cuantas cosas importantes de la vida.

En resumen, si no pasas un estupendo rato con esta película, si no te hace sentir contento y satisfecho al final, si no te has enamorado de alguien, amigo mío, has equivocado el camino.

Terminaré esta crítica con una arenga: ¡Tímidos del mundo!...si alguien como Domhnall Gleeson con su infinita torpeza pudo enamorar a una Rachel Mc Addams… es que absolutamente todos tienen esperanza…¿Qué no puedes viajar en el tiempo?...te equivocas, ya lo estas haciendo y al final de la película el bueno de Tim te dará la receta secreta.